和声实用基础教程(21世纪高师音乐系列教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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冯鄂生贾方爵薛世民... 编

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• 和声学
• 音乐理论
• 高等教育
• 音乐教材
• 21世纪高师音乐系列
• 实用和声
• 音乐教学
• 和声基础
• 音乐教育
• 声乐伴奏

店铺： 土星图书专营店

出版社： 西南师大

ISBN：9787562118756

商品编码：29918659492

开本：16

出版时间：2010-09-01

基本信息

• 商品名称：和声实用基础教程(21世纪高师音乐系列教材)
• 作者：编者:冯鄂生//贾方爵//薛世民
• 定价：39
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562118756

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2010-09-01
• 印刷时间：2016-10-01
• 版次：3
• 印次：7
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：296

内容提要

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作者简介

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目录

第一章 绪论
§1 和声的起源和发展简况
§2 多声音乐概述
第二章 和弦
§1 和弦
§2 和弦的种类及性质
§3 原位和弦与转位和弦
§4 大、小调式音阶中各级和弦的名称
§5 以五声音阶为基础的各调式和弦名称
第三章 四部和声
§1 四部和声各声部的名称及记谱法
§2 和弦音的重复与省略
§3 和弦音的排列法
§4 和弦的旋律位置
第四章 原位正三和弦的连接
§1 大、小调式的正三和弦
§2 正三和弦的功能
§3 正三和弦的连接
§4 和弦连接中应避免的不良进行
§5 和弦关系及不同和弦的连接
§6 同和弦变位
§7 三音跳进
§8 用正三和弦为旋律配和声
§9 终止式
§10 终止式四六和弦
§11 为低音配和声
第五章 正三和弦的转位
§1 正三和弦的六和弦及音的重复、省略及排列法
§2 原位和弦及其六和弦的连接
§3 不同根音和弦的连接
§4 两个六和弦的连接
§5 运用六和弦为旋律配和声
§6 正三和弦的四六和弦
第六章 和弦外音
§1 经过音
§2 辅助音
§3 先现音
§4 延留音
第七章 属七和弦
§1 原位属七和弦
§2 转位的属七和弦
第八章 副三、副七和弦
§1 和声功能概述
§2 和弦序进的逻辑
§3 各级副三、副七和弦
第九章 守调模进
§1 守调模进
§2 旋律模进
§3 模进的移动
§4 和声的模进
§5 模进的特点
§6 模进的应用
第十章 副属和弦与离调
§1 副属和弦的构成
§2 副属和弦的标记
§3 副属和弦的作用
§4 副属和弦的处理方法
§5 各级副属和弦的运用
§6 副属和弦的其他形式
§7 离调模进
第十一章 转调、近关系转调
§1 转调
§2 调性发展的方式
§3 调性关系
§4 转调的方法
§5 近关系转调的方法与步骤
§6 近关系转调的应用
§7 半音转调
第十二章 五声音阶为基础的调式配置和声的方法(一)
§1 各调式音阶上所构成的和弦
§2 各调式和声功能的划分
§3 各调式终止式的和声进行
第十三章 五声音阶为基础的调式配置和声的方法(二)
§1 和弦的调式风格
§2 附加音与代替音
§3 同宫系统的调式交替功能
§4 同宫系统调式重叠配置
§5 同主音调式交替和声配置
第十四章 合唱曲写作简介
§1 合唱曲中各声部的音域、音区、音色及各类型的合唱曲
§2 各声部声区的运用
§3 合唱声部的增减
§4 各声部节奏的处理
第十五章 钢琴(风琴)简易伴奏写作
§1 伴奏的类型
§2 音型法
§3 歌曲伴奏写作的步骤
【附录1】 简易钢琴伴奏谱例
【附录2】 和声分析谱例

好的，以下是一份针对“和声实用基础教程（21世纪高师音乐系列教材）”之外的，关于另一本音乐理论或实践类图书的详细简介，力求内容详实、自然流畅： --- 《二十世纪管弦配器法深度解析与实践指南》 导言：跨越时代的音色构建艺术 在音乐创作的宏伟殿堂中，配器法无疑是连接作曲家内心想象与听众实际感知之间最为关键的桥梁。传统的配器教材往往聚焦于古典浪漫时期管弦乐团的固定配置及其成熟技法，为初学者提供了坚实的基础。然而，步入二十世纪，随着材料科学、电子技术的飞速发展，以及作曲家们对音响边界的无情探索，管弦乐队的构成、音色潜力及其演奏技法经历了革命性的变革。 本书《二十世纪管弦配器法深度解析与实践指南》，旨在填补现有教材在现代管弦乐法前沿应用方面的空白。它并非对传统知识的简单重复，而是以一种批判性的、实践导向的视角，深入剖析自德彪西晚期作品直至当代极简主义、噪音音乐与电子音乐融合趋势下，管弦乐队的重塑与再定义。本书面向高等音乐院校的作曲与指挥专业学生、专业的管弦乐配器师，以及对现代音乐音响美学抱有浓厚兴趣的演奏家。 第一部分：二十世纪管弦乐队的“解构与重构” 本部分将从历史和技术两个维度，审视管弦乐队在二十世纪发生的根本性变化。 第一章：从印象主义的色彩到序列主义的结构 音色谱系的拓展： 重点解析德彪西、拉威尔如何利用传统乐器创造出前所未有的音响效果，例如对泛音、特殊指法（如“象步奏法”）、弱音器（Mute）的革新性使用。 斯特拉文斯基的动力学革命： 分析《春之祭》等作品中对铜管组的“冲击性”运用，以及木管组的非连贯性、尖锐的音色组合，如何服务于节奏的异化。 序列主义的音色逻辑： 探讨荀伯格、韦伯恩等作曲家如何将音高序列扩展到音色、力度序列，对乐器选择提出“非美学”的客观标准，以及如何处理十二音体系下的管弦织体密度。 第二章：扩大演奏技巧与音色资源 本章是本书的基石，详细梳理了二十世纪后半叶以来，对标准乐器演奏法提出的挑战与拓展。 木管组的极限探索： 深度剖析“超吹”（Multiphonics）、“嘶音”（Air Sounds）、“指孔开放”（Key Clicks）等技法在不同乐器（尤其长笛与单簧管）上的实现难度、音响特征及记谱法。提供大量的音响示例对照表。 弦乐组的摩擦与敲击： 不仅限于巴托克与利盖蒂对弓法（如“Sul Ponticello Tremolo”的极端化）的运用，更深入讲解使用非传统材料（如金属刷、硬币）与琴体直接接触产生的音响效果，以及在总谱上精确标记这些特殊演奏法的规范。 铜管组的扩张： 探讨变音器（Glissando/Portamento）的精确控制、演奏嘴唇震动（Lip Slurs）的极限，以及使用多种弱音器叠加（Mute Stacking）创造出“合成器般”音色的配器策略。 打击乐的“交响化”： 考察从打击乐团独立到重新融入管弦乐团的全过程。重点解析集群性打击乐的配置（如马林巴、颤音琴、定音鼓的矩阵化布局），以及如何利用非常规打击乐器（如金属板、砂纸、工业噪音录音的现场播放）来丰富乐团的低频和高频纹理。 第二部分：织体、密度与空间布局的现代策略 二十世纪的配器不再仅仅是“给旋律穿衣服”，而是将音色本身作为组织音乐结构的核心要素。 第三章：宏大纹理的构建——利盖蒂的微观复调 音块（Kluster）与集群（Cluster）： 分析如何通过大量邻近音高的乐器叠加，形成具有内部运动感的音响“云朵”。详细阐述利盖蒂《大气层》、《氛围》等作品中，如何利用乐器组内声部密度的渐变来模拟声场的流动与消散。 随机性与概率性配器： 探讨使用概率图表、非精确的记谱法（如使用圆点、阴影表示音区而非固定音高）来引导乐手即兴或半即兴演奏，从而生成不可预测的音响织体。 第四章：空间定位与声场设计 现代配器越来越重视声音在三维空间中的布局。 立体声场模拟： 讨论作曲家如何利用管弦乐队的物理布局来模拟环绕声效果。例如，将弦乐组拆分为多组，分别放置于舞台的左、中、右甚至后方，以增强声部的对位和位移感。 电子媒介的融合（Electro-Acoustic Integration）： 详细介绍如何将现场拾音、预录音轨、延迟效果器（Delay）与管弦乐进行实时融合。重点解析如何在总谱中标注电子声部与管弦声部的同步要求、电平控制和效果器参数设置。 第三部分：实践案例精选与技术演练 本部分通过对具体作品的剖析，将理论转化为可操作的配器技术。 第五章：案例研究：二十世纪大师的“音色配方” 精选分析至少四部具有里程碑意义的配器作品： 1. 对位法的回归与异化（如布里顿）： 分析其如何以新古典主义的简洁笔触，却运用极度现代的指法来描绘特定的戏剧性场景。 2. 极简主义的节奏驱动（如史蒂夫·莱奇）： 探讨如何使用大量重复的、固定音色的乐器组来构建复杂的、缓慢演变的相位关系。 3. “新浪漫主义”的色彩回归（如梅西安）： 分析其如何使用特种乐器（如土耳其鼓、钟琴）与复杂的调式系统相结合，营造出具有宗教神秘感的音响景观。 4. 数字时代的声学实验（当代作曲家）： 侧重于分析最新的记谱法，例如使用频谱图（Spectrogram）指导演奏，或要求乐手在特定频率范围内即兴生成噪音。 第六章：配器练习与模拟项目 提供一系列针对性的实践任务： “音色黑箱”挑战： 要求学生在不使用任何旋律动机的情况下，仅凭音色、力度和节奏的对比，写出一段三分钟的管弦乐“声景”。 传统主题的现代改编： 选取一段巴赫或莫扎特的片段，要求学生使用至少三种二十世纪的扩展演奏技巧对其进行“解构式”配器，并解释其背后的音响学意图。 实时电子反馈模拟： 针对特定乐器组设计一段需要与预先设置好的延迟或混响效果器进行互动的记谱方案。 结论：面向未来的声音设计师 《二十世纪管弦配器法深度解析与实践指南》力求引导读者超越“如何写出动听的旋律”的传统框架，进入“如何设计可控的、具有实验精神的音响系统”的现代领域。本书不仅是工具书，更是一本激发创新思维的哲学指南，它要求配器师成为声音的建筑师、声场的魔术师，以及未来音乐语言的坚定探索者。通过掌握这些跨越百年的技艺，学生将能够自信地驾驭现代管弦乐队这艘复杂而充满潜力的巨轮，驶向前所未有的音乐疆域。 ---

评分☆☆☆☆☆

从内容广度和深度来看，这套教材的覆盖面确实令人印象深刻。它在扎实的基础和声学框架之上，并未固步自封，而是非常自然地引入了一些更高级别的视角和议题。比如，在讲解到功能和声的范畴时，它会适当地引入一些关于调式和声的初步概念，而不是将其完全割裂开来，这对于希望未来能自如应对不同风格音乐的学生来说，是极大的福音。这种前瞻性的设计，让这本书不仅仅是一本入门手册，更像是一张通往更广阔音乐世界的地图。尤其是在探讨和声的“色彩”变化时，书中对不同声部进行细致的权重分析和动态处理的讨论，远远超出了基础教材的范畴，它开始引导我们思考和声的“美学”问题，而不仅仅是“正确性”问题。这无疑提升了整套教材的价值层次，使其能够陪伴学习者度过更长的时间段，并随着其音乐理解力的提升而不断发掘新的价值点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的知识体系构建逻辑清晰得令人赞叹，完全是循序渐进的典范。它没有急于抛出那些艰深晦涩的规则，而是从最基础的音程、三和弦开始，每一步都像是为学习者铺设了一条稳固的阶梯。我特别欣赏它处理“例外情况”的方式，不是等到所有基础都学完才集中讨论那些特例，而是巧妙地在引入新概念的同时，就将相关的需要注意的“变体”或“特殊处理”穿插讲解，这样可以有效避免学习者在后续学习中因为突然遇到的新情况而产生认知上的断裂感。举个例子，当讲解到导音的功能时，它会立刻联系到主导和弦的结构，并提前预告了在某些特定调式或风格中可能会出现的处理差异，这种前瞻性的设计，让学习过程更加连贯和平滑。这种安排不仅锻炼了读者的系统思维能力，也为未来深入研究特定音乐风格打下了坚实的基础，体现了编者深厚的教学经验和对音乐教育规律的深刻洞察。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经有些基础的学习者，我发现这本书在处理“实用性”这个维度上，展现了极高的水准。它不仅仅停留在“是什么”的层面，更深入到了“如何运用”的层面。书中的练习曲和示例片段，选材非常精妙，它们往往是取自不同历史时期和不同体裁作品中的经典片段，但又经过了合理的简化和提炼，使得练习者在解决具体技术问题的同时，也能潜移默化地接触到不同时期的和声色彩。例如，当我学习到某一类转位和弦的规范用法时，书中紧接着就出现了一个18世纪室内乐片段的缩写分析，这使得我能立刻将抽象的规则与真实的音乐语境联系起来，明白了为什么这些规则在历史中被确立和沿用。这种“理论即工具，工具服务于音乐实践”的理念贯穿始终，让学习过程不再是枯燥的公式记忆，而是一场不断探索音乐语言结构奥秘的旅程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常严谨，但又充满了恰到好处的学术温度。作者在阐述复杂的和声学原理时，几乎没有使用任何含糊不清的措辞，每一个定义都精确无误，每一个推导过程都逻辑严密，这对于需要建立精确概念的学习者来说是至关重要的。然而，这种严谨并非高高在上拒人千里之外，相反，它建立在对学习者困惑点的深刻理解之上。例如，在解释某些和弦进行在听觉上为什么会产生特定的“张力”或“解决感”时，编者会用非常形象且贴合听觉经验的语言进行描述，而不是一味地依赖数学化的推导。这使得即便是面对一些需要高度抽象思维才能理解的概念时，学习者也能感到自己被有效地引导着，而不是被生硬地推向未知。这种平衡——既要求学术上的不可动摇性，又兼顾学习过程中的人文关怀——是很少有教材能做到的。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版和装帧确实很下功夫，拿到手上就觉得分量十足，一看就知道是经过精心编排的。封面设计简洁而不失专业感，内页纸张的质地也相当不错，印刷清晰，五线谱和文字之间的留白处理得当，长时间阅读下来眼睛也不会太容易疲劳。尤其值得称赞的是，对于一些复杂的乐理概念，编者似乎非常注重图文并茂的解释，不仅仅是文字的堆砌，还有很多辅助性的示意图和图表，这对于初学者理解抽象的音乐理论概念提供了极大的便利。比如，在讲解到和声进行时，不仅仅是给出和弦名称和功能，还会结合一些历史上的范例进行剖析，让理论变得生动起来，而不是孤立地存在于纸面上。整体来看，这本书在视觉传达和实体感受上，已经为学习者建立了一个非常积极的心理基础，让人有立刻翻开学习的冲动。我个人认为，好的教材不仅要有扎实的理论内容，这种对学习体验的关注同样重要，而这本教材在这方面做得非常出色。