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付林，胡音声 著

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• 流行音乐
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• 音乐理论
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• 流行文化
• 音乐教学
• 歌曲分析

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103041369

版次：1

商品编码：11034156

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-03-01

页数：186

正文语种：中文

内容简介

《流行歌曲写作十八讲》用带有文学色彩的笔调，流畅的语境，典型的谱例，将歌曲写作单一的技法，程式的理念变得鲜活，灵动，时尚。流行音乐不但属于时下年轻心动的人们，更属于未来新新人类。

内页插图

目录

上篇 写作技法篇
第一讲 音乐的基因——动机的生成与主题乐句的写作
第一节 动机的生成
一、认识动机
二、动机的音程与节奏特性
三、动机生成常用方法
第二节 主题乐句的写作
一、认识主题乐句
二、主题乐句的类型及表现特征

第二讲 音乐的流线——旋律线条的类型特征及运用
第一节 旋律线条的类型
一、认识旋律线
二、旋律线条的类型及表现特征
第二节 各类旋律线条的运用
一、直线型旋律线条的运用
二、曲线型旋律线条的运用
三、斜线型旋律线条的运用
四、线条对比交织的运用

第三讲 音乐的脉搏——节奏的类型及节奏节拍的运用
第一节 节奏的类型
一、认识节奏
二、常用的节奏类型与节拍重音的形式
第二节 节奏、节拍的运用
一、均等链条型节奏
二、分节链条型节奏
三、切分节奏
四、弱拍、弱起、休止拍
五、变节奏与变节拍

第四讲 音乐的结构——乐句、乐段的构成及曲式运用
第一节 音乐结构与曲式基本概念
一、认识音乐结构
二、曲式的基本概念
三、流行歌曲常见曲式类型
第二节 曲式结构的运用
一、对称结构的运用
二、不对称结构的运用
三、特殊性结构的运用

第五讲 音乐的关节——前奏、间奏、尾声的功能
第一节 前奏、间奏、尾声的作用及设计思路
一、前奏、间奏、尾声的作用
二、前奏、间奏、尾声的设计思路
第二节 前奏、间奏、尾声设计类型
一、前奏的类型
二、间奏的类型
三、尾声的类型

第六讲 音乐的色彩——调式、调性的运用
第一节 调式的基本知识
一、什么是调式
二、调式的功能与色彩
第二节 各类调式的运用与转调的手段
一、调式的运用
二、调式转换
三、转调的类型与方法

第七讲 音乐的表现——旋律重复与对比的表现手段
第一节 音乐表现的手法及原则
一、旋律发展的手法及原则
二、重复手法的运用
第二节 对比手法及模进的运用
一、各类对比手法的运用
二、模进的运用

第八讲 音乐的激情——高潮的设置
第一节 高潮形成的手法
一、高潮的意义及构成因素
二、高潮的形成
第二节 高潮设置的部位
一、高潮形成在引子、前奏
二、高潮形成在主题乐句、乐段
三、高潮形成在间奏、尾声

第九讲 音乐的记忆点——记忆点的设计
第一节 何为音乐记忆点
一、音乐记忆点的特征
二、音乐记忆点的类型
第二节 记忆点常用设计手段
一、强调记忆点
二、寻找记忆点
二、巧妙设置记忆点

第十讲 音乐的风格——歌手唱法与创作风格
第一节 流行声乐与歌手及创作风格的认识
一、流行声乐的认识
二、歌手声线、声波、声态、声区的认识
三、演唱方法与创作风格的认识
第二节 欧美风格及中国风格概览
一、爵士乐风格
二、摇滚乐风格
三、乡村音乐风格
四、中国流行歌曲创作风格

下篇 写作理念篇
第十一讲 音乐的感觉——感觉的生成与调动
第一节 感觉的生成与创作的关系
一、心动的感觉与创作感觉
二、感觉的评价传递及多重合力的关系
第二节 感觉的调动与唤起
一、全方位调动感觉
二、唤起真心感觉

第十二讲 音乐的冲动——冲动、灵感与激情的表现
第一节 冲动、灵感与激情
一、冲动与灵感的特性
二、冲动与激情的效应
第二节 冲动的表现手段与情绪的表达
一、冲动的表现手段
二、冲动情绪的表达

第十三讲 音乐的理性与境界——感性、理性与造境写境
第一节 音乐的理性
一、音乐人的理性
二、音乐感性与理性的关系
三、理性思维整合手段的运用
第二节 音乐的境界
一、境界的俗与雅
二、有我之境与无我之境
三、造境与写境

第十四讲 音乐的源流——民歌与地域特征
第一节 音乐源流的融汇
一、民族民间音乐的种类
二、民歌的运用
三、第二节 音乐源流的拓深
一、地域风格与体裁形式
二、民族风情与民歌个性

第十五讲 音乐的嫁接——嫁接优选理念与技术手段
第一节 音乐嫁接的理念与优选
一、音乐嫁接的理念
二、嫁接优选法
第二节 嫁接的形式与技术手段
一、本土嫁接与异域嫁接
二、嫁接形式与欧美风格流派的形成
三、嫁接的技术手段

第十六讲 音乐的文学——有关歌词的三言两语
第一节 歌词的题材及类型
一、歌词的题材
二、题材的类型
第二节 歌名的设计及词曲先后方式
一、歌名的设计
二、词曲创作的先后方式
第三节 流行句与闪光点的设计
一、设置在主歌部位
二、设置在副歌部位

第十七讲 音乐的流程——歌词、歌手的选择与录音制作
第一节 “一条龙”的创作流程
一、创作、制作流程的环节
二、歌词的选择
三、歌手的选择
第二节 “一条龙”的制作流程
一、“唱样”的作用
二、唱片录制流程
三、MIDI的形式与空间

第十八讲 音乐的接口——唱片舞台与影视媒体网络
第一节 唱片、影视的多种接口
一、唱片单曲的市场接口
二、影视媒体、晚会的综艺接口
三、广告、企业歌曲的实用接口
第二节 链接网络媒体的自由接口
一、网络接口的快捷性与前沿性
二、网络接口的开放性与大众性
后记

精彩书摘

曲线型声波特点是，有较大的软的颤音构成歌唱性，能较好地驾驭富有旋律型的流行歌曲，尤其是乡村民谣类、新民歌以及许多影视歌曲。
比如西方的史翠珊·芭芭拉、胡里奥、惠特尼·休斯敦，内地的刘欢、毛阿敏、韦唯、苏红、程琳、杨钰莹、杭天琪、范琳琳、胡月、毛宁、解晓东、江涛等。港台歌手最典型的是邓丽君，他们的音波特点都是以曲线型柔性为主，而喜欢此类型的听众，年龄层次较宽，包括中老年人，也有相当一部分年轻人。
从20世纪30年代到世纪末流传的歌曲作品中，大多数是适合于曲线型演唱类型的。以《四季歌》到《香港之恋》，从《小村之恋》到《东方之珠》，从《军港之夜》到《黄土高坡》，从《思念》到《爱情鸟》，从《妈妈的吻》到《篱笆墙的影子》等，我们不难看出曲线型的声波振动形态是作品流行的最为重要的支柱。
直线型声波特点是，没有明显的颤音，气息流动较直，振动的声音较单纯，有颤音也是细小而较快，善于运用在叙述型歌曲或喊腔型歌曲之中。比如摇滚类歌曲、城市民谣。代表歌手有内地的崔健、张楚、汪峰、田震、那英、韩红，还有港台苏芮、王菲、齐秦、赵传等歌手都属于直线型声波。几乎所有欧美的摇滚乐歌手都是直线型声波。而大量摇滚歌曲也都带有叙述、喊腔的直线属性。
我们之所以解剖声音，从声波角度研究人声歌唱特点，就是为了界定歌唱者的声线，使之有一个大体的分类。只有在理论上分清歌手的特点，方能准确地对歌手声线定位。有针对性地为其量身度曲，定向写作。
3.声态
声态即每一个歌唱者自然、自我的声音状态。不同声态能形成个性化的演唱。
……

前言/序言

　　当今流行歌曲写作技术与创作理念已不再受传统作曲技法及思维模式所制约，正探索性地走向一条自由创新发展的新路。
　　从音乐创作技术来说，流行音乐是流速最快、变数最多的艺术形式。流行歌曲写作在承袭传统作曲理论技法基础上，吸纳了现代科学技术，从电脑音乐创作到数字录音制作，将中西方传统音乐、古典音乐、民族民间音乐、现代与流行音乐分解后重新组合起来。
　　从音乐创作理念来讲，流行歌曲写作是链接歌手、媒体、大众情结的纽带，是大众媒体、娱乐行业的透视镜，透析流行音乐文化的多元走势，用更多优秀的新作来疏通我们时代的发展脉络，诠释社会生活的意义本质，升华人们生命的快乐指数。
　　流行歌曲写作作为一门新的专业课程，现已在一些音乐艺术院校开设。本书是在编者多年教学实践的基础上，对原有讲稿进一步修订扩充，使其更适用于音乐院校作曲与音乐制作专业的学生以及众多喜爱流行歌曲写作的年轻人学习和使用。
　　本书分为上下篇两部分，上篇写作技法为“解”；下篇写作理念为“析”。
　　上篇为写作技法篇：通过对音乐的基因、流线、脉搏、结构、关节、色彩、表现、高潮、记忆点、风格等大量谱例的讲解，使学习者掌握流行歌曲写作的基本方法和实用的创作手段，表现流行歌曲的个性特点和形态特征。
　　下篇为写作理念篇：通过对音乐的感觉、冲动、理性、境界、源流、嫁接、流程、接口、文学等大量例证的分析，使学习者明晰如何提升流行歌曲的品位，怎样运作原创作品的传播、推广及进入市场并产生效应。本书力求以新的视角，将流行歌曲写作技法与写作理念架构、整合。意在强调写作技法要有写作理念的牵引，而写作理念要靠写作技法的支撑，二者相辅相成。让喜爱流行歌曲写作的年轻朋友步人一条写作技法与写作理念同构的快捷通道。本书试图使用带有文学色彩的笔调、流畅的语境、典型的谱例，将歌曲写作单一的技法、程式的理念变得鲜活、灵动、时尚、流行，使之更贴近时下青年人读书的习性与心境。
　　流行歌曲写作看似简单、易学，但是若想写出受大众喜爱且被广为传唱的好歌，既非简单，亦不容易。因此，不要怕别人说流行歌曲写作是低端产品，以大众音乐文化所需为本，这是流行歌曲写作的方向，也是流行音乐人集结、汇流之走向。流行音乐不但属于时下年轻心动的人们，更属于未来新新人类。

浩瀚星河下的音乐叙事：一部关于古典音乐历史与美学探索的深度导览 书籍名称：《和声的织锦：从巴洛克到二十世纪的西方音乐史与审美变迁》 导言：聆听时间的低语 本书并非聚焦于流行音乐的创作技巧或现代工业体系，而是将读者带入一个更宏大、更深邃的音乐殿堂——西方古典音乐的漫长历史长河。我们试图描绘的，是一幅由音符、和声、结构和情感交织而成的“和声织锦”，它跨越了近四百年的时间，记录了人类精神、社会变迁与艺术理念的深刻互动。 这本书的核心不在于提供一套“如何写出热门曲目”的实用指南，而在于培养一种深度的、历史性的、哲学的音乐聆听能力。它关注的是伟大作曲家们如何在特定的时代背景下，运用他们那个时代的音乐语言，去表达超越时空的普世情感与形而上的思考。 --- 第一部分：奠基与辉煌——巴洛克与古典主义的理性与激情 本书的第一部分，将从十六世纪末期巴洛克的曙光开始追溯。我们不会谈论任何现代流行音乐的十四行诗式结构，而是深入剖析复调音乐的严谨逻辑与情感的强烈外露。 第一章：巴洛克的双重性——结构与激情的交锋 我们首先探讨巴赫的“上帝的数学”。重点将放在对位法（Counterpoint）的精妙构造，例如赋格曲的逻辑推演、卡农的无限循环，以及巴赫如何利用这些严密的数学结构来承载深沉的宗教信仰与人类的挣扎。此处涉及的音乐分析是基于对位原则和固定低音线的复杂技法，而非简单的旋律写作公式。我们将剖析《平均律钢琴曲集》如何重塑了键盘乐器的表达范围，以及歌剧在意大利和法国的发展中，如何确立了咏叹调与宣叙调的基本戏剧张力。 第二章：洛可可的优雅与古典主义的理想 进入十八世纪中叶，我们将考察从巴洛克的繁复转向古典主义的清晰、平衡与人文主义精神。海顿和莫扎特被视为这个时代的建筑师。我们将详细解读奏鸣曲式（Sonata Form）作为一种戏剧性的结构模型——呈示部、发展部与再现部的内在冲突与解决机制。这种对形式的尊重与对清晰旋律的追求，是古典主义美学的核心，与现代流行音乐中反复出现的AABA结构有着本质的区别。 我们还将深入探究室内乐，尤其是弦乐四重奏。分析莫扎特的晚期四重奏，如何通过对四个独立声部之间对话的精细雕琢，构建出复杂而和谐的“微观宇宙”。这种对声部平衡的极致追求，是理解西方音乐审美的重要基石。 --- 第二部分：浪漫的觉醒与个性的解放——情感的洪流与新的表达疆域 第二部分的主题是“自我”的崛起。随着启蒙运动的深化和民族主义的兴起，音乐开始从为贵族服务转向表达作曲家个人的内心世界、民族的史诗或超凡脱俗的哲学思考。 第三章：贝多芬的“英雄性”与意志的表达 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁，他的创新在于将音乐的体量与情感的强度推向了前所未有的境地。我们重点分析他如何打破了古典既有的结构框架，例如在《第三交响曲“英雄”》中对传统奏鸣曲式的扩展与戏剧化处理，以及他如何利用动机发展（Motive Development）这一工具，将一个细微的音乐种子发展成为宏大的结构叙事。这是一种“意志的音乐”，与流行音乐中对即时满足的追求截然不同。 第四章：诗意的延伸——浪漫主义的抒情传统 浪漫主义时期，音乐的标题化（Program Music）趋势显著增强。肖邦的夜曲和练习曲， Schubert的艺术歌曲（Lied）是本章的重点。我们分析舒伯特如何通过钢琴伴奏的“织体”来创造出超越人声的意境，例如在《冬之旅》中，钢琴如何描绘寒风、脚步声和心碎的意象。这是一种文本与音乐的深度融合，要求听者具备一定的文学素养来完整接收其信息。 第五章：宏大叙事与民族色彩 本章将探讨十九世纪下半叶的交响诗和民族乐派。从柏辽兹的《幻想交响曲》中对“主导动机”（Idée fixe）的运用，到瓦格纳的“主导旋律”（Leitmotif）系统——后者是一种复杂的音乐符号学，用于标记角色、情感和概念，其严密性远超任何流行歌曲中的固定副歌。同时，斯美塔那、德沃夏克等民族乐派作曲家，如何将民间旋律、节奏与当地的传说融入到大型器乐作品中，是文化认同在音乐中投射的典范。 --- 第三部分：现代性的冲击与音乐的边界探索 本书的最后部分，聚焦于二十世纪初，音乐对传统美学和调性体系的颠覆，这是对“可听性”和“结构合理性”的根本性挑战。 第六章：调性的瓦解与无调性革命 我们将详细审视勋伯格如何从晚期浪漫主义的“不协和音的逐步解放”，最终走向十二音体系（Twelve-Tone Technique）。理解十二音体系的本质，需要掌握其对音高序列的严格控制，这是一种逻辑驱动的创作方法，旨在消除传统大小调体系带来的主导性。 第七章：色彩、节奏与极简的预兆 德彪西和拉威尔对印象主义的贡献，在于他们将音乐的焦点从“结构”转移到“音色与氛围”。我们分析他们如何利用全音阶、五声音阶以及对管弦乐配器的精妙处理，来模拟光影、水波和瞬间的感知。这是一种“非叙事性”的音乐，其美学价值在于瞬间的体验和感官的丰富性。 最后，我们将短暂触及斯特拉文斯基的原始主义（如《春之祭》中对非对称节奏的运用）和早期极简主义的萌芽，这展示了音乐家们如何不断探索新的听觉体验边界，远远超出了流行音乐的舒适区。 --- 结语：永恒的结构与流变的美学 《和声的织锦》旨在提供一个坚实的音乐学视角，帮助读者理解古典音乐是如何通过结构逻辑、对位严谨性、和声语法的发展以及时代精神的注入，一步步构建起其宏伟殿堂的。本书的每一章节，都致力于揭示那些隐藏在优美旋律背后的技术骨架和哲学思考，而非提供任何关于如何迎合大众口味的创作速成法。它邀请您成为一个更具批判性、更有耐心的聆听者，去探索那些跨越时代、依然震撼人心的声音艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，对我而言，体现在它能够彻底改变我对待流行歌曲创作的“心态”。我以前总觉得，写歌是一件很高大上、很神秘的事情，需要某种“天才”的光环才能实现。但《流行歌曲写作十八讲》却用一种非常接地气、非常细致的方式，将这门艺术“解构”了。它让我看到了流行歌曲创作背后那些普适的规律和可学习的技巧。我最喜欢的一点是，它不仅仅停留在理论层面，而是花了大量的篇幅去分析具体的歌曲案例，从音乐理论到歌词结构，再到情感表达，它都进行了非常深入的剖析。这让我能够将抽象的理论知识，与实际的音乐作品联系起来，看得更透彻，理解得更深刻。它让我明白，一首动听的流行歌曲，是无数个细节累积的结果，是结构、旋律、和声、歌词、编曲等多种元素巧妙融合的产物。这本书不仅仅是教会我“怎么写”，更重要的是，它让我对“为什么这样写”有了更深的理解。它让我看到了创作的“可能性”，让我相信，只要掌握了方法，任何人都可以尝试去创作属于自己的流行歌曲。它在我心中，已经不仅仅是一本技术指南，更像是一盏指路明灯，照亮了我通往音乐创作之路。

评分☆☆☆☆☆

这本《流行歌曲写作十八讲》简直是我近期最大的惊喜！一直以来，我总觉得写歌是一门玄而又玄的艺术，好像需要天生的灵感和天赋才能触及。但读完这本书，我发现原来流行歌曲的创作是有章可循的，甚至可以说是一套有逻辑、有方法的体系。从最基础的和弦进行到复杂的旋律构建，这本书都进行了非常详尽的拆解。我特别喜欢它讲解“情绪起伏”的那几章，作者用非常形象的比喻，将原本抽象的音乐理论转化成大家都能理解的语言，让我恍然大悟，原来一首歌的起承转合，就像是讲一个故事，有铺垫、有高潮、有结尾，而每一个部分都经过了精心的设计。书中还穿插了很多经典的流行歌曲案例分析，听着例子，看着文字，真的能立刻感受到作者所说的“技巧”是如何被运用，并且发挥出巨大效果的。以前我听歌，只是跟着哼唱，现在我开始能品味到歌曲背后那些巧妙的编排和构思，那种成就感是无法言喻的。对于任何一个热爱音乐，渴望将脑海中的旋律变成实际作品的人来说，这本书绝对是一本不可多得的宝藏。它不仅仅是理论的讲解，更像是为你打开了一扇通往创作世界的大门，让你知道，原来你也能够成为那个能写出触动人心的旋律的人。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《流行歌曲写作十八讲》在歌词创作的部分，真的给予了我前所未有的启发。我一直觉得写好歌词是比写旋律更难的事情，因为歌词需要承载情感、叙事，还要讲究韵律和意境，稍有不慎就会显得空洞或者生硬。但这本书却把歌词的创作过程，分解成了一个个可操作的步骤，让我看到了其中的规律和技巧。例如，关于“意象的运用”和“比喻的创作”，作者提供了很多非常具体的范例，让我明白如何用更具象、更生动的语言来表达抽象的情感。书中还强调了“讲故事”的重要性，它引导读者思考如何构思一个引人入胜的歌词故事，如何设置悬念，如何在高潮处爆发情感。读到关于“押韵技巧”的那几页时，我更是惊叹于作者的细致，它不只是告诉你“要押韵”，而是深入分析了不同类型的押韵方式，以及如何才能做到既押韵又自然流畅，不会为了押韵而牺牲了意思。我以前写歌词，常常是想到什么写什么，很容易跑题，或者显得零散。但现在，我开始学会去规划歌词的结构，学会去提炼主题，去寻找最贴切的词语。这本书真的让我从一个“想到哪儿写到哪儿”的随心所欲，变成了一个有目的、有方法的歌词创作者。

评分☆☆☆☆☆

《流行歌曲写作十八讲》在我看来，是一本极其实用的“工具书”，但它又远不止于此，它更像是一个“启发者”，点燃了我对音乐创作的更多热情和自信。我一直觉得自己是个乐感不错的人，但缺乏将脑海中的旋律转化为实际乐谱或者歌曲的途径。这本书就填补了这一空白。它在讲解和弦进行时，不仅仅是枯燥的音符排列，而是通过对不同和弦组合所产生的“情绪色彩”的描述，让我能够更直观地去选择和搭配。我学会了如何运用一些“经典”的和弦进行，同时也了解到如何通过一些“不寻常”的和弦来制造惊喜。关于旋律的创作，书中提供的“旋律走向分析”和“音程关系运用”等章节，让我能够更有意识地去设计旋律的起伏和节奏感，让它听起来更动听、更有记忆点。我以前作曲，总是感觉旋律“差不多就行了”，但现在，我开始会去思考旋律的“线条感”，思考它如何与歌词的情感相呼应。这本书让我明白，即使是看似随意的旋律，背后也可能隐藏着精巧的设计。它给了我很多“干货”，让我能够开始尝试自己动手去创作，而不是仅仅停留在“我想写一首歌”的阶段。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受就是，它将流行歌曲创作的“秘密”一点点揭示出来，让曾经遥不可及的技能变得触手可及。我一直觉得那些写出爆款歌曲的创作者，一定有某种“天赋异禀”。但读完《流行歌曲写作十八讲》，我才明白，很多时候，天赋只是基础，更重要的是那些经过反复打磨、提炼出来的创作技巧和方法论。书中关于“流行歌曲结构的模型”的讲解，让我对 verse, chorus, bridge 等概念有了全新的认识。我以前觉得这些就是固定的套路，但书中却分析了不同结构如何服务于不同的情感表达和叙事需求，以及如何通过微调结构来制造新鲜感。让我印象深刻的是，作者并没有只是简单地罗列公式，而是通过大量实例，深入浅出地展示了这些结构是如何在实际的歌曲中发挥作用的，甚至是那些看似“反常规”的结构，背后也有其精妙的逻辑。我还学到了如何用“鉤子”（hook）来吸引听众，以及如何通过“铺垫”和“爆发”来制造歌曲的张力。这本书不仅仅是理论的堆砌，它更像是一位经验丰富的老师，耐心地指导你一步步去构建一首完整的歌曲。它让我意识到，写歌不是靠灵光一闪，而是可以像建造房子一样，有地基、有框架、有装饰，每一个环节都至关重要。

评分☆☆☆☆☆

孩子喜欢

评分☆☆☆☆☆

书很好，物流很快，值得购买

评分☆☆☆☆☆

还不错的看看挺有帮助的，京东比较方便啦

评分☆☆☆☆☆

非常不错，质量很好

评分☆☆☆☆☆

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商品很给力，印刷精致，包装完好，快递给你。现在已经学习完了。

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