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[美] 布莱恩布朗，丁亚琼 著

图书标签:

• 电影摄影
• 摄影理论
• 电影制作
• 光影
• 构图
• 色彩
• 拍摄技巧
• 电影语言
• 视听艺术
• 电影

店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787510084737

商品编码：29906653554

包装：平装

出版时间：2015-01-01

基本信息

书名：电影摄影：理论与实践

定价：108.0元

作者： 布莱恩布朗,丁亚琼

出版社：世界图书出版公司

出版日期：2015-01-01

ISBN：9787510084737

字数：420000

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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　　了解摄影知识的教材，美国多所电影摄影系专用教科书。采用大开本、全彩印刷，大量剧照、图片、表格，详细而生动的展示摄影师需要了解的方方面面。是一本摄影入门者和专业学习者的经典。

内容提要

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本书内容丰富，几乎涵盖了所有电影摄影方面的知识。理论与实践相结合，不仅有实例的讲解，还有实例背后原理的详实说明。让摄影者明白规则是什么、什么时候可以适当的打破它。通过大量的实例、插图、图表揭示了一个电影制作的真实世界。因其专业性和性，被业内人士誉为“摄影”。
　　★为摄影师和导演进行影像制作
　　★全彩、大开本，大量剧照及图表，生动展示摄影所需的方方面面技巧。
　　★内容丰富而全面，被业内人士誉为“电影摄影”。
　　★摄影入门和专业学习者的经典。
　　摄影艺术一词由希腊语“编写动作”衍生而来，代表了电影创作的本质。无论你使用胶片、录像带、数码或高清拍摄，这一点都是相通的。它是摄影师和导演的工作指南，两者都有相同的基本任务：用摄像机讲故事。本书将讨论导演们的摄影知识，以及摄影师们必需的导演知识，为电影艺术的各个方面以及各种拍摄方式提供一个综合性的指南。
　　本书将从基础概念、摄影手法和技术问题入手，以大量图片和全彩印刷的形式，剖析电影摄制中的技术要求是如何转换为影片视觉表情的。本书旨在加强导演和摄影师之间的交流——这是任何一部影片和感人故事的创作中不可或缺的一部分。使用《电影摄影：理论与实践》中的技巧和知识，你将学会如何驾驭视觉媒介的力量。

目录

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作者介绍

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　　布莱恩·布朗（Blain Brown）是一位摄影师，兼作家和导演。他住在洛杉矶，曾经当过摄影指导、导演、制片人、剧作家、剧情片剪辑，还拍过广告、纪录片和音乐录音带。他使用过35mm和16mm的所有胶片格式，还有数字录像和高清24P录像。

文摘

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摄影师需要具有很多做导演的基础知识，必须非常熟悉导演的术语和概念。而导演对于电影摄影了解越多，他或她才能够更好地运用这些工具，并更好地让一位DP （摄影指导）发挥他的知识和才能。任何一位成功的导演都会告诉你，导演且真正的秘诀，在于能够发现团队中每一位成员的才能并加以充分的利用。
　　摄影指导肩负着很多技术性的职责，而导演要负责剧本和演员的有关事宜，但在这两个之间，他们都需要参与一项基本任务——用摄影机讲故事——这令两者的合作变得至关重要。就此而言，本书的主要目的之一就是讨论“导演需要知道的摄影知识”和“摄影师需要了解的导演技巧”，这是为了增进他们之间的交流，为他们创造共同语言并进行合作。
　　本书的首要任务是介绍专业级应用的电影摄影／制作技术，无论是用胶片、录像、数码、高清或是其他影像格式。无论你使用的是什么媒介，故事叙述和摄影都是一样的。除了两个部分涉及动感影像曝光和暗房这种特殊领域之外，本书所提供的知识可以运用在任何形式的摄影中——胶片摄影、录像摄影或是数码摄影。
　　前三章将介绍影像叙事中必要的基础概念，一位胶片摄影师或录像摄影师必须要明白，你不仅仅是一个拍摄“好镜头”的技师。不同的导演也许对摄影指导选择或设计镜头的要求各不相同，但无论如何，摄影指导必须掌握影像叙事的手法。
　　电影是一种语言，蕴含着特殊的词汇和次语言，包括镜头、构图、视觉设计、灯光、图像控制、连续性、动作和视角。学习这些语言和词汇是穷尽一生且无止境的迷人研究。就像所有的语言一样，你能够运用它撰写内容丰富而明晰的散文，或谱写一篇视觉诗歌。
　　当然，在你使用各种工具充分运用电影这门语言时，会有一些严格的技术要求。摄影指导的工作就是满足这些要求，以保证拍摄工作顺利进行。这些要求在本书中都会讲到，因为他们不仅是摄影指导工作中不可分割的一部分，其中很多也是视觉表达中的硬性要求。这就是为什么导演必须对技术问题有起码的了解；另一个原因是，缺乏经验的导演会因为提出了不合时宜的要求、预算、设备和人力资源而陷入窘境。
　　这并不是说导演应该得过且过或者将就拍摄达不到其预想的影片，而是说导演应该对技术方面了解更多，这样才能做出更好的决策。导演要和他的摄影指导一起合作并思考，哪种解决方法更加适合拍摄现场的情况。
　　不要不拘一格
　　一句老话说的好——“打破规则前应该先弄懂规则”，在电影拍摄中更是如此。
　　新人总是喜欢尝试“的方法”。有时候（非常罕见）他拍出的成品才气纵横，甚至很超前。然而，在电影拍摄中，重拍的成本极其昂贵，有时甚至是不可能的。所有电影拍摄的基本原则都有其存在的理由：他们是经过一百多年实践和实验所得出的结果。你能打破这些规则吗？当然！的电影制作人乐此不疲。当你不仅仅懂得了这些规则，更加理解了其存在的原因时，打破规则就能成为你创造感染力的工具。我们的重点是，不仅仅解释规则，还要解释这些规则存在的原因。
　　本书讨论的范围
　　摄影师要做好自己的工作，需要掌握哪些电影制片知识？几乎所有！
　　摄影师的知识储备包括镜头、曝光、构图、连续性、剪辑需求、灯光、道具、色彩、摄影语言，甚至故事结构的基本元素。我们的工作是用镜头讲述故事，你对于这种艺术形式的基本元素了解得越多，就能越好地协助导演达到目标。摄影指导不需要事无巨细地解决技术问题，比如剪辑、剧本或是关键道具，但他必须对此有坚实的理解，更重要的是：各种工具的潜力——如何利用他们为故事做贡献，以达到导演想要的效果。
　　这一点之所以尤其重要，是因为导演的工作会更多地与编剧、演员和那些对影片摄制和影像叙事不那么了解的人打交道。在这种情况下，作为摄影指导，既要统领全局，又要与导演合作无间，而不是强行将自己对电影的构想替换导演的构想，这才是真正可贵的品质。出于同样的原因，作为导演也应努力做到充分利用团队的创造性，让每个人都发挥出出色的表现。
　　本书将讨论叙事要点、连续性、剪辑需求，以及光学、特效、曝光、构图、滤镜、色彩控制和摄影师工作中会遇到的所有其他问题——所有的问题都会从他们作为叙事工具的角度出发来进行讨论。灯光技巧也包含在此书中，但如果你想进一步了解并更深入的讨论灯光技巧，请看我的另外一本书《影视照明技术》（Motion Picture and Video Lighting ）。另一点需要注意的是，如果你决心将电影这一媒介的潜力发挥到，利用所有艺术形式作为工具来打造你的故事，那么录像或高清电影的灯光技巧是与胶片电影没有本质差别的。
　　职位与术语
　　摄影师指的是拍摄胶片或录像影片的人。摄影指导是指负责各种项目的摄影师。摄影者／摄影人可以代指以上任何一种。虽然现在大量的影片都使用高清录像制作，高清录像肯定将是未来的潮流，但更大众的说法仍旧是拍片和制片。
　　……

序言

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光影的叙事：电影视觉语言的深度解析 本书聚焦于电影制作的核心——视觉叙事的力量，探讨光线、构图、色彩以及运动如何共同构建引人入胜的故事世界。它不仅仅是一本技术手册，更是一部关于如何“看见”电影的理论与实践相结合的指南。 第一部分：视觉的基石——光线与空间 电影的本质，在于对光线的驾驭。本书的开篇便深入剖析了光线在塑造情绪、定义角色和引导观众注意力方面的不可替代的作用。我们不谈简单的三点布光法，而是深入探讨自然光、人工光以及环境光的复杂交互。 1. 光质的哲学：硬光与软光的心理投射 光线的“硬度”——即阴影边缘的清晰度——直接影响着观众的心理感受。本书详细分析了硬光如何营造戏剧性的冲突、揭示细节的锐利，以及在黑色电影（Film Noir）中如何作为道德模糊的象征。相对地，软光对人物面部轮廓的柔化处理，以及它在浪漫主义叙事中的应用，将被置于细致的案例研究之中。我们探讨的不是“如何设置柔光箱”，而是“在特定情境下，何种光质最能服务于角色的内心挣扎”。 2. 曝光的艺术：宽容度与信息密度 数字时代，对传感器宽容度的理解至关重要。本书将曝光不再视为单纯的亮度调整，而是信息的提取过程。过曝的“死白”与欠曝的“纯黑”如何成为叙事手段？我们研究了如何通过精确的曝光策略，在保留高光和阴影细节的同时，有效控制画面中观众必须注意的信息密度。这涉及对ACES色彩管理流程的初步认知，以及如何根据胶片或数字媒介的特性，预判最终画面的动态范围。 3. 空间感的营造：景深与透视的心理操控 景深不仅仅是清晰区域的远近。本书探讨了深景深（Deep Focus）与浅景深（Shallow Focus）在叙事层面的对立统一。深景深（如奥逊·威尔斯早期的作品）如何将前景、中景和背景中的元素置于同等重要的地位，强迫观众主动选择观看焦点，从而反映了角色在复杂环境中的处境。浅景深则用于隔离角色，强调其孤独或内在的专注。此外，对广角镜头与长焦镜头在空间压缩与拉伸上的应用，将通过蒙太奇理论进行交叉分析，阐明透视关系如何成为情感放大器。 第二部分：构图的语法——框架内的秩序与张力 电影的构图是视觉语言的语法结构。本书摒弃了对“三分法”的机械化重复，转向探讨动态平衡、负空间的应用以及引导线在非线性叙事中的作用。 4. 动态构图与视觉流 一个静止的画面并非意味着叙事的中断。本书重点研究了画面内元素（人物、道具、光斑）的移动如何与画框边缘产生互动，形成内在的张力。我们将分析如何利用对角线来暗示不稳定性或运动的趋势，以及中心构图在需要绝对权威或绝对脆弱感时所扮演的角色。负空间（Negative Space）不再是空洞的背景，而是表达疏离、压抑或无限可能性的重要叙事载体。 5. 视点的高度与角色的权力关系 摄影机高度（Eye-Level, High Angle, Low Angle）的选择，是导演与观众之间建立初始权力关系的关键。本书详细考察了俯视（High Angle）如何使人物显得无助或被审视，以及仰视（Low Angle）如何赋予角色以主宰感或英雄气概。更进一步，我们探讨了倾斜镜头（Dutch Angle）在表达角色精神错乱或世界失序时的微妙效果，并结合心理学原理，分析观众对这些视点下人物的本能反应。 6. 画面分割与多重叙事：分屏技术的前世今生 本书回顾了利用画框分割技术（如多格画面或内部遮罩）来实现多重叙事或时间并置的经典案例。这不仅仅是技术上的挑战，更是对观众认知负荷的精确管理。如何确保分割后的每个区域都有效地推进故事，而不是分散注意力，是本章的核心议题。 第三部分：色彩与运动的深度潜能 色彩与运动是赋予静态画面以生命力的两大驱动力。本书探讨了它们如何超越美学层面，直接作用于观众的情感核心。 7. 色彩的心理学与调色板的建立 色彩不是装饰，而是情绪的化学反应。我们将建立一个详尽的色彩语义学库，解析特定色相、饱和度和亮度的组合如何唤起特定的文化联想和生理反应。更重要的是，本书强调了一致性在构建电影世界观中的作用。一个成功的调色方案（Color Palette）是如何通过微妙的色彩漂移（Color Shift）来标记时间的流逝、角色的心理转变或场景的潜意识关联。例如，如何在冷色调中引入温暖的“对比色”来象征救赎的微光。 8. 镜头运动的动机：跟随、观察与介入 镜头运动绝不能是随意的“移动”。每一次平移（Pan）、俯仰（Tilt）、跟拍（Tracking）或变焦（Zoom）都必须有一个明确的叙事动机。 平移与视线引导： 分析平移如何模拟人类的扫视行为，或如何暗示潜在的威胁正在接近。 摇摄与空间展开： 探讨广阔场景中摇摄（Whip Pan）如何实现快速的场景转换或制造突兀感。 斯坦尼康的沉浸： 斯坦尼康镜头如何通过模拟人眼在空间中的自由移动，将观众“置入”角色的身体体验中，尤其是在高压或情绪激动的场景中。 9. 变焦的叙事陷阱与机遇 变焦（Zoom In/Out）常常被误解为一种廉价的替代方案。本书将聚焦于那些经过深思熟虑的变焦镜头——例如，从一个宽广的环境镜头突然推向一个特写，以突显信息的重要性，或是在一个长镜头中，镜头缓慢地、几乎察觉不到地推向角色，以增强压迫感。我们着重分析变焦如何改变画面的透视关系，从而影响观众对物体间距离的感知。 结语：风格的融合与个性的确立 本书的最终目标，是帮助学习者超越对单一技巧的掌握，达到风格的自觉运用。真正的视觉大师懂得何时打破规则，何时坚持传统。本书鼓励读者通过深入研究历史上大师们的创作选择，构建自己的视觉“词汇表”，最终，将理论的重量转化为银幕上毫不费力的诗意表达。电影摄影的实践，是一场永无止境的对话——与光线、与空间、与被观看的故事之间的持续对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一名电影专业的学生，我一直在寻找一本能够帮助我理解电影摄影背后的逻辑，而不仅仅是学习一些死记硬背的技巧的书。《电影摄影：理论与实践》这本书无疑是我的理想选择。它没有堆砌那些我难以理解的专业术语，而是用一种非常易懂的方式，层层递进地讲解了电影摄影的各个方面。我尤其欣赏书中对“构图”的讲解，它不仅介绍了三分法、黄金分割等基本原则，还深入探讨了如何利用线条、形状、色彩来引导观众的视线，以及如何通过构图来传达人物的情感和故事背景。书中关于“景深控制”的章节也让我受益匪浅，它解释了如何利用景深来突出主体，虚化背景，从而增强画面的层次感和空间感。这本书也让我明白，电影摄影不仅仅是“把画面拍清楚”，更是一种视觉叙事的方式，是通过镜头语言来与观众进行沟通。通过阅读这本书，我仿佛打开了一扇新的大门，对电影摄影有了更深刻的认识，也更加期待在未来的学习和实践中，能够运用这些理论知识，创作出属于自己的优秀作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直就是为我量身定做的！作为一个刚入行不久的独立电影人，我一直在寻找一本既能深入浅出地讲解电影摄影的理论，又能指导我如何在实际拍摄中落地操作的书籍。市面上很多书要么过于理论化，读起来枯燥乏味，要么过于注重技巧，缺乏系统的理论支撑。《电影摄影：理论与实践》这本书恰好弥补了这一空白。它从最基础的光线原理讲起，一点点深入到复杂的镜头运动、构图法则，以及色彩学在电影中的应用。我特别喜欢它在讲解理论的同时，穿插了大量的经典电影案例分析，这让我能够更直观地理解那些抽象的理论概念是如何在实际作品中发挥作用的。比如，书中对诺兰电影中那种沉浸式的、带有压迫感的镜头语言的剖析，让我茅塞顿开，也为我后续的拍摄提供了不少灵感。而且，它还详细讲解了不同类型影片（如纪录片、剧情片、短片）在摄影上的侧重点和挑战，这对于我这种需要应对各种项目的人来说，简直是福音。这本书不仅让我学到了知识，更重要的是，它点燃了我对电影摄影更深层次的热情，让我相信，通过系统学习和实践，我一定能拍出更有力量、更有感染力的影像。

评分☆☆☆☆☆

我一直对电影的视觉呈现方式充满好奇，但又觉得电影摄影门槛很高，难以入门。直到我遇到了《电影摄影：理论与实践》，才真正找到了一条清晰的学习路径。《电影摄影：理论与实践》这本书就像一位耐心细致的向导，带领我一步步探索电影摄影的奥秘。它从最基本的镜头语言和构图原理开始，循序渐进地深入到更复杂的概念，比如运动镜头的设计、焦点的运用，以及如何通过色彩和光影来构建电影的情感世界。我特别喜欢书中关于“视角”和“镜头选择”的讨论，它让我意识到，不同的视角和镜头选择，会直接影响观众对故事和人物的解读。例如，一个低角度的镜头可能会让人物显得高大威严，而一个特写镜头则能捕捉到人物细微的情绪变化。这本书不仅仅是理论的堆砌，更重要的是，它提供了大量来自不同电影的案例分析，让我能够看到这些理论是如何在实际拍摄中被应用的，也从中获得了许多宝贵的灵感。这本书让我对电影摄影有了全新的认识，也激发了我深入学习和实践的欲望。

评分☆☆☆☆☆

我是一名资深的电影摄影师，从业二十余年，见证了电影技术日新月异的发展。在这过程中，我读过无数关于摄影的书籍，但《电影摄影：理论与实践》依然给了我不少惊喜。这本书最吸引我的地方在于它对“实践”二字的深刻理解。很多理论书籍往往止步于概念的陈述，而这本书则将理论与实践紧密结合，提供了大量可操作的建议和解决方案。它不仅探讨了光线的艺术，更细致地分析了不同光源的特性、布光的常见手法以及如何根据场景和情绪来调整光线。例如，书中关于“阴影的叙事功能”的章节，让我重新审视了阴影在画面中所扮演的角色，它不再仅仅是物体被遮挡的区域，而是可以用来塑造人物性格、营造氛围、引导观众情绪的强大工具。此外，书中对摄影机的选择、镜头语言的运用、运镜的技巧等方面都有详尽的阐述，并且结合了当下最新的技术发展，例如对数字摄影机在宽容度、色彩空间方面的优势进行了深入分析。这本书的内容对于我这样的资深从业者来说，既有温故知新的价值，也能带来新的思考和启发，让我能够不断更新自己的知识体系，跟上行业发展的步伐。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的感受，就像是走进了一个精心搭建的摄影工作室，里面摆满了各种工具，却又不仅仅是工具，更重要的是，旁边还有一个经验丰富的老师，一步一步地告诉你如何使用这些工具，以及为什么需要这样使用。《电影摄影：理论与实践》这本书的独特之处在于，它不仅仅是罗列了大量的技术知识，更是注重“为什么”和“如何做”的结合。它深入剖析了光线如何塑造情绪，镜头如何影响观众的感知，色彩如何传达情感。例如，书中关于“冷暖色调在叙事中的运用”的章节，让我深刻理解了为什么在表现紧张、压抑的场景时，摄影师会选择冷色调，而在表现温暖、幸福的场景时，会倾向于暖色调。更重要的是，它还提供了很多实用的拍摄技巧，例如如何利用反光板来柔化光线，如何利用滤镜来改变画面的质感。这本书的内容非常丰富，涵盖了从基础到进阶的各个层面，对于任何想要提升自己电影摄影水平的人来说，都是一本不可多得的宝典。