绘画透视基础---西方经典美术技法译丛-W pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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美梅茨格 著

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• 艺术
• 绘画基础

店铺： 英典图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532286294

商品编码：29908734696

包装：平装

出版时间：2014-01-01

基本信息

书名：绘画透视基础---西方经典美术技法译丛-W

：38.00元

作者：(美)梅茨格

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2014-01-01

ISBN：9787532286294

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.459kg

编辑推荐

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菲尔·梅茨格所著的《绘画透视基础》没有复杂的方程式或数学术语，只有简明的介绍和手把手的练习，教你怎样在自己的素描和绘画中创造出纵深感。作者在书中用日常语言给你很清晰的指导，语言朴实而不失幽默。在作者生动的教学中，你会学到透视绘画的基础以及诀窍，而不是一堆僵硬的规则。你在本书中学到的透视技巧将帮助你的透视绘画创造。在本书中你将学会：利用色彩和亮度变化来制造纵深感；不用复杂的测量仪器画出准确的角度；利用透视秋解决绘画中感觉不对的地方；测量相对尺寸，增加细节，让画面更有说服力等等。点击购买以下《西方经典美术技法译丛》系列丛书美国绘画透视完全教程（新一版）构图的诀窍透视如此简单

内容提要

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菲尔·梅茨格所著的《绘画透视基础》简明的介绍和手把手的练习，教你怎样不用复杂的测量仪器画 出精准的角 度、在自己的素描和绘画中创造出纵深感。作者详尽 且幽默的解说，界定和说明了各种透视技巧，并提供大量练习及常见错误的指出 帮助你实践它们，还深入探 讨了如何将这些技巧应用于实际素描和绘画中。你在《绘画透视基础》中学到的透视技巧将帮 助你创造，而不是应用透视的这些规则来妨碍你去完 成一幅赋有感染力的画。

目录

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部分：
基础
重叠
大小和空间变化
立体感
细节与边缘
颜色与亮度变化
交汇线
消失点和眼平线
估计角度
第二部分：
盒子内外
透视一个简单盒子
画到里面去
找到隐藏的边
利用消失点
处理好角
透视中心
利用透视中心
纠正错误
安放门窗
盒中之盒
建造一所玻璃房子
成堆物体
区分高低
第三部分：
曲线与倾斜
圆与椭圆
圆形物体
圆柱体的组合
拱形
夸张有利于观察
测量相对尺寸
更多的消失点
垂直线的交汇
朝上看
倾斜
大路、小径和街道
田野与溪流
楼梯
目测
常见错误
结束语
索引

作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一份关于《绘画透视基础——西方经典美术技法译丛-W》之外的、涵盖其他绘画主题的详细图书简介，总字数控制在1500字左右，力求内容充实且自然流畅。 《光影雕塑：大师的色彩与明暗艺术》 内容导览：超越线条与结构，探索视觉的深度与情感 本书并非专注于几何结构与空间构建的基础理论，而是将目光投向绘画艺术中更为玄妙、更具表现力的核心要素——光影、色彩的运用与情感的传达。它汇集了从文艺复兴盛期到印象派、后印象派，乃至部分现代艺术流派中，大师们处理光线、调和色彩以及塑造体积感的精妙技法与深刻洞察。 对于那些已经掌握了基础素描和结构原理的创作者而言，《光影雕塑》提供了一座通往“如何让画面‘呼吸’”的桥梁。它深入剖析了光线如何定义形体，色彩如何影响情绪，以及明暗对比（Chiaroscuro）如何构建画面的戏剧性张力。 --- 第一卷：光线的语言——明暗与体积的塑造 本卷聚焦于光线作为绘画“雕刻刀”的角色。我们不再仅仅关注透视对物体远近的界定，而是深入研究光照角度、光源性质（硬光与柔光）如何影响物体的表面质感与空间深度。 章节细览： 1. 追寻光源：环境光与固有色的分离 详细解析了物体“固有色”与“受光色”、“暗部色”、“反光”和“投影色”之间的复杂关系。通过对卡拉瓦乔式戏剧性布光（Tenebrism）的案例分析，读者将学习如何通过控制极端的明暗对比，瞬间抓住观众的注意力，营造强烈的空间感和情感冲击力。我们将探讨如何精确捕捉反光在不同材质（如金属、丝绸、皮肤）上的差异表现。 2. 明暗调子的层次构建 本章系统梳理了从高光到核心阴影的过渡层次——“灰调”的运用。传统油画大师如何通过细微的笔触和颜料的叠加，使得一个球体看起来具有不可思议的体积感，而非仅仅是两个色块的堆砌。内容涵盖湿画法（Alla Prima）中对厚涂（Impasto）与薄涂（Glazing）在光影处理上的融合技巧。 3. 空间氛围的光照处理 区分了室内光、自然日光、黄昏光和人工光源对色彩感知的影响。重点讲解了空气透视法中，光线穿过大气介质后，物体轮廓和色彩饱和度衰减的规律，这与结构透视法中对线条的收敛处理是相互补充的视觉语言。 --- 第二卷：色彩的交响——情感、调性和气氛的掌控 如果说光影决定了画面的结构重量，那么色彩则赋予了作品生命力和情绪深度。本卷是关于调色板哲学的探讨，引导创作者跳出“三原色+黑白”的局限。 章节细览： 1. 色彩的心理学与象征意义 追溯历史文献中不同文化对色彩的解读，例如蓝色在不同时期象征的虔诚与忧郁，红色代表的激情与危险。重点分析了浪漫主义画家如何利用高饱和度的暖色调来激发观众的热情，以及象征主义画家如何利用奇异的色彩组合来暗示潜意识。 2. 现代色彩理论的应用：从莫奈到梵高 深入研究印象派和后印象派对“光学混合”的革命性贡献。读者将学习如何避免将颜色在调色板上完全混合，而是通过并置互补色或邻近色的小笔触，让眼睛在观看时完成最终的融合，从而获得更具活力和颤动感的色彩效果。分析了梵高如何运用强烈的色彩对比来表达内心的躁动与能量。 3. 色彩的统一性与调性（Tonal Harmony） 阐释“调性”——即画面整体色彩的明暗倾向或冷暖倾向——的重要性。一个高明度、偏冷的画面与一个低明度、偏暖的画面，即使描绘的是同一景物，也会产生截然不同的情绪基调。本章提供了一套实用的方法，用以校准画面中所有颜色，使其“听从”于一个统一的音乐主题。 --- 第三卷：笔触的独白——技法与质感的表达 本卷探讨的不再是“画什么”，而是“如何画”——笔触本身作为一种独立的表现语言。 章节细览： 1. 笔触的能量与节奏 通过对提香的松动笔触、伦勃朗的厚重堆叠以及德加的快速素描式线条进行对比研究，读者将理解笔触如何记录下创作者的运动轨迹和创作时的心境。短促、断裂的笔触表达急迫，平滑、渐变的笔触则倾向于宁静和古典的完美。 2. 媒材的特性与控制 针对油画、蛋彩画以及特定类型的丙烯画，分析不同介质对色彩表现力和笔触持久性的影响。例如，如何利用媒介剂（如松节油、亚麻油）的挥发速度，来控制颜料的流动性，从而实现水彩般的晕染效果或厚涂的雕塑感。 3. 创造肌理：从光滑到粗糙 详细介绍如何使用画刀、刷子背部、甚至非传统工具来创造丰富的表面肌理。这不仅是为了模仿真实世界中的皮肤、岩石或织物，更是为了让画面本身成为一个具有物理存在感的对象。 总结 《光影雕塑：大师的色彩与明暗艺术》是一部面向进阶学习者的实践哲学指南。它引导创作者超越对精确几何描绘的依赖，转而拥抱视觉的感性层面——光影的戏剧性、色彩的情感张力以及笔触的生命力。本书旨在帮助艺术家找到自己的“光语”和“色调”，从而创作出不仅“看起来正确”，而且“感觉真实”的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的优点在于它的“可操作性”极强，是我读过的关于透视学最不“纸上谈兵”的一本。我之前尝试过不少透视相关的书籍，但很多都停留在理论和概念的解释上，看得我云里雾里的，真正到了动笔的时候却无从下手。而《绘画透视基础》则完全不同，它就像一位经验丰富的老师，手把手地教你如何去画。书中的每一个步骤、每一个技巧都讲得非常到位，而且配套的图例也十分清晰，让我能够对照着书中的范例一步步地练习。我尤其喜欢书中关于“如何快速构图”的章节，它提供了一些非常实用的快捷方法，让我能够在短时间内就建立起画面的基本空间关系。比如，书中提到如何利用简单的几何形体来搭建场景，然后再逐渐细化，这个方法对我来说简直是福音！而且，它还强调了“实践出真知”，鼓励读者多动手练习，并提供了大量的练习素材。我按照书中的方法进行了几次练习，发现自己的构图能力和空间想象力都有了显著的提升。以前画一幅画，我总是需要花费很多时间在构图上，现在我可以更专注于画面的细节和表现力了。这本书真的让我觉得，学习透视学不再是一件难事，而是一种可以掌握并且能够带来巨大提升的绘画技能。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，《绘画透视基础》这本书在处理“空间感”这一点上，可以说是做到了极致。我作为一个对绘画充满热情，但又常常在如何让画面“立起来”这件事情上感到困扰的业余爱好者，这本书简直就像是一盏明灯。它没有简单粗暴地罗列透视线的画法，而是深入浅出地剖析了透视背后的逻辑，以及它如何影响我们对物体的感知。书中的插图和图解是我非常欣赏的部分，它们清晰地展示了各种透视关系，比如物体在不同角度下是如何变形的，如何通过控制线条的长短和走向来营造距离感。我尤其喜欢书中关于“仰视”和“俯视”透视的讲解，这些场景在现实生活中非常常见，但要将其准确地呈现在画面中却不容易。作者通过对不同高度的观察点进行细致的描绘，让我对如何表现广阔的天空和深深的地面有了全新的认识。而且，这本书不仅仅是关于线条的透视，它还花费了相当大的篇幅来讲解“透视在色彩和光影中的应用”。我以前一直认为色彩就是色彩，光影就是光影，它们之间似乎没有太大的关联。但这本书让我明白，色彩的冷暖、明暗变化，甚至是笔触的粗细，都能在很大程度上影响画面的透视效果。比如说，暖色调的物体会显得更近，冷色调则会显得更远，这简直颠覆了我之前的认知！总而言之，这本书让我对“空间”这两个字有了更深层次的理解，也为我打开了通往更具表现力的绘画世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

如果说之前我对绘画的理解是“形”和“色”的二维组合，那么读完《绘画透视基础》之后，我则真正体会到了“空间”在绘画中的重量。这本书最打动我的一点是，它不仅仅是在教你画透视线，更是在引导你去“思考”空间。它通过对现实世界中各种物体的透视现象进行细致的观察和分析，让我明白透视并非是人为设定的规则，而是我们感知世界的一种方式。书中对“观察角度”和“视点”的讲解让我印象深刻，它让我意识到，同一个物体，在不同的视角下会呈现出完全不同的形态，而理解这一点，是准确描绘的关键。我特别喜欢书中关于“动态透视”的讨论，这部分内容在很多普通教材中是很难见到的。作者通过分析运动中的物体，比如疾驰的马匹、飞翔的鸟儿，展示了如何利用透视来增强画面的动感和力量感。这让我意识到，透视学不仅仅适用于静态的场景，更是表现动态事物的利器。此外，书中还探讨了“透视与叙事”的关系，这让我对绘画有了更深层次的理解。原来，通过巧妙的透视安排，是可以引导观众的视线，突出画面的重点，甚至传递出某种情绪和故事的。这本书让我明白，透视学不仅仅是绘画的“骨架”，更是赋予画面“灵魂”的关键。

评分☆☆☆☆☆

这本书绝对是我近期阅读中最令人耳目一新的艺术类书籍之一！我一直对油画中的光影处理和色彩层次感到好奇，也曾尝试过一些入门书籍，但总觉得它们太过理论化，缺乏实际操作的指导。然而，《绘画透视基础》却恰恰弥补了这一点。它并没有像我之前看过的那些书一样，上来就抛出一大堆复杂的数学公式或者抽象的概念。相反，作者以一种非常直观和生动的方式，从最基础的透视原理开始，循序渐进地讲解。比如，它会用大量实际的绘画案例来展示如何运用一点透视、两点透视甚至多点透视来构建空间感。我特别喜欢其中关于“视平线”和“消失点”的解释，作者用了非常形象的比喻，让我一下子就理解了它们在画面中的作用。而且，书中提供的练习范例也很有针对性，不是那种空洞无物的练习，而是结合了建筑、室内场景、人物等多种元素，让我在练习中能感受到透视学在不同题材中的应用。最让我惊喜的是，它还涉及到了空气透视和色彩透视，这部分内容真的太棒了！我以前总觉得画面不够有纵深感，现在才知道原来通过色彩的冷暖、饱和度以及明暗变化，也能有效地营造出空间感。这本书让我觉得，透视学不再是枯燥的技术，而是连接现实与画面的桥梁，是赋予画面生命力的关键。读完之后，我迫不及待地想拿起画笔，去尝试那些新的技法，去创造更具空间感和真实感的作品。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期以来对西方古典油画情有独钟的艺术爱好者来说，《绘画透视基础》这本书无疑是一次非常宝贵的学习机会。我一直对那些大师作品中精妙的空间布局和逼真的立体感感到惊叹，但苦于没有合适的途径去深入了解其背后的技法。这本书恰好填补了这一空白。它不仅仅是停留在理论层面，而是通过大量的范例和深入的分析，揭示了西方经典绘画在运用透视学上的智慧。书中对不同时期、不同画派的透视运用进行了梳理，这让我能够清晰地看到透视学是如何随着艺术的发展而演变的。我特别注意到书中对于“多点透视”的讲解，这部分内容在许多入门书籍中是很少涉及的。作者通过对一些复杂建筑和室内场景的剖析，让我了解到在处理非平行线条的物体时，如何巧妙地运用多个消失点来构建出真实而富有戏剧性的空间。此外，书中对“人物透视”的讲解也让我受益匪浅。以前我总觉得人物的形体和姿态已经足够复杂，再加上透视的关系，更是难以把握。但这本书提供了一些非常实用的方法，比如如何根据观众的视角来调整人物的比例和角度，如何通过透视来表现人物的动态和情感。读完这本书，我感觉自己对西方古典油画的理解更加深入了，也对如何将这些精妙的技法运用到自己的绘画实践中有了更清晰的思路。