中国美术史·大师原典系列 王希孟·千里江山图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 中国美术史
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• 千里江山图
• 中信出版社
• 绘画
• 艺术史
• 中国绘画
• 山水画
• 经典
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• 宋代

店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508665573

商品编码：10782878239

品牌：中信出版（Citic Press）

包装：精装

丛书名： 中国美术史·大师原典

开本：10开

出版时间：2016-08-01

用纸：纯质纸

产品特色

编辑推荐

王希孟是中国画史上几乎仅有的因一画而名垂千古的“天才少年”。

十几岁即入宫中“画学”为徒，初未甚工。

后召入禁中文库，曾奉事宋徽宗左右，得其亲授画法。

十八岁绘成此幅惊鸿之作，将墨色勾皴与青绿重彩完美融合。

内容简介

描绘了连绵的群山冈峦和浩淼的江河湖水。

画中山石先以墨色勾皴，后施青绿重彩，用石青石绿烘染山峦顶部，显示青山叠翠。江河勾出水纹，无一笔懈怠，与没骨色彩形成反差。

构图上采用多点透视，充分利用高远、深远、平远的穿插，使画面跌宕起伏，引人入胜。

作者简介

王希孟（1096—？），北宋画家。徽宗时画院学生，擅画山水。据《千里江山图》卷后蔡京题跋，知其18岁时为徽宗画院生徒，山水画创作曾得徽宗亲自指导，在政和三年（1113年）之前，创作了这卷《千里江山图》，此后便无音讯。

内页插图

 

前言/序言

这批画集属于所有愿意认知华夏绘画的人。其功德，不仅仅是在赏阅，而在实实在在的爱国主义教育。

你爱这国家的什么？在无数可资援引的历史记忆中，眼下，请年轻人翻开这套画集。

——作家、画家、木心美术馆馆长 陈丹青

中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。

——国家文物鉴定委员会副主任委员 孙机

千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。

——中国美术馆副馆长 张子康

 

鉴古知今：中国古代绘画的璀璨篇章 本书聚焦于中国古代绘画艺术的宏伟脉络，从早期岩画的粗犷与神秘，到魏晋风度的飘逸洒脱，再到唐宋绘画的集大成与高峰，再延伸至元明清的文人画转型与世俗情趣的勃发。它不仅仅是一部简单的图像罗列，更是一部深入探讨艺术思潮、审美变迁以及社会文化背景的深度研究。 --- 第一部分：源起与奠基（史前至魏晋） 本书伊始，便将读者带回人类文明的曙光时期——史前。我们细致考察了岩画和彩陶上的原始符号，探讨它们如何蕴含着早期对自然万物的敬畏与摹写欲。线条的原始力量，色彩的自然调和，奠定了中国造型艺术的初始基因。 进入奴隶社会与封建社会的过渡阶段，青铜器上的纹饰艺术达到了前所未有的高度。但本书的重点迅速转向绘画的独立意识觉醒。 秦汉的肇始： 这一时期，墓室壁画和帛画的出现，标志着绘画开始承担起叙事和宗教教化的功能。《凤凰松图》、《人物御龙帛画》等珍贵遗存，展示了早期对空间处理的朴拙尝试，以及“气韵生动”初步萌芽的迹象。我们分析了汉代画像砖所反映的世俗生活、神仙信仰与权力象征，理解汉代“简易”美学对后世的深远影响。 魏晋风度的形成： 这是中国艺术史上一个极为关键的转折点。在玄学思潮的洗礼下，士人阶层开始将个体的生命体验和精神追求注入艺术创作。顾恺之的“传神论”被置于核心地位进行阐释。我们不再仅仅关注形似，而是深入剖析“形神兼备”的哲学内涵。 曹不兴、陆探微、张墨等早期画家的理论与实践被系统梳理。重点阐述了山水画的早期形态——“点簇山石”与“卧游”理念的初步形成。魏晋时期，人物画的衣纹画法（如曹衣带水、吴带当风）成为了评价画家功力的重要标准，这些技法如何体现了士人对超脱尘世的向往，构成了本书讨论的重点之一。 --- 第二部分：盛唐气象与宋代典范（唐宋） 唐代——气象万千的巅峰： 盛唐气象为绘画注入了恢弘的格局与饱满的生命力。本书详细剖析了阎立本的“域外风情”与“政治肖像”，以及吴道子的“吴带当风”如何将线条的动态美推向极致。 我们特别关注佛教造像与壁画的成熟阶段，敦煌莫高窟的唐代洞窟群被作为研究的重点案例，分析了中原文化与西域文化交融后形成的宏大叙事能力。 宋代——院体与写意的并峙： 宋代是中国绘画的成熟期，达到了“格律严谨，情景交融”的完美平衡。 北宋的雄伟与理性： 李成、范宽、郭熙等巨匠的作品被视为“理性山水”的典范。范宽的《溪山行旅图》如何通过层峦叠嶂展现北方的雄浑力量？郭熙的《早春图》又如何运用“论大景”的构图法，创造出“可行、可望、可游、可居”的理想空间？这些技法背后的数学逻辑与哲学思辨被一一揭示。 院体画的精工细致： 以北宋徽宗朝为代表的翰林图画院，代表了宋代对客观物象的极致观察力。我们研究了工笔花鸟画如何从单纯的写物转向对生命意趣的描摹，以及人物画中对场景氛围的精确把握。 苏轼与文人画的兴起： 这是理解宋代绘画史转折的关键。苏轼提出的“论画以形似，见与儿童邻；论画以意先，鉴与作者邻”的理论，彻底颠覆了唐代的评判标准。文人画，特别是水墨的运用，开始强调主观情怀的抒发，为元代的水墨革命埋下了伏笔。 --- 第三部分：转型与人文精神的深化（元明清） 元代——笔墨的解放： 蒙古人的统治导致了士人阶层对政治的疏离，促使他们将全部的生命热情投入到艺术创作中。 “元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术成就构成了本书的重点章节。我们详细探讨了他们如何继承并发展了董源、巨然的披麻皴等技法，构建出“写胸中逸气”的文人山水画体系。特别是倪瓒的“折枝山水”，如何以极度简约、疏朗的笔墨表达对世事的冷峻态度，成为了后世学习的圭臬。 明代——南北宗与学院的坚守： 明代绘画呈现出多元且冲突的局面。以“浙派”为代表的院体画，如戴进、吴伟，继承了宋代李唐、马远的“院体遗风”，用斧劈皴等硬朗笔法，展现出劲健的风格。 与此同时，以吴门画派为核心的“文人画”占据了主导地位。沈周的浑厚、文徵明的秀逸、唐寅的世俗情趣，以及仇英的精工，共同构建了一个复杂而丰富的艺术生态。本书聚焦于“南北宗论”的形成，分析了董其昌对绘画史的重新梳理与“文人画正统”的确立，及其对清代的影响。 清代——技法的集大成与探索： 清代艺术在继承前代的基础上，出现了两个重要的方向： 1. 四王的正统与程式化： “四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）通过对前代经典的系统临摹与融汇，形成了高度成熟而规范化的笔墨范式。我们分析了王原祁的“点垛法”如何将笔墨推向纯粹的形式探索。 2. 个性化与写实精神的复兴： 以“金陵八家”为代表的画家，开始反思程式化带来的僵硬，注入更强烈的时代感与地域色彩。同时，如“扬州八怪”等异军突起，他们以民间趣味、夸张的造型和强烈的个性化笔触，预示着中国绘画即将面对来自西方的巨大冲击。 --- 结语：传承与对话 全书的最后部分，超越了朝代的划分，着眼于中国绘画的几个核心母题：皴法的演变、墨色的层次处理（干湿浓淡）、以及人与自然的哲学关系。本书旨在向读者展示，中国古代绘画并非孤立的艺术门类，而是与文学、哲学、诗歌紧密结合的综合人文成就。通过对这些大师原作的深度解读，我们得以窥见中华民族数千年来的审美追求与精神世界。

评分☆☆☆☆☆

阅读历史题材的书籍，常常容易陷入一种“时间错位感”：我们用现代的眼光去审视古代的创作动机，难免产生偏差。我期待看到的评价，能够帮助读者更好地“代入”到那个特定的历史语境中去。比如，在讨论特定画派的兴起时，评价者能否侧重于描述当时的知识分子、士大夫阶层或宫廷的审美趣味是如何驱动艺术创作方向的？我们应该理解，对于古代的艺术家而言，他们的创作目的往往与今天的“纯粹的艺术表达”有所不同，可能更多是为了修身养性、彰显身份，或是承担教化的使命。如果一本书能够适当地穿插一些那个时代的风土人情、文人雅趣的记述，让读者感受到艺术是如何融入日常生活的，那么阅读体验将变得立体而鲜活。这种对文化土壤的挖掘，远比单纯的技法介绍更有助于我们理解艺术的“为什么”和“怎么样”。

评分☆☆☆☆☆

这套“大师原典系列”的装帧设计着实是下了番功夫的，光是拿到手就能感受到那种沉甸甸的历史厚重感。封面那种哑光处理，配上精致的烫金字体，拿在手里就像捧着一件文物。我特别欣赏它对细节的考究，比如书脊的处理，既坚固又美观，而且翻阅起来非常顺手，不像有些大部头书籍，一翻开就担心会损伤装订。内页的纸张选择也很有讲究，那种略带米黄色的特种纸，不仅保护了视力，更衬托出了那些经典画作的古朴韵味。光影的再现能力也令人惊喜，那些历经岁月洗礼的色彩层次感，在这个版本里得到了最大程度的还原，即便是面对那些色彩极其微妙的古代画作细节，也能感受到印刷技术的精湛。这种用心打磨的实体书，对于我们这些珍视阅读体验的传统型读者来说，简直是福音。它不仅仅是一本书，更像是一个可以陈列在家中书架上的艺术品，每次路过都能吸引我的目光，让人忍不住想再次翻开，沉浸其中。这种对实物品质的追求，体现了出版方对文化传承的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我最近接触了非常多关于中国艺术史的入门读物，但大多要么是过于学术化，充满了晦涩难懂的专业术语，让人望而却步；要么就是内容过于碎片化和浅薄，蜻蜓点水，无法形成系统的认知。然而，我期待的是一种能搭建起清晰脉络的导览。我希望看到的评论，能深入浅出地剖析每个历史阶段的艺术思潮是如何与当时的社会背景相互作用的，比如魏晋时期的清谈风尚如何影响了山水画的审美取向，或者宋代文人阶层的崛起对“院体”画风构成了怎样的挑战和革新。我更想了解的是，那些开宗立派的大师们，他们是如何突破前人的局限，创造出具有划时代意义的技法和意境的。如果一本书能像一位博学的、耐心的老先生，一步步引导我走过漫长的历史长廊，帮我梳理清楚不同画派之间的继承与反叛关系，那就太完美了。这种深度和广度兼备的叙事结构，才是真正有价值的艺术史普及读物所应该具备的。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余的艺术爱好者，我常常在面对那些宏伟的历史画卷时感到无力——不是看不懂，而是不知道该从何处“看起”。每幅名作的背后都承载着复杂的时代密码和精湛的笔墨语言，没有一个好的“解码器”，很容易流于走马观花。因此，我非常看重书籍提供的解读维度。理想中的评价，应该会重点提及作者是否提供了多层次的分析视角，比如，除了对图景内容的描摹之外，是否能结合当时的书法、诗歌、印章等多种文化符号进行交叉印证？当谈论到某一幅画作的“气韵生动”时，评价者是否能具体指出是哪一根线条、哪一种墨色的晕染达到了这种效果？我期望看到那些真正深入到笔触细节的分析，而不是笼统的赞美。能够将理论研究与直观感受有效地连接起来，帮助读者建立起一套自己的鉴赏框架，这样的书才真正称得上是成功的艺术教育工具。

评分☆☆☆☆☆

关于中国古代绘画的传播和保存，历来都是一个令人揪心的话题。许多顶级的真迹，要么受制于脆弱的物理条件无法示人，要么就是散落在世界各地的博物馆中，难以集中观摩。因此，对于出版物而言，图像的质量就成了决定性的因素。我非常关注这方面的内容在评价中是否被重点提及。高分辨率的扫描、精确的色彩校对，以及对于局部细节的放大展示，这些都是衡量一本艺术画册专业性的硬指标。想象一下，如果一本书能用近乎原寸的尺寸来重现某些巨幅作品，那该是多么震撼的体验。更重要的是，如果它能清晰地展示出绢本或纸本上特有的肌理感——那些细微的纤维纹理、颜料的堆叠，甚至时间的侵蚀痕迹——那么，读者即使不能亲临原作，也能感受到原作的气息。这种对“视觉真实性”的不懈追求，是任何一本艺术典籍不可推卸的责任。

评分☆☆☆☆☆

这个系列质量很好！！！

评分☆☆☆☆☆

书的形式很好，印刷也不错，但我不喜欢书的封面设计，搞得花花绿绿的跟小孩玩的纸片一样没有艺术品位，要是原画原色印制封面就完美了！更能体现历史的厚重感！建议出套升级版，原画原色作封面，我还会再买！

评分☆☆☆☆☆

高清，好东东！

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不错特喜欢

评分☆☆☆☆☆

不错特喜欢

评分☆☆☆☆☆

书的形式很好，印刷也不错，但我不喜欢书的封面设计，搞得花花绿绿的跟小孩玩的纸片一样没有艺术品位，要是原画原色印制封面就完美了！更能体现历史的厚重感！建议出套升级版，原画原色作封面，我还会再买！

评分☆☆☆☆☆

书的形式很好，印刷也不错，但我不喜欢书的封面设计，搞得花花绿绿的跟小孩玩的纸片一样没有艺术品位，要是原画原色印制封面就完美了！更能体现历史的厚重感！建议出套升级版，原画原色作封面，我还会再买！

评分☆☆☆☆☆

好

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很好