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王本兴著

图书标签:

篆刻
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印章
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篆刻艺术

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出版社：天津人民美术出版社

ISBN：9787530533635

版次：1

商品编码：10187109

包装：平装

开本：16开

出版时间：2007-01-01

用纸：胶版纸

页数：129

正文语种：中文

具体描述

编辑推荐

　　中国的书画篆刻艺术，作为中华民族的优秀传统文化的重要组成部分，千百年来一直为人们所喜闻乐见。特别是近20年，随着人民物质生活水平的提高，对精神文化生活也有了更高的要求，已不满足于单纯的欣赏，在他们身上，已强烈地涌动着一种自我动作的愿望。鉴于此，为了使初学者不走弯路，尽快地正确掌握书画篆刻的基本技法，我们特别约请了长期从事这方面的教育和创作的教授、专家，编写了这套《中国书画篆刻技法丛书》。该丛书分为《怎样学书法》、《怎样学篆刻》《怎样学花鸟画》、《怎样学山水画》、《怎样学人物画》五种。

内容简介

　　《怎样学篆刻》全书图文并茂，内容安排从基础的选用笔墨纸砚开始，直至详细地解析技法，特别是用大量的图版多角度、多方位地把整个运笔过程表现给读者看，使人一目了然。《怎样学篆刻》是《中国书画篆刻技法丛书》丛书中一册，详细讲解了篆刻的基本知识及基本刀法、章法等等。讲解循序渐进，深入浅出，通俗易懂，实用性较强，是一本极好的篆刻入门教材。

前言/序言

　　汉字最初是距今四五千年前的原始刻画符号，它虽然还不能算是成熟的文字，但它是中国文字的雏形，亦是最早的契刻。经过数千年的演变和发展，才衍化为后来的甲骨文字。使之具备了“六书”的造字规律，并有了篆法的气势、结体的奇姿、线条的俊秀等美学特征。因而可以说，契刻的甲骨文字是篆刻艺术的发端。真正的篆刻艺术形成于商周时代，而盛于秦汉。普遍认为明代以前的古代印章，主要属于实用阶段，而明代以后的印章，由于印学大兴，而进入了艺术的阶段。当然，实用与艺术本身是不可分割的，近现代的篆刻艺术亦具备一定的实用性，在当今篆刻艺术振兴与

篆刻艺术的入门与进阶：一部探索印章雕刻精髓的指南本书并非聚焦于“怎样学篆刻”这一具体操作流程，而是旨在为广大学习者提供一个更为宏大、深入的视角，理解篆刻艺术的历史脉络、文化底蕴、美学原则以及当代实践。它是一部关于“印章之美”的哲学与技艺探讨，而非工具书式的操作手册。本书分为六大部分，力求构建一个立体、丰富的篆刻艺术知识体系。 --- 第一部分：印章的文明起源与流变（历史的厚重）本部分追溯印章自诞生之初，如何从单纯的权力或信物符号，逐步演化为一种独立的艺术门类。我们将深入考察印章在不同历史时期的功能、形制与风格的演变，揭示其背后所承载的社会结构与审美趣味。一、早期印章的物质载体与符号学意义：考察中国古代的泥封、铜印、玉印，分析其材质对印文风格的影响。重点解析商周时期古玺的朴拙与神秘感，探讨这些早期印章如何确立了“印文”作为一种独立视觉语言的基础。二、秦汉印章的“正宗”与规范：详尽分析秦朝小篆的官方化对篆刻文字的影响，以及汉代“凿印”、“朱文”与“白文”风格的确立。本章节将剖析汉印中那种浑厚、端庄、追求“气”大于“形”的审美特征，并讨论这种风格如何成为后世篆刻家反复取法的源头。我们将超越简单的摹印，着重分析汉印在章法布局上对空间的处理哲学。三、魏晋南北朝至隋唐的转折：探讨随着书写工具和制度的变迁，印章艺术如何从官方主导转向文人雅玩的过渡期。分析官印中隶书、楷书的渗入，以及文人私印（如“吉语印”、“肖形印”）的趣味化倾向，为宋元时期印章的复兴埋下伏笔。四、宋元文人篆刻的兴起与理论构建：深入研究以“金石学”为依托，文人如何将篆刻从匠作提升到“艺术”层面。重点解析“诗、书、画、印”四绝的结合，以及理论家对印章“意趣”和“刀法”的初步探讨，为明清流派的形成奠定理论基础。 --- 第二部分：篆刻美学的核心要素剖析（哲学的思辨）本部分将篆刻视为一种综合性的视觉艺术，从文字学、书法论、刀法论等多个维度，提炼出构成优秀印章的内在美学标准，而不涉及具体的“如何刻”的技法指导。一、章法布局的结构智慧：探讨如何平衡印面上的文字与空白。分析“疏密得宜”、“欹侧有致”、“虚实相生”的原则，以及在不同印形（方寸、圆形、异形）中，如何处理边框与印文的关系。本节强调的是对“局部的平衡”与“整体的气势”的把握，而非教导布局的固定公式。二、文字选择与书体衍变：深入考察篆书（大篆、小篆、金文、石鼓文等）在印面上的适用性。阐述不同书体如何影响印章的古朴感、妍丽感或雄强感。重点讨论“入印体”的特点，即文字在二维平面上如何被简化、对称和美化，以适应印面的限制。三、刀法之“韵”而非“术”：从美学角度评价刀法留下的痕迹。分析“冲”、“切”、“凿”、“划”等手法所呈现出的视觉效果（如筋骨感、苍劲感、灵动感）。本部分关注的是刀法如何体现创作者的情绪与对材料的理解，而不是教导如何握刀或运力。四、印文的“残损”与“金石气”：探讨印文边缘的自然磨损、刀痕的故意保留，如何共同营造出“金石气”。解析这种“残缺美”的哲学基础——对时间流逝和物性存在的尊重。 --- 第三部分：明清篆刻流派的风格分野（流派的群星）本部分系统梳理了明清时期形成的主要篆刻流派，分析其风格的形成背景、核心主张以及代表人物的艺术贡献。读者将清晰了解不同流派在审美取向上的根本差异。一、明代皖派的开创与影响：重点分析文彭、何震等人在理论上的突破，如何确立了“以书入印”的文人篆刻典范。细致区分皖派内部的刚健与秀逸之分，探讨他们对明代印坛的奠基作用。二、清代吴门、浙派的鼎盛：系统梳理陈宏寿、邓石如等大家如何将个人书法风格极致地融入印章。着重分析邓石如如何将碑学引入篆刻，形成雄浑博大的“邓派”风格，以及他对后世“写意”印风的引导。三、晚清“碑学”与“写意”的探索：分析赵之谦、吴昌硕等大家如何进一步解放篆刻的程式化倾向，大胆运用切刀、斧凿之法，使得印面更加自由奔放，注重“性情”的表达。本节旨在区分“取法古人”与“自我表达”之间的张力。 --- 第四部分：篆刻艺术的当代语境与挑战（面向未来）本部分将视角投向近现代至今，探讨在照相制版、印章电子化背景下，传统篆刻艺术所面临的身份危机与创新路径。一、民国至当代印坛的承续与发展：考察“黟山派”、“晚清遗韵”等如何影响了二十世纪的印风。分析当代篆刻家在材料、尺寸和主题上的拓展，如对“现代抽象”元素的借鉴尝试。二、篆刻与设计领域的对话：探讨篆刻艺术的图形构成能力，如何为当代平面设计、标志设计提供古老而富有张力的视觉语言参考。分析印章的“留白”与“结构”在现代视觉传达中的价值。三、材料与工具的再认识：超越寿山石与青田石的传统范畴，探讨其他石材、木材、甚至新型复合材料在篆刻实践中的可能性，以及工具改良对艺术表现力的潜在影响。 --- 第五部分：金石学视域下的篆刻文献研究（旁观者清）本部分不涉及技法，而是从文献和鉴赏的角度，指导读者如何“阅读”一颗印章，提升对篆刻艺术的鉴赏水平。一、印谱的编纂与流传：分析不同历史时期的印谱（如《集古印谱》、《篆刻丛刊》等）在整理、分类和传播上的差异，理解印谱如何塑造了后世对印章风格的认知。二、题跋与印石学：探讨古代文人对所藏印章的题跋，如何透露出对印章流派、年代、刀法特点的判断。介绍印石的种类、特性、皮壳的形成原理，帮助理解“印材”本身作为艺术载体的价值。三、伪印与断代辨识的基础知识：从审美风格和刀法痕迹的角度，提供识别伪作、判断印章大致年代的初步理论框架，强调历史的真实感在金石艺术中的重要性。 --- 第六部分：篆刻作为一种文化修养的实践（精神内核）本书最后一部分回归人文精神，探讨篆刻艺术对个体气质的培养作用，强调其作为一种“静心之术”的价值。本部分将篆刻视为一种慢艺术，讨论它如何培养审美的耐心、对传统经典的敬畏心，以及在高度数字化时代，保持双手与物质世界连接的必要性。它旨在提升读者对中国传统美学体系的整体认知，使之明白，学习篆刻的意义远超于雕刻出一枚印章本身。总结：本书提供的是一幅宏大的篆刻艺术地图，它描绘了历史的轨迹、美学的标准、流派的争鸣以及未来的方向。它旨在培养一位懂得欣赏、理解和研究篆刻艺术的学者或爱好者，而非仅仅教导如何拿起刻刀。读者通过本书，将获得洞察篆刻艺术精髓的深度视角。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

作为一名美术专业的学生，我最看重的是其作为学习资料的严谨性和系统性。这本书在这方面做得堪称典范。它的结构设计就像一个精密的钟表，每一个环节都环环相扣，逻辑链条清晰得令人信服。初期的基础训练部分，不是简单地要求你刻“一”、“人”、“口”这样孤立的字，而是设计了一套由浅入深的“字族”练习法，比如先从对称的结构开始，再过渡到不规则的偏旁部首，最后才整合到完整的词组。这种由点及面、循序渐进的教学模式，极大地降低了初学者的挫败感。更值得称道的是，书中对“印稿设计”的讲解，它不仅仅停留在“避让”、“补白”这些基础概念上，而是深入到了视觉平衡的心理学层面，例如如何利用视觉错觉来增强印面的气势，如何根据印文内容的性质来选择最能表达其“精、气、神”的章法布局。读完相关章节，我感觉自己对“美学”的理解都得到了升华，不再是盲目地模仿，而是开始懂得“为什么”要这么刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度，远远超出了我原本对入门书籍的期待。我本来以为它会是那种只教你如何握刀、如何布局的机械手册，结果不然。作者显然是一位对中国传统文化有深刻体会的学者型人物。他没有急于展示复杂的技法，而是花了大量篇幅去剖析“印章”这一载体背后的哲学意涵。比如，关于“朱文”与“白文”的选择，书中探讨的不再是简单的阴阳对立，而是引申到了道家思想中虚实相生的辩证关系，读来令人茅塞顿开。再说到材料学部分，讲解得极其细致，从青田石的“冻、蜡、田”到寿山石的“荔枝、芙蓉”，每一种石料的特性、适用的篆刻风格，乃至如何通过养护来“盘活”石头本身的灵性，都有独到的见解。我尤其欣赏作者在谈及“边款”艺术时所流露出的那种敬畏之心，他强调边款是篆刻家的“自言自语”，是与古人对话的渠道，这份对传统的尊重，让整本书的格调瞬间拔高，绝非市面上那些肤浅的“速成”读物可比拟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的特色在于它不仅仅是一本技法书，更是一部篆刻史的缩影，其中穿插了大量鲜活的案例分析和名人轶事。作者没有采用那种平铺直叙的编年体方式，而是精选了几个对篆刻史产生过决定性影响的人物——比如吴昌硕、黄士陵等——作为切入点。通过对他们代表作的细致剖析，来串联起不同历史阶段的风格流变。这种“以人带史，以史说技”的写法，让冰冷的技法和年代感变得有血有肉，充满了故事性。我印象最深的是关于“缶翁”用笔意入刀的论述，书中对比了几张他不同时期的作品拓片，清晰地展示了他如何从金石的古朴中提炼出自己独特的雄浑气象，这种分析之深入，让我对“神似”的理解有了质的飞跃。这本书无疑为想深入了解篆刻文化脉络的人，提供了一个极佳的窗口，它提供的知识广度和深度，远非一本基础教材所能企及，它更像是一部浓缩的、可供细品的篆刻文化导览。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者显然是一位非常具有亲和力的老师，他的文字如同山间清泉，流畅而富有启发性。阅读过程中，我几乎没有感受到任何枯燥或晦涩之处，仿佛作者正坐在我的身边，用他那带着磁性的声音，娓娓道来篆刻的奥秘。他擅长使用生动的比喻来解释抽象的概念。比如，讲到用刀的力度控制时，他将之比喻为“与石头进行一场温柔而坚决的拉锯战”，而不是粗暴的砍劈。在介绍如何处理印章边缘的“残边”时，他描述道，那不应是失误的痕迹，而是“时间在石头上留下的自然印记，是印章生命力的体现”。这种充满人文关怀的叙述方式，极大地激发了我动手实践的欲望。我以前对篆刻总有一种“高不可攀”的距离感，觉得那是古代文人的专利，但这本书却让我真切地感受到，篆刻完全是触手可及的，它是一种可以融入日常生活、修身养性的美妙活动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品！硬壳的封面，触感温润如玉，那种细微的纹理，仿佛能让人联想到古老的石材。内页的纸张选用的是偏米黄色的艺术纸，墨色在上面显得格外柔和，长时间阅读也不会有刺眼的感觉。尤其是排版布局，设计师显然花了大量的心思，字体选择上既保留了现代印刷的清晰度，又融入了古典的韵味，图文比例拿捏得恰到好处。每一章的开头，都配有一幅精心挑选的古代印章拓片作为引子，这些拓片不仅仅是装饰，更是对接下来内容的某种无声的预告，那种历史的厚重感扑面而来。我记得其中有一章专门探讨了不同时期篆刻流派的风格演变，作者在描述那种刀法上的细微差异时，引用了大量高清的细节图，有些图放大后，连刀痕的深浅、石料的肌理都纤毫毕现，让人对“刀下乾坤”的精妙有了直观的认识。翻阅时，我常常会忍不住停下来，细细摩挲那些拓片的边缘，想象着古人落刀时的专注与从容。这本书的装帧本身，就已经超越了一本工具书的范畴，它更像是一件值得珍藏的案头清供。

评分☆☆☆☆☆

很实用。我很喜欢，看后有提高。

评分☆☆☆☆☆

好书好书好书好书好书好书好书好书好书好书好书好书

评分☆☆☆☆☆

不错的商品！不错的商品！

评分☆☆☆☆☆

挺好的书，挺大的

评分☆☆☆☆☆

该丛书分为《怎样学书法》、《怎样学篆刻》《怎样学花鸟画》、《怎样学山水画》、《怎样学人物画》五种。全书图文并茂，内容安排从最基础的选用笔墨纸砚开始，直至详细地解析技法，特别是用大量的图版多角度、多方位地把整个运笔过程表现给读者看，使人一目了然。

评分☆☆☆☆☆

非常实用的一套教材，初学用很好

评分☆☆☆☆☆

白文边栏总汇第九章h 印床第六节水印印稿法第三节印章的章法第一节单刀刻边款第五p节印床第六节刀法病笔第四章选印第三节章v法八要第八章x 常见印章的种类第二节印泥第四节切刀法第六节摹刻第六章朱文类边栏第三节J 常见印章的种类第二节其他用具第二章反书上石法第四节遇PP到重复字解决的方法第四节双刀刻边款第六节毛笔第五节切刀法第六Z节摹写第四节遇到多字解决的方法第五节

评分☆☆☆☆☆

很好

评分☆☆☆☆☆

蛮实用的