15堂创意绘画课—形体的探索与表现-W 9787532299836 上海人民美术出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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【西】吉玛·嘉丝奇，琼瑟 ·阿什辛 著

图书标签:

• 绘画
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• 素描
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店铺： 花晨月夕图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532299836

商品编码：29919658206

包装：平装-胶订

出版时间：2017-01-01

基本信息

书名：15堂创意绘画课—形体的探索与表现-W

定价：58.00元

作者：【西】吉玛·嘉丝奇,琼瑟 ·阿什辛

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2017-01-01

ISBN：9787532299836

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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本书是西班牙绘画基础经典教程中的一本，以“面向自然的艺术，面向创新的创作”为主题，从艺术家的角度出发，指引读者要用美术的方式去感受、想象和创造，并将教会你如何去探索各种绘画的造型，学习不同的表现技法，发挥个人的艺术风格。

目录

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作者介绍

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吉玛·嘉丝奇和琼瑟·阿什辛都是从事绘画教学和创作的视觉艺术家，均毕业于巴塞罗那大学，获美术学学士学位，各自都曾多次在西班牙、意大利和德国参展。自1955年，他们在一个试验集体艺术创作的文化协会中以“CREART”为名联合创作。本教程中的每一种创意方法都来自于他们在巴塞罗那艺术研究院任教授期间主持的绘画工作室教学经历。

文摘

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序言

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好的，这是一份关于其他创意绘画课程图书的详细简介，旨在展现丰富的绘画技巧和理论知识，但不包含您提供的《15堂创意绘画课—形体的探索与表现-W 9787532299836 上海人民美术出版社》中的具体内容。 --- 《灵感涌现：现代视觉叙事与材料创新实践》 图书概览 《灵感涌现：现代视觉叙事与材料创新实践》是一本面向所有对当代艺术创作、创新思维和跨媒介表达有浓厚兴趣的学习者、艺术家和设计师的综合性教程。本书超越了传统的美术基础训练，聚焦于如何将抽象的创意转化为具有强大视觉冲击力和情感深度的作品。全书共分为四大核心模块，系统性地引导读者探索从概念生成到最终呈现的全过程，尤其强调在材料选择和媒介融合中的实验精神。 本书的撰写基于对当代艺术生态的深入观察，旨在弥合理论学习与实际创作之间的鸿沟。它不仅教授“如何画”，更着重于“为何画”以及“如何用非传统方式表达”。 --- 第一模块：概念的孵化与视觉语言的构建 本模块是全书的理论基石，旨在帮助学习者搭建坚实的创意思维框架。 1.1 从意象到命题：创意原点的捕捉 本章深入探讨了灵感的来源和转化机制。我们不局限于观察自然，而是将重点放在心理学、社会现象、哲学思辨等非视觉领域，如何被抽象为可供绘画转译的“视觉命题”。内容涵盖了“潜意识图像的提取技术”、“象征主义的当代应用”以及“通过限定条件激发创造力”等实用方法论。 1.2 叙事结构与非线性表达 现代艺术作品往往挑战线性的时间观。《灵感涌现》详细解析了多种叙事结构，包括循环叙事、碎片化叙事和多重视角叙事。本节重点介绍如何通过构图、色彩的间歇性使用以及画面的留白，来引导观众在非顺序的状态下“阅读”作品，从而增强作品的层次感和回味空间。 1.3 色彩心理学的高级应用 不同于基础色彩理论，《灵感涌现》深入探讨了色彩在特定文化背景、个人情感投射中的动态变化。内容包括： 情绪色谱的调配： 如何利用邻近色、对比色和补色的微妙关系，精准地传达出忧郁、亢奋或疏离等复杂情绪。 光影的符号学意义： 探讨在非写实绘画中，光线和阴影如何脱离物理规律，成为表达主题的关键“角色”。 --- 第二模块：媒介的解放与实验性探索 本模块的核心在于打破传统绘画材料的界限，鼓励读者进行大胆的跨媒介试验。 2.1 基础媒介的颠覆性用法 我们审视了油画、丙烯和水性颜料的“反常”使用方式： 厚涂与刮削的雕塑感： 如何将颜料堆积到极端厚度，使其具有近似浮雕的物理存在感，并探索干燥后颜料表面的自然裂纹作为艺术语言。 稀释与渗透的控制： 学习如何利用高度稀释的媒介物料（如墨水、稀释的丙烯）在布面或纸张上制造不可预期的晕染和渗透效果，捕捉“过程即作品”的理念。 2.2 综合材料的“意外之美” 本章重点介绍如何将非传统绘画材料融入画面，以增强作品的触感和观念深度： 纹理的引入： 使用沙子、石膏、废弃织物或金属箔片，与颜料进行混合或叠加，创造出独特的表面肌理。 可变与时间性材料： 探讨使用易于氧化、褪色或会随时间变化的材料（如特定金属粉末、植物提取物），使作品本身成为一个关于“变化”的记录。 2.3 数字化辅助与传统媒介的对话 本节指导读者如何利用数字工具（如平板电脑、图形软件）进行初步的草图构建、色彩预设或图案生成，然后将这些“数字灵感”通过打印、投影或直接拓印的方式，重新转化到物理画布上，实现虚拟与现实的无缝衔接。 --- 第三模块：空间、构图与观众的互动 本模块关注如何通过空间组织来影响观众的感知和体验。 3.1 平面中的深度感知：超越透视法 本书不拘泥于焦点透视，而是全面介绍非欧几里得几何在绘画中的应用： 多点透视与错觉： 分析立体主义和未来主义作品中如何利用多重视角制造视觉上的不稳定感。 空气透视与色彩层次： 强调通过冷暖色调和清晰度差异来构建空间，而非依赖传统的线条收缩。 3.2 留白与负空间的哲学张力 负空间（或留白）不再仅仅是背景，而是被赋予意义的“存在”。本章教授如何设计画面中的“空白区域”，使其成为引导视线、平衡构图或表达“虚无感”的有力工具。 3.3 交互性与装置的边缘探索 对于追求更大尺幅和沉浸式体验的创作者，本模块提供了将二维绘画延伸至三维空间和环境艺术的初步指导。例如，如何设计带有可移动部件或需要观众特定走位才能完整观看的画作。 --- 第四模块：作品的呈现与艺术宣言 创作的完成不仅仅是收笔，更是如何定位和介绍作品。 4.1 装裱的艺术：从保护到升华 本章讨论了边框、装裱材料（如背板、玻璃类型）对最终视觉效果的决定性影响。内容包括如何为抽象作品选择合适的“静默”边框，以及如何通过非传统装裱（如悬挂、卷轴化）来配合作品本身的特质。 4.2 创作手稿与过程记录的价值 强调了创作笔记、草图、失败尝试的重要性。本书提供了一套整理和展示“工作过程”的方法，帮助创作者清晰地梳理和阐述其艺术思维的演变路径。 4.3 撰写有力的艺术家陈述 (Artist Statement) 最后，本书提供了一套结构化的指南，教导艺术家如何将复杂的创作理念，转化为清晰、引人入胜的文字描述。重点在于如何平衡技法介绍与观念阐述，使艺术宣言成为作品的有力延伸。 --- 适用对象 本书适合有一定绘画基础，渴望突破现有风格、寻求创新表达途径的进阶学习者；希望将绘画融入更广阔的当代艺术实践中的艺术院校学生；以及寻求新灵感和跨界材料应用的专业视觉艺术家和设计师。 《灵感涌现：现代视觉叙事与材料创新实践》 旨在激发您对“可能性”的探索欲，让您的作品在形式与内容上都达到一个全新的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本书绝对是我近年来阅读过的最具启发性的绘画类书籍之一。我本身就对绘画有着浓厚的兴趣，但一直以来，我总觉得自己在形体塑造方面存在明显的短板，画面总显得缺乏厚重感和力量感。这本书的出现，简直就像为我量身打造的一样。它没有简单地罗列各种绘画技巧，而是从“形体”这个根本出发，层层深入地剖析了形体在绘画中的重要性以及表现方法。我特别喜欢作者在讲解过程中所展现出的那种对形体的敏锐洞察力。他能够用非常精炼的语言，准确地捕捉到形体的本质特征，并将其转化为生动形象的绘画表现。书中关于“形体的骨骼感与肌肉感”的讲解，尤其让我印象深刻。作者将人体结构与形体表现巧妙地结合起来，让我们能够从内部理解形体的生成逻辑，从而在外部进行更精准、更有力的塑造。我以前画人物，总觉得他们的身体像是“软趴趴”的，缺乏那种坚实的支撑感，看了这本书之后，我才真正理解了骨骼和肌肉是如何支撑起人体的，以及如何在画面中通过光影和线条来强调这种力量感。此外，书中关于“形体的节奏感与韵律感”的探讨，也让我受益匪浅。作者认为，好的形体表现，不仅仅是准确，更重要的是要有内在的节奏和韵律，能够吸引观者的目光，并产生共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书在我书架上已经有段时间了，最近终于有空翻阅，结果真的给了我很多惊喜。我一直觉得自己对绘画的理解停留在比较表面的阶段，就是知道怎么画出眼睛、鼻子、嘴巴，但总觉得少了点什么，画面不够生动，缺乏那种“活”的感觉。这本书就像一把钥匙，帮我打开了通往更深层次的绘画理解的大门。它不是简单地教你“怎么画”，而是引导你去“理解怎么画”。比如，它在讲形体的时候，不是枯燥地列举各种几何体，而是通过非常形象的比喻和深入浅出的讲解，让我一下子就明白了形体在画面中的重要性。那些关于光影的章节，更是让我醍醐灌顶，我以前画的人脸总显得平板，看了这本书才知道，原来是光影的运用不够到位，导致形体不够立体。作者在讲解过程中，穿插了大量的实例，这些实例都非常经典，无论是人物还是静物，都处理得极具表现力。我常常会盯着这些图看半天，然后对照着书里的讲解，试图分析出作者是如何处理这些形体的。这本书的魅力在于，它让你在学习技巧的同时，也在不断地激发你的思考，让你主动去探索和发现。我发现自己开始在观察生活中的事物时，不再是简单地看到一个轮廓，而是开始去分析它的体积感，去想象光线照射在它上面会产生怎样的明暗变化。这种观照方式的改变，让我觉得非常有成就感，也让我对绘画的热情更加高涨。

评分☆☆☆☆☆

收到这本书的那天，我怀着好奇的心情翻开了它，原本以为它只是一本普通的绘画教程，但很快就被它深深吸引住了。这本书的讲解方式非常独特，它没有那种枯燥乏味的理论堆砌，而是通过一种非常“玩味”的方式，引导读者去探索和发现形体的奥秘。我尤其喜欢书中关于“形体与空间的相互作用”的讲解。作者通过一些非常形象的比喻，让我一下子就明白了形体是如何在空间中存在的，又是如何与周围的环境产生联系的。比如，书中提到，一个球体在一个狭小的空间里，和在一个开阔的空间里，它的“感觉”是完全不同的，这种细致的观察和描述，让我豁然开朗。我以前在画背景的时候，总是显得比较随意，没有和主体形体建立起有效的联系，而看了这本书之后，我开始意识到，背景的形体同样重要，它需要与主体形体相互呼应，共同构建出一个完整的画面。书中的一些关于“形体的变形与夸张”的章节，更是让我大开眼界。我一直觉得，绘画就要忠于现实，但这本书却告诉我，适当的变形和夸张，能够让画面更具表现力和感染力。作者用了很多例子来证明这一点，让我看到了形体在艺术家手中，可以焕发出多么强大的生命力。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对这本书的期待并不高，我搜寻的初衷只是想找一本能快速提升我素描能力的教材，毕竟手头的项目时间比较紧。没想到，这本书完全颠覆了我对“技巧类书籍”的认知。它没有那种“速成”的承诺，也没有那种立竿见影的“秘籍”，反而更像是一场漫长的、但却充满乐趣的探索之旅。它讲的“形体”，不是我之前理解的那些死板的几何体组合，而是将它们融入到更广阔的语境中，比如在讲人物的时候，会深入到骨骼、肌肉的结构，然后告诉你这些内部结构是如何影响外部形体的，光影又是如何巧妙地勾勒出这些内在的动态。这让我感觉自己在跟一个经验丰富的老师对话，他不仅仅传授知识，更是在传授一种绘画的思维方式。书里很多关于透视和空间感的讲解，对我来说简直是“救命稻草”。我之前画的场景总是显得很“平”，缺乏纵深感，而这本书通过一些非常巧妙的案例分析，让我理解了如何在画面中营造出远近关系，让画面“透”出来。我特别喜欢书中关于“形体与情感”的连接的部分，作者用非常生动的语言描述了如何通过形体的扭曲、拉伸来表达人物的内心世界，这让我意识到，绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的表达。看完之后，我感觉自己的绘画视野一下子开阔了许多，不再局限于“画得像”，而是开始追求“画得有灵魂”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对我这样一个有着多年绘画基础但始终觉得瓶颈期的爱好者来说，无疑是一场及时雨。我一直以来都觉得自己的绘画风格比较“软”，缺乏那种硬朗有力的表现力，尤其是在处理人物的骨骼和肌肉感时，常常显得不够扎实。翻开这本书，我立刻被它对“形体”的深入解读所吸引。它不仅仅停留在基础的几何形体讲解，而是将其延伸到人体结构、解剖学，以及更宏观的物体塑造。作者在阐述过程中，非常注重逻辑性和系统性，从最基础的块面关系，到复杂的体积推敲，层层递进，让我的理解过程非常顺畅。我尤其欣赏书中关于“形体的动态表现”的章节，作者通过对不同姿态下人体形体变化的细致分析，让我深刻体会到了“形体即是运动”的道理。以前我画人物，总觉得是静止的，缺乏生命力，现在我明白了，关键在于如何抓住形体在运动中的那种微妙变化和张力。此外，书中关于光影的讲解也让我受益匪浅。作者没有照搬那些复杂的物理定律，而是从绘画表现的角度出发，讲解了光影如何塑造形体、如何烘托气氛，如何增强画面的戏剧性。看完书中的案例，我尝试着去观察现实中的光影，再去运用到自己的绘画中，惊喜地发现，原本平淡的画面一下子变得立体而富有生命力。