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胡佳，关晓娜，梁爽 著

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店铺： 梅凯瑞图书专营店

出版社： 中国水利水电出版社

ISBN：9787517018575

商品编码：29942334017

包装：平装

出版时间：2014-06-01

基本信息

书名：艺术设计造型与美学研究

定价：62.00元

作者：胡佳,关晓娜,梁爽

出版社：中国水利水电出版社

出版日期：2014-06-01

ISBN：9787517018575

字数：

页码：274

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《艺术设计造型与美学研究》以艺术设计造型为基础，对其中的形态构成、字体设计、图形设计、色彩设计分别进行论述，然后结合艺术设计美学对审美的本质、形式美的规律、审美文化等方面展开探讨，以此来提高造型设计师的创造力、审美观等综合素质，并且能运用造型知识、形式美原则等方面的知识来服务于艺术设计编排等实践活动，所以《艺术设计造型与美学研究》除了艺术设计造型中的字体运用、图形运用、色彩运用以外，还增加了艺术设计编排的实践内容。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一份关于其他主题的图书简介，力求内容详实且自然流畅，不涉及您提到的那本书籍内容。 --- 《数字时代的内容生产与传播机制：以社交媒体平台为例》 书籍导言：信息洪流中的航向重塑 在二十一世纪的第二个十年，信息以前所未有的速度与规模涌入人类的生活，其核心驱动力正是以社交媒体为代表的数字平台。这些平台不仅是信息发布和接收的渠道，更是重塑社会结构、文化观念乃至个体认知的强大力量。本书深入剖析了在这一全新语境下，内容是如何被生产、筛选、传播并最终沉淀为集体记忆的复杂过程。我们不再仅仅是内容的消费者，更是无意识的生产者和传播节点。理解这一机制的内在逻辑，对于把握当代社会动态、应对信息失序的挑战，具有至关重要的现实意义。 第一部分：数字内容生产的生态学重构 本部分聚焦于当代内容生产的源头及其驱动力，探讨传统内容创作者与“自媒体”的边界消融。 第一章：从专业主义到全民创作的范式转移 传统媒体时代，内容生产高度依赖专业机构的资本、技术和门槛。然而，移动互联网的普及极大地拉低了创作的硬件门槛。本章详细考察了智能手机、轻量化编辑工具如何催生出“人人皆可发声”的局面。我们引入“微创作”（Micro-Creation）的概念，分析短视频、即时消息流中的文本片段如何取代长篇论述，成为主流信息载体。重点分析了用户生成内容（UGC）的爆炸式增长，并将其置于数字经济的价值链中进行评估。 第二章：算法驱动下的内容偏好与内容策展 数字平台的核心竞争力在于其推荐算法。本章将算法视为一种无形的“内容策展人”。我们详细拆解主流社交媒体平台（如TikTok、Instagram、X平台）推荐引擎的工作原理，包括协同过滤、基于内容的推荐以及强化学习的应用。研究表明，算法虽然提高了信息匹配的效率，但也无可避免地导致了“过滤气泡”和“回音室效应”的形成，对用户认知多样性构成了隐性威胁。本章特别关注了算法的“黑箱”特性，以及内容创作者为适应算法而进行的内容形态和时间策略调整。 第三章：数字劳动的隐性经济学 内容生产在光鲜的表象之下，隐藏着复杂的经济激励结构。本章超越单纯的广告分成模式，探讨了“注意力经济”的本质。我们分析了平台对创作者的激励机制——从直接的货币化（如打赏、直播带货）到间接的社会资本积累（如粉丝数、影响力等级）。通过对多个垂直领域的案例研究，揭示了数字劳动中“情感劳动”和“表演性真实”的内涵，以及创作者在保持“人设”与追求商业价值之间的张力与权衡。 第二部分：传播链条的非线性演变与失控 数字传播的特征在于其去中心化和极快的扩散速度。本部分关注信息在网络中的流动路径，以及这种速度带来的社会后果。 第四章：病毒式传播的动力学模型 本章运用复杂网络理论，分析信息的“病毒性”（Virality）是如何从个体间的互动扩散为群体现象的。我们区分了“强连接”传播（基于信任关系）和“弱连接”传播（基于兴趣或偶然性）。通过对特定热点事件的传播路径追踪，我们构建了信息扩散的阶段模型，包括萌芽期、爆发期、饱和期与衰减期，并探讨了关键意见领袖（KOLs）和超级传播者在其中扮演的“放大器”角色。 第五章：虚假信息与认知对抗 数字平台为信息传播提供了前所未有的广阔舞台，同时也为虚假信息和深度伪造（Deepfake）的泛滥提供了温床。本章侧重于分析虚假信息的生产链条——从动机（政治、经济或纯粹的恶作剧）到技术手段（自动化机器人集群、内容农场）。我们深入探讨了认知科学在信息接收中的作用，解释了为何某些与个体既有信念相符的错误信息比修正后的事实更容易被接受和传播。最后，评估了平台方在事实核查和内容移除方面的治理困境。 第六章：情绪共振与数字群体的极化 社交媒体环境鼓励情感表达的即时性和强度。本章研究了“情绪传染”（Emotional Contagion）在数字空间中的放大效应。通过分析特定话题下的评论和互动数据，我们发现平台设计倾向于奖励那些能激发强烈情绪（无论是愤怒、恐惧还是狂喜）的内容。这种机制如何导致社群间的认知差距不断拉大，并固化群体身份，是本章分析的核心议题。 第三部分：监管、治理与未来展望 面对内容生产与传播的快速迭代，监管与治理的滞后性成为全球性挑战。 第七章：平台责任与法律边界的张力 本章探讨了各国在数字内容治理上面临的法律难题。核心争议点在于平台应被视为“管道”（仅承担技术传输责任）还是“编辑”（需承担内容审核责任）。我们对比分析了美国《通信规范法案》第230条、欧盟的《数字服务法案》（DSA）等关键立法框架，重点剖析了这些法律在应对跨境传播、仇恨言论和版权保护方面的有效性与局限性。 第八章：技术治理的伦理困境与公众参与 平台治理不能仅依赖于技术本身。本章呼吁构建更具包容性的治理模式。我们探讨了“透明度报告”的实际效用，以及公众、学术界和独立审计机构如何参与到算法决策过程的监督中。同时，本章也探讨了用户教育和提升数字素养作为长期解决方案的重要性，主张培养个体对信息源的批判性评估能力，以应对未来更复杂的信息挑战。 结论：面向后真相时代的媒体素养 本书总结了数字内容生态系统的动态平衡——它既是效率空前的信息基础设施，也是认知风险的放大器。我们强调，理解这一机制不仅是媒体从业者的任务，更是每一个数字公民的必修课。未来的媒介环境将是高度混合且不断演变的，唯有深刻理解其运行逻辑，我们才能更有效地驾驭信息，维护一个健康、理性的公共讨论空间。 ---

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本书的时候，就被它的装帧吸引了。厚实的纸张，精美的印刷，还有那封面独特的纹理，都透露着一种高级感。我本来是冲着“艺术设计造型”这个主题来的，想着能学到一些具体的造型技巧。书的内容确实也涵盖了不少这方面的内容，比如对线条、形状、色彩、构图等基本元素的深入剖析，以及它们在不同设计领域中的应用。让我印象深刻的是，作者并没有局限于西方传统的造型理论，而是将目光投向了东方艺术，比如中国水墨画、日本浮世绘等，并深入分析了它们独特的造型哲学和美学意境。这种跨文化的视角，为我打开了新的思路，让我看到了造型艺术的无限可能性。书中关于“动与静”的造型表现，也让我受益匪浅。如何通过线条的走向、形状的组合，来传达不同的动态感或静态感，这本书给了我非常直观的指导。例如，S型曲线带来的流畅与优雅，直线带来的力量与稳定，都通过丰富的图例和精炼的文字得到了很好的展现。此外，书中对“象征性造型”的探讨也很有价值。很多时候，设计不仅仅是为了美观，更是为了传达某种信息或寓意，而造型就是实现这一目标的重要手段。作者通过对不同符号和元素的分析，揭示了造型如何能够承载情感和意义。总而言之，这本书的内容非常丰富，既有理论的深度，又不失实践的指导性，对于想要提升造型设计能力的人来说，绝对是一本不可多得的好书。

评分☆☆☆☆☆

我被这本书所带来的哲学思考深深吸引。它并没有仅仅停留在技巧和理论层面，而是引导我深入思考艺术设计的本质和其在人类文明中的作用。书中对“形式与内容”关系的探讨，让我明白了设计不应该仅仅追求表面的形式美，更要注重其内在的意义和价值。作者用了很多历史和哲学的例子，来论证这一点，比如古代的神庙建筑，它们不仅是宏伟的建筑，更是信仰和精神的载体。我对书中关于“原创性与借鉴”的讨论印象尤为深刻。在信息爆炸的时代，如何保持设计的原创性，同时又不排斥对前人经验的借鉴，这成为了一个重要的课题。作者提出的观点，鼓励我在学习经典的同时，更要注入自己的思考和创新，形成独特的个人风格。书中对“美学判断的相对性”的分析也很有启发性。他并没有给出一个绝对的标准，而是通过分析不同文化、不同时代人们对美的不同理解，让我认识到美是多元的，是可以通过不同的视角去欣赏的。最后，书中对“设计与社会责任”的思考，让我意识到，作为设计师，我们不仅仅是在创造美，更是在影响人们的生活，甚至引导社会的发展。这种宏大的视角，让我对设计这个行业有了更深的敬畏和责任感。这本书的深度和广度，都超出了我的预期，它不仅仅是一本关于艺术设计的书，更是一本关于人生、关于世界的思考。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这是一本枯燥的理论书籍，但事实完全出乎我的意料。这本书的叙述方式非常生动有趣，作者似乎有一种魔力，能将抽象的美学概念变得触手可及。我特别喜欢书中关于“比例与和谐”的章节，它不仅仅是讲解黄金分割比例，更是将其与自然界中的各种现象联系起来，比如植物的生长、建筑的结构，甚至人体的形态。通过这些生动的类比，我才真正理解了比例在艺术设计中的重要性，以及它如何能够营造出一种天然的和谐感。书中对“负空间”的运用分析也给我留下了深刻印象。很多时候，我们只关注画面中的“实”的部分，而忽略了“虚”的空间，但这本书却强调了负空间的价值，它如何引导视线，如何营造氛围，甚至如何成为一种独立的视觉元素。这让我开始重新审视自己过去的一些作品，发现很多时候，画面过于拥挤，反倒失去了力量。作者在探讨艺术风格的演变时，也没有简单地罗列历史事件，而是通过分析不同时代的设计师是如何受到当时社会文化、科技发展等因素的影响，从而形成了独特的艺术语言。这种历史的纵深感，让我对艺术设计的理解更加全面和深刻。这本书的语言风格非常严谨，但又充满了人文关怀，让人在学习知识的同时，也能感受到作者对艺术的热爱和对读者的真诚。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就给我留下了深刻的印象，那种简约而不失力量的线条，以及色彩搭配的恰到好处，仿佛在诉说着设计本身的语言。翻开书页，我首先被吸引的是里面丰富的案例分析。作者并没有仅仅停留在理论的阐述，而是花了大量的篇幅去剖析那些经典的设计作品，从古希腊的雕塑到现代的装置艺术，再到平面设计中的标志和海报，每一个案例都附有精美的图片，并且深入浅出地解读了其背后的造型原理和美学考量。读着读着，我仿佛置身于一个艺术的宝库，与那些伟大的设计师进行跨越时空的对话。尤其让我受益匪浅的是关于“形式追随功能”这一概念的探讨。书中通过大量的例子，阐释了在追求美感的同时，如何不忽略设计的实用性和目的性，这种平衡之道，对于我这个正在学习设计初学者来说，简直是醍醐灌顶。作者并没有回避设计中的一些争议和挑战，比如如何在新旧美学之间找到一个恰当的结合点，或者如何在创新与传承之间找到平衡。他提出的观点很有启发性，让我开始重新审视自己过往的一些设计理念，并尝试从更广阔的视角去理解艺术设计的本质。总的来说，这本书不仅仅是一本教材，更像是一本引人入胜的艺术游记，带领读者在造型与美学的世界里自由翱翔。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感受非常奇妙，它就像是一位经验丰富的设计大师，坐在你身边，用一种非常亲切和幽默的方式，与你分享他对艺术和设计的独到见解。我尤其喜欢书中关于“肌理与质感”的讨论。作者没有简单地将肌理视为一种表面的装饰，而是将其提升到了艺术表现力的层面。他分析了不同的材质，比如木材的粗糙、金属的光泽、丝绸的垂坠，以及它们是如何通过光影和触感，来赋予设计作品生命力和情感。书中还穿插了一些关于“错觉艺术”的案例，这些充满趣味性的例子，不仅让阅读过程变得轻松有趣，也让我对视觉语言的欺骗性和创造性有了更深刻的认识。作者还花了很大的篇幅去探讨“留白”的艺术，他认为，有时候，“不表现”比“表现”更能触动人心。这种东方哲学中的智慧，在现代设计中被巧妙地运用，创造出一种含蓄而隽永的美感。书中的“节奏与韵律”章节也让我眼前一亮。通过对重复、变化、对比等元素的分析，作者揭示了如何将音乐中的节奏和韵律感，巧妙地运用到视觉设计中，从而营造出动态的美感和流畅的视觉体验。总的来说，这本书的语言风格非常独特，时而犀利，时而幽默，但始终围绕着一个核心：如何用艺术的眼光去审视和创造美。