高等院校摄影摄像基础教程：摄像基础公开课 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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戴菲 著

图书标签:

• 摄影
• 摄像
• 基础教程
• 高等院校
• 公开课
• 入门
• 教学
• 影视制作
• 器材
• 技术

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532289752

版次：1

商品编码：11601231

丛书名： 高等院校摄影摄像基础教程

开本：16开

出版时间：2014-11-01

页数：127

编辑推荐

　　《高等院校摄影摄像基础教程：摄像基础公开课》以动态影像的专业内容为基础，将较多的术语和技巧转换成初学者可以简单易学的语言和步骤，使得读者在轻松阅读之余能接受较为专业的摄像基础锻炼，并逐渐成为一名可以自如运用影像创作、拍摄和思维的高手。

内容简介

　　《高等院校摄影摄像基础教程：摄像基础公开课》分为上下两篇。上篇为基础篇，分别从动态影像的历史开始。介绍摄像机的快速入门及其使用功能，并指导读者在掌握一定技巧的基础上尝试拍摄，以满足初学的乐趣：继而围绕构图和光线，将拍摄的视觉规律和思考方式作为引导，深入浅出地向读者介绍数字拍摄中的各类方法、技巧和创作手段；下篇为实战篇，以动态影像中的镜头语言为核心，将固定镜头、运动镜头和镜头的组接以及剪辑作为组成影片的基本单位。综合运用上篇的技术以及下篇的视觉方法，有系统、分步骤地将读者引入到影像学习的专业领域，为初学者夯筑起一个坚固而又扎实的学习基础。

内页插图

目录

上篇：基础入门篇
第一章 导论
1.动态影像的诞生
2.从电影到电视机
3.走近大众的DV
4.眼睛与视知觉
第二章 摄像机的基本原理
1.各类摄像器材
2.摄像机的光学镜头
3.感光元件的种类及大小
4.周边设备与附件
5.如何挑选合适的器材
第三章 如何操作摄像机
1.持机方式
2.色彩平衡
3.准确曝光
4.合理对焦
5.角度与方向
6.画面之景别
第四章 构图与画面
1.基本要领
2.空间与透视
3.黄金法则
4.主体与陪体
5.画面的设计理念
第五章 光线与色彩
1.光线的基本性质
2.自然光线的运用
3.人工光线的营造
4.色彩的特性

下篇：实践进阶篇
第六章 如何拍摄固定镜头
1.固定镜头的特点
2.固定镜头的表达
3.固定镜头的误区
4.固定镜头的要领
第七章 如何拍摄运动镜头
1.推摄镜头
2.拉摄镜头
3.摇摄镜头
4.移摄镜头
5.跟摄镜头
6.复合运动镜头
7.场面调度
第八章 如何用镜头表达
1.客观镜头
2.主观镜头
3.反应镜头
4.空镜头
第九章 如何用镜头讲故事
1.时间要素
2.空间要素
3.声音要素
4.镜头切分
第十章 镜头的剪辑与合成
1.剪辑之概述
2.蒙太奇理论
3.影像的叙事
4.剪辑与节奏

前言/序言

影像叙事与视觉构建：现代影视制作技术深度解析 本书简介： 在信息爆炸的时代，图像与动态影像作为最直接、最具冲击力的沟通媒介，其重要性日益凸显。本书并非传统意义上侧重于基础器材操作或单一技术流程的指南，而是深入探讨如何利用现代影视技术，构建富有层次感和深度的影像叙事体系，以及如何从美学和技术层面驾驭光影、运动与声音，以达成精确的情感传达和信息传递。 本书的视角超越了单一的“摄像”技能范畴，聚焦于“影像制作”这一系统工程。我们致力于为有志于在纪录片、商业广告、网络短剧乃至独立电影领域深耕的创作者，提供一套完整、前沿且具有前瞻性的理论框架与实践指导。 --- 第一部分：视觉语言的重构与理论基石 本部分将彻底梳理影视创作背后的核心逻辑，引导读者从单纯的“拍摄”思维，转向“表达”思维。 第一章：超越曝光的电影感：光线在叙事中的角色 本章不再纠结于光圈、快门、ISO的机械数值，而是探讨光线作为叙事元素的内在价值。我们将详细分析： 自然光与人工光的哲学对话： 如何利用不同色温和硬度（K值与柔光/硬光）的光源，烘托环境氛围，暗示角色心境。例如，在室内场景中，如何通过窗边的侧逆光模拟“希望”或“疏离感”。 三点布光法的变奏与解构： 传统三点布光（主光、辅光、轮廓光）在复杂环境光下的适应性调整，重点剖析“填充光”的使用尺度，以避免画面扁平化。 高调与低调的处理策略： 在数字摄影机宽容度日益提升的今天，如何精确控制高光和阴影的细节，实现数字影像中的“油润感”和“颗粒感”，而非简单的曝光过度或不足。 色彩空间与LUT的艺术性应用： 从Log文件的技术特性出发，探讨如何选择和设计专属的Look-Up Table（LUT），确保画面在不同输出设备上保持一致的视觉基调，并服务于故事的时代背景或情感色彩。 第二章：景别、运动与空间意识：构建可信的虚拟世界 影像的“可信度”往往建立在对空间和运动的精确把控之上。本章深入探讨镜头语言的语法。 景别的心理暗示： 细致区分特写、近景、中景、全景在传递信息密度和情感张力上的差异。重点分析在对话场景中，不同景别切换的时机与节奏对观众注意力的引导作用。 镜头运动的语法与禁忌： 详细解析推拉摇移（Pan, Tilt, Dolly, Trucking）在不同叙事语境下的功能。探讨“跟随镜头”与“主观镜头”如何打破第四面墙，以及在何种情况下应避免不必要的运动，以维持画面的稳定性和观众的沉浸感。 空间感的营造： 深度讲解利用前景、中景、背景的分层（Depth of Field的控制）来创造空间深度，以及如何通过广角镜头带来的形变效果来服务于特定的戏剧冲突。 --- 第二部分：现代影像流程与高阶技术实现 本部分将技术操作置于制作流程的全局中考量，关注效率、质量与未来趋势的结合。 第三章：从传感器到成品：数字影像工作流的精细管理 本章侧重于如何最大化现代数字电影机（如RED、Arri Alexa、Sony Venice等）的潜能，并建立一套可靠的后期流程。 高帧率（HFR）与慢动作的叙事应用： 不仅仅是记录运动，而是探讨高帧率如何改变观众对时间流逝的感知，以及在商业视觉中如何平衡细节呈现与“不自然感”。 动态范围（Dynamic Range）的极限挖掘： 深入探讨不同格式（如ProRes, DNxHR, RAW）在记录细节方面的差异，以及在现场如何设置合理的“曲线”以防止高光溢出或阴影死黑，为后期调色保留最大弹性。 数据管理与备份策略： 建立专业的媒体资产管理（MAM）体系，涵盖现场备份、校验（Checksum）流程，以及文件命名规范，确保数TB素材的安全。 第四章：运动控制与机械化拍摄：超越人手的视角 本书将机械运动视为拓展叙事可能性的重要工具。 稳定器（Gimbal）的精确操作与调试： 详细介绍三轴稳定系统的平衡技巧、遥控对焦与云台控制的协同工作，以及如何通过精准的参数设置模拟不同重量级设备的运动特性。 滑轨（Slider）与斯坦尼康（Steadicam）的进阶应用： 分析滑轨在创造“匀速、线性”运动中的叙事价值，以及斯坦尼康操作员如何通过步法和身体控制，实现复杂路径的平滑跟踪。 无人机航拍的法规与美学结合： 探讨在城市和自然环境中，如何合法合规地使用专业级无人机，实现极具冲击力的鸟瞰视角，并保持画面的电影质感，而非简单的平面记录。 --- 第三部分：技术与声音的深度融合 影像的冲击力往往来自于视觉与听觉的协同作用。 第五章：同步录音与声场设计的基础原则 本章强调声音在“构建现场感”中的核心地位，这远超简单的对白记录。 麦克风的选择与摆位策略： 区分心型、超心型、枪式麦克风在拾取环境声与人声时的特性差异，重点解析在复杂收音环境下如何使用“立体声对”和“中置麦克风”来平衡主体与环境。 同期声的质量标准与现场处理： 现场如何快速判断录音的质量，以及如何通过监听设备（如高品质耳机）避免录制到多余的机械噪音或环境干扰。 声音的预设与后期衔接： 介绍基础的“声音设计”概念，即如何在现场为后期留下可用于填充的“氛围音”（Ambiences）和“效果音”（SFX）素材，为最终混音的丰富度打下基础。 第六章：跨学科整合：从拍摄到最终交付的质量控制 本章着眼于制作流程的闭环管理，确保技术决策能有效服务于最终的艺术目标。 协同工作流： 摄影指导（DP）、灯光师（Gaffer）、调色师（Colorist）之间的有效沟通模式，以及如何通过技术指标（如色彩科学文档）确保各部门的理解一致。 不同发行平台的标准适配： 针对影院、网络流媒体（如Netflix, HBO Max）以及传统电视广播对分辨率、帧率、色彩空间（Rec. 709 vs. P3 D65）的差异化要求，进行精细化的导出设置指导。 面向未来的格式探索： 简要介绍HDR（高动态范围）的拍摄与显示原理，以及沉浸式音频技术（如Dolby Atmos）对未来影像制作的潜在影响，引导创作者保持对新技术的敏感度。 总结： 本书旨在培养的，不是只会操作摄像机的技术人员，而是能够理解光影背后的情感逻辑，掌握现代工具的叙事潜力，并能将复杂的技术流程系统化管理的复合型影像创作者。通过对理论深度的挖掘和对前沿技术的实践性阐述，读者将获得在当代影视制作领域中脱颖而出的关键能力。

评分☆☆☆☆☆

这部教材的排版和装帧实在让人眼前一亮，拿到手里就感觉物有所值。书页的质感非常棒，印刷的色彩过渡自然，即便是复杂的色阶过渡也能清晰呈现。特别值得称赞的是，书中的图例和案例图片质量极高，很多都是电影级别的视觉效果展示，这对于初学者来说，无疑是最好的视觉引导。我尤其喜欢它对光影原理的讲解部分，作者没有停留在枯燥的理论阐述，而是用大量的实拍对比图，直观地展示了不同布光方式带来的情绪差异和叙事效果。比如，书中对伦勃朗光和蝴蝶光的对比分析，配图清晰地展示了面部轮廓和阴影的微妙变化，让我立刻就能理解背后的原理，而不是靠死记硬背。章节之间的逻辑衔接也处理得非常流畅，从基础的曝光、构图，逐步深入到高级的景别运用和运动镜头设计，每一步都有扎实的理论支撑，又有大量的视觉案例佐证。这种“理论+实例”的编排方式，极大地降低了学习曲线，让原本抽象的技术概念变得触手可及。翻阅过程中，我注意到很多配图都标注了详细的技术参数，这对于那些喜欢追根究底、想知道“这张图是怎么拍出来的”的读者来说，简直是福音。总而言之，这是一本在视觉呈现上做到了极致的专业书籍，光是欣赏里面的摄影作品就已经是一种享受了。

评分☆☆☆☆☆

这本书在叙事结构和知识体系的构建上，展现出一种令人信服的系统性。它不像市面上很多摄影书籍那样，将知识点零散地堆砌在一起，而是遵循着一个严谨的逻辑链条进行展开。最让我印象深刻的是它对“视觉语言”的解析。作者没有仅仅停留在教你“如何操作”设备层面，而是深入探讨了镜头选择、焦段使用如何影响观众的心理感知。例如，在讲解广角镜头时，它不仅说明了其视角宽广的特性，更深入分析了它在表现空间感、强调主体与环境关系时的叙事力量，并辅以经典的电影画面进行剖析。这种从“技术实现”到“艺术表达”的跨越，是很多基础教程所缺乏的深度。同时，对不同类型镜头的特性分析得极为透彻，从定焦到变焦，从标准到超长焦，每一个焦段的适用场景和带来的情感倾向都被梳理得井井有条。阅读这些章节时，我仿佛感觉自己不是在读一本教科书，而是在跟随一位资深导演的思路在构建场景。这种层次分明的知识架构，确保了读者在掌握了基础操作后，能够自然而然地思考如何用技术去服务于故事表达，而不是被技术本身所束缚。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程中，我注意到作者在语言风格上采取了一种非常平易近人却又不失严谨的态度。它避开了冗长晦涩的学术术语堆砌，而是用一种类似于经验丰富的导师在现场指导的口吻来讲解复杂的概念。例如，在解释白平衡和色温时，作者没有直接抛出开尔文值的定义，而是先从“人眼对不同光源下的感知差异”入手，用生活化的例子将抽象的色彩科学具象化。这种叙述方式极大地增强了阅读的代入感。而且，书中对设备选择的讨论也显得非常中立和客观，它没有偏袒任何一个品牌或型号，而是强调“工具为人服务”的核心思想。它指导读者如何根据自己的创作需求和预算，去判断不同规格的传感器、帧率和码率的实际影响，而不是盲目追求最高参数。这种以创作为导向，以人为本的教学理念，使得整本书读起来非常舒服，让人感到自己是在进行一次愉快的学习探索，而不是被迫接受灌输。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容深度上，远超出了我对一本“基础教程”的预期。我原本以为它会侧重于相机的基本功能介绍和曝光三角的基础讲解，但它在运动摄影和场面调度方面的论述，简直可以作为专业课程的补充材料。尤其是在探讨运镜技巧时，作者详细解析了摇、移、跟、升降等基本运动方式在不同叙事语境下的功能和注意事项。比如，它区分了“推轨”（Dolly Shot）和“变焦”（Zoom）在心理学上的差异，前者带来的空间真实感与后者制造的压迫感，通过细致的文字对比和图示说明，让我茅塞顿开。此外，书中对复杂场景（如夜景、低照度环境）的处理策略也非常实用且前瞻。它没有简单地推荐提高ISO，而是引导读者思考如何通过补光、利用环境光线以及后期调色来优化画面质量，这体现了作者将拍摄实践与后期制作紧密结合的理念。对于那些希望从“会拍”跃升到“会拍出有目的性画面”的读者来说，书中这些关于运动、调度和环境光处理的章节，是极其宝贵的财富，提供了非常扎实的实践指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容编排上，还有一个非常巧妙的设计，那就是它非常注重不同技术要素之间的内在联系，尤其是对“节奏感”和“连贯性”的强调。很多基础教程往往将剪辑、声音和画面分割开来单独讲解，但这本书却在讲解画面构图和景别选择的同时，就已经在暗示这些选择对后期剪辑节奏的影响。比如，它详细分析了快速剪辑如何通过短促的镜头和密集的视觉信息来营造紧张感，而慢节奏的长镜头如何帮助观众沉浸于角色的内心世界。这种将前期拍摄与后期制作的思维无缝衔接的处理方式，极大地提升了读者的整体制作观。书中穿插的“制作流程解析”部分，更是将理论知识落实到实际工作流中的绝佳范例，从前期策划到现场执行，再到后期的技术要求，形成了一个完整的闭环。这种全景式的视角，对于希望未来能独立完成项目制作的读者来说，无疑是提供了最高效的学习路径，它教会的不仅仅是技术，更是一种系统性的项目思维。

评分☆☆☆☆☆

这个不说了……无语了……

评分☆☆☆☆☆

不错

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评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

很好，很实用，努力学习

评分☆☆☆☆☆

非常好。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

质量好，纸张好，彩色插图，内容也不错

评分☆☆☆☆☆

基础书 没啥好说的 还不错

评分☆☆☆☆☆

质量好，纸张好，彩色插图，内容也不错