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史悟轩，张菲菲 著

图书标签:

• 动画表演
• 动画
• 表演
• 艺术
• 影视
• 教育
• 专业
• 技法
• 理论
• 史悟轩

出版社： 化学工业出版社

ISBN：9787122267382

版次：1

商品编码：11927093

包装：平装

开本：16

出版时间：2016-05-01

用纸：铜版纸

页数：177

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：本书适用于高等院校动画、游戏等相关专业的学生或动画爱好者，可作为动画表演、角色动画、角色表演、角色设计等课程的教材或教辅。同时，也可为具有一定经验的动画师提供参考和帮助。
① 角度专业、实用，梳理动画表演等理论；
② 多个实例分析，便于轻松掌握理论知识；
③ “知识拓展”，增强内容趣味及丰富性；
④ 各节“小练习”，即时掌握各章节要点；
⑤ 各章“课后作业”，巩固全章重点内容。

内容简介

本书共7章内容，涵盖动画表演（角色动画）的起源、功能、重要性及其设计、制作方法。*先，以简单易懂的方式讲述了动画角色表演的基本概念、原理和来源，使读者初步了解这门课程以及其重要性；然后，通过分析角色表演的原理和一般规律，辅以大量的实例分析，帮助读者较为*面和深入地理解动画表演。在此基础上，归纳、总结了动画师在为动画角色设计表演时较为科学的工作方法，以及如何使用这些方法来保证在高效工作的同时*大程度地发挥创意。在具体章节中，通过“知识拓展”增强知识的趣味性、丰富性。同时，本书理论与实践相结合，多个小节设有“小练习”，使读者在练习中巩固重要知识点，并通过各章的课后练习，加强读者对整章内容的理解和掌握。
本书适于高等院校的动画、游戏等相关专业的学生或动画爱好者，可作为动画表演、角色动画、角色表演、角色设计等课程的教材或教辅。同时，也可为具有一定经验的动画师提供参考和帮助。

作者简介

史悟轩，山东工艺美术学院教师，毕业于中国美术学院动画系三维动画专业，获学士学位；英国波恩茅斯大学国家计算机动画中心三位动画专业，获硕士学位。3ds Max认证工程师。
动漫等设计作品发表于《炫客》、《视周刊》、新浪、网易等期刊及媒体。曾在伦敦Blue-Zoo动画公司任三维动画师、浙江省国立动画设计院任三维与后期制作总监，参与制作的动画片在BBC、中央电视台动画频道、浙江卫视和浙江少儿频道等国内外电视频道播出，并多次在国内外动漫比赛中获奖。个人专访刊登于《齐鲁周刊》、《女报》、插画中国等媒体，并与多家网站媒体保持合作关系。
2005年起创作动画形象“熊猫铁蛋儿”，作品包括插画、动画、QQ表情等，在网络上广为流传，与多家网站建立授权合作关系，并刊登在多个杂志及插画选集中。2005年漫画作品获第六届齐鲁国际动漫艺术节原创作品二等奖；2007年在中国美术学院国立动画设计院任职期间参与制作《小红军长征记》获十一届*guo美展金奖；2007年参与制作中国美术学院三维动画片《戏曲百集——惊梦》、《东海葛仙翁》；2010年毕业作品《Hams Off》入围2010葡萄牙MONSTRA动画节；2010年至今从事教学之外，多有插画、漫画作品刊登于多个平面媒体。

内页插图

目录

第1章　动画表演概论 001
1.1　动画表演概述　 / 001
1.2　动画表演的重要性　 / 002
1.2.1　塑造角色　 / 002
1.2.2　推动情节　 / 004
1.2.3　产生共感　 / 005
1.3　动画表演与戏剧表演的关系　 / 006
1.3.1　戏剧表演的出现　 / 006
1.3.2　动画表演的出现　 / 007
1.3.3　动画表演与戏剧表演的异同　 / 007
1.3.4　绘画中的表演对动画表演的影响　 / 008
课后作业　 / 010
第2章　动画表演的基础—运动规律 011
2.1　动画产生的原理—视觉暂留　 / 011
2.2　时间和空间—让运动变得有意义　 / 012
2.3　基础运动规律　 / 013
2.3.1　挤压、拉伸、预备动作　 / 013
2.3.2　速度与重量　 / 017
2.3.3　节奏与旋律　 / 025
2.3.4　心理预期　 / 028
2.4　角色运动规律　 / 031
2.4.1　时刻处于运动中，处处处于运动中　 / 031
2.4.2　重叠动画—动作的先后与重叠　 / 032
2.4.3　平衡　 / 033
课后作业　 / 034
第3章　基础动画表演 035
3.1　共感　 / 036
3.2　动画表演的基本元素—姿势　 / 038
3.2.1　姿势（肢体语言）的作用　 / 038
3.2.2　通过姿势讲故事　 / 040
3.2.3　设计姿势　 / 041
3.3　动画表演的视觉特性—剪影形与动画线　 / 049
3.3.1　剪影形　 / 050
3.3.2　动画线　 / 052
3.3.3　避免不充分的姿势　 / 055
3.4　表情动画　 / 057
3.4.1　面部　 / 057
3.4.2　眉毛和眼睛　 / 058
3.4.3　口型和对白　 / 063
3.5　动画表演的合理性　 / 068
3.5.1　天马行空的角色动画　 / 069
3.5.2　服务于角色的表演　 / 071
3.5.3　服务于情节的表演　 / 072
3.5.4　动画表演的趣味性　 / 074
课后作业　 / 076
第4章　动画师与动画表演实战 077
4.1　羞涩的动画师与解放天性　 / 077
4.2　动画师的表演实战　 / 079
4.2.1　动画师不是演员　 / 079
4.2.2　动画表演的段落感　 / 080
4.3　角色动画设计流程　 / 082
4.3.1　角色分析　 / 082
4.3.2　情节分析　 / 088
4.3.3　表演体验　 / 091
4.3.4　参考资料的收集　 / 094
4.3.5　动作分析　 / 098
4.3.6　设计关键帧　 / 104
4.3.7　制作动画　 / 112
4.3.8　检查角色表演动画　 / 117
4.4　动画师应该具备的习惯　 / 117
4.4.1　观察生活　 / 118
4.4.2　动画师的速写本　 / 118
课后作业　 / 121
第5章　分镜头与插画设计中的表演 122
5.1　分镜头设计中的表演　 / 122
5.2　插画设计中的角色表演　 / 129
课后作业　 / 131
第6章　动画表演实例分析 132
6.1　丰满的现实—电影动画的表演分析　 / 132
6.1.1　迪斯尼的经典动画电影表演分析　 / 132
6.1.2　日本动画电影表演分析　 / 141
6.1.3　三维动画电影表演分析　 / 150
6.1.4　其他类型动画电影表演分析　 / 155
6.2　骨感的现实—电视动画的表演分析　 / 160
6.2.1　电视动画与电影动画的区别　 / 160
6.2.2　简化而不简单的电视动画表演　 / 161
课后作业　 / 167
第7章　动画表演练习 168
7.1　基础却不简单的走路循环动画　 / 168
7.1.1　标准的走路循环动画　 / 168
7.1.2　个性化的走路循环动画　 / 170
7.2　表情动画练习　 / 171
7.2.1　从镜子到画笔　 / 172
7.2.2　表情和口型的选择　 / 173
7.3　练习实例　 / 173
7.3.1　经典对白动画再创作练习　 / 173
7.3.2　武术、舞蹈动作动画练习　 / 175
课后作业　 / 176
参考文献 177

前言/序言

好的，根据您的要求，这是一份关于一部名为《动画表演（史悟轩）》的书籍的详细简介，但内容完全不涉及该书本身。 --- 图书简介：《光影间的秘密：电影特技的演进与应用》 书籍概述： 《光影间的秘密：电影特技的演进与应用》是一部深入剖析电影技术发展史的专业著作。本书旨在揭示那些赋予银幕画面以魔力与震撼的视觉奇观是如何从早期的粗糙尝试，一步步演变为今日尖端数字艺术的复杂过程。它不仅梳理了从默片时代到数字时代的特技技术里程碑，更探讨了这些技术背后的艺术哲学与工业实践。 本书结构严谨，内容翔实，适合电影专业人士、技术爱好者以及所有对电影制作幕后抱有好奇心的读者。它将带领读者穿梭于历史的片段与未来的趋势之间，理解光影如何被操控，世界如何在镜头前被重塑。 第一部分：起源与奠基——特技的萌芽期（1895-1930年代） 本部分聚焦于电影艺术诞生初期，那些“奇迹”是如何通过最朴素的机械和光学手段实现的。 1. 早期魔术与电影融合： 探讨乔治·梅里爱等先驱者如何将舞台魔术和幻灯片技术引入早期电影制作。重点分析“停机重拍法”（Stop Motion）的发明及其对电影叙事逻辑的颠覆性影响。 2. 机械奇观的诞生： 详细考察定格动画（Stop Motion）技术在早期怪物片和科幻电影中的应用，例如威利斯·奥布莱恩（Willis O'Brien）为《金刚》所做的准备工作，即使《金刚》本身属于更晚的时期，其理论基础和早期尝试已在此阶段形成雏形。分析早期模型的制作材料、骨架结构以及拍摄时的光照策略。 3. 摄影机运动的革命： 介绍早期的运动镜头设计，包括简易滑轨和摇臂的原始形态，以及如何利用摄影机运动来营造紧张感或宏大场面，这为后来的动态特技打下了基础。 第二部分：黄金时代的挑战——物理特效的巅峰（1930年代-1970年代） 随着电影工业的成熟，对视觉效果的要求水涨船高。这一时期，物理特效（Practical Effects）达到了前所未有的高度，主要依赖于精密的机械装置、复杂的布景和化学反应。 1. 场景的宏大营造： 深入解析大型布景搭建、透视画法（Matte Painting）的黄金时期。通过对《乱世佳人》和早期史诗片的分析，展示二维绘画如何融入三维空间，创造出不存在的广袤天地。 2. 机械操控与实体爆炸： 阐述如何设计复杂的机械装置来模拟生物运动或灾难场景。本书详述了特种化学品在烟雾、火焰和液体效果处理中的应用，以及如何安全且可控地实现电影中的爆炸场面。 3. 液体与水下摄影的难题： 探讨在没有先进数字处理的年代，如何通过定制的水箱、反射镜系统和高速摄影来捕捉逼真的水流、沉船或水下搏斗的场景。 第三部分：技术的飞跃——光学合成与早期数字过渡（1970年代-1990年代初） 这一阶段是特技领域的分水岭，电子技术和计算机概念开始渗透，光学合成技术达到顶峰。 1. 动态视差与运动控制： 重点介绍“动态视差摄影”（Motion Control Cinematography）的发明及其对精确重复拍摄的贡献。通过分析《星球大战》系列，揭示复杂的模型拍摄如何依赖于计算机控制的重复运动来保证画面细节的完美叠加。 2. 蓝/绿幕技术的成熟： 详细剖析色度键（Chroma Keying）技术在胶片时代的优化过程，包括光照均匀性的要求、边缘柔化处理，以及如何将前景演员与背景完美融合。本书还讨论了早期光学合成器（Optical Printer）的工作原理，它是连接多个胶片元素的桥梁。 3. 角色造型与硅胶的革命： 考察斯坦·温斯顿（Stan Winston）等大师如何利用新材料（如硅胶、乳胶）和精密的机械骨架，创造出栩栩如生的外星生物、恐龙和怪兽，实现电影史上第一次真正意义上的生物逼真再现。 第四部分：数字洪流——CGI时代的全面降临（1990年代中叶至今） 本书的后半部分集中于计算机生成图像（CGI）如何彻底改变了电影制作的面貌，以及实体特效与数字技术之间的共生关系。 1. 从像素到实体： 分析早期全数字角色的制作流程，包括建模、贴图、绑定（Rigging）和渲染。重点对比《终结者2》中液态金属形象与后续全CG角色的技术差异和艺术追求的不同。 2. 粒子系统与流体模拟： 深入探讨现代电影中对自然现象的模拟。介绍复杂的流体动力学算法（如Navier-Stokes方程的应用）如何在软件层面模拟出逼真的水、火、烟雾和尘埃，以及这些模拟如何服务于叙事而非仅仅是炫技。 3. 虚拟制片与实时渲染： 展望未来的发展趋势，探讨虚拟制片（Virtual Production）技术，如LED墙和空间追踪系统，如何模糊了实景拍摄与数字环境的界限，使导演能够在拍摄阶段即刻看到最终的视觉效果。本书还讨论了动作捕捉（Performance Capture）技术如何捕捉演员的微妙情感并将其迁移到数字角色上。 结论：特技的艺术边界 总结特技技术作为一种叙事工具的价值。特技并非仅仅是增加爆炸场面，而是服务于故事的核心。本书最后提出一个思考：在技术无限可能性的时代，电影人如何保持对“真实感”的追求，以及哪些物理限制的消失，又为创意带来了新的桎梏。 作者简介： （此处将提供一位虚构的电影技术史学家的简介，侧重于物理学、光学和媒体传播领域的研究背景，强调其对电影制作流程的深入理解，而非动画表演理论。） ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它提供了一种观察和解构表演现场的全新透镜。我通常阅读这类书籍时会习惯性地带着批判的眼光，寻找逻辑上的漏洞或者论证上的薄弱点。然而，在这本书中，我发现作者的论述逻辑链条非常严密，几乎找不到可以诟病的地方。他不仅仅关注“怎么做”，更深入探讨了“为什么这样做”。例如，他在分析“留白”在戏剧张力中的作用时，引入了心理学中的“未完成循环”概念，这种跨学科的融合，使得他的理论体系更加坚实和立体。我是一个追求完美的技术流表演者，这本书恰好满足了我对深度技术解析的渴求。它教我如何精确地控制自己的表演节奏，如何在不言说的情况下，通过微小的面部肌肉运动来传递复杂的情感信息。这本书的排版设计也十分考究，章节之间的过渡非常自然流畅，阅读体验极佳，完全不会有跳跃感。对于那些真正想把表演技术打磨到极致的人来说，这本书是案头必备的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量相当不错，纸张手感很好，长时间阅读也不会觉得眼睛很累，这对于我这种习惯于沉浸式阅读的人来说，是一个很大的加分项。内容方面，我得说，作者的学识背景确实非常扎实。他引用的参考资料跨度很大，从早期电影理论到现代舞台实践，都有涉猎，这让整本书的内容显得非常饱满和有深度。我最喜欢的部分是关于“身体语言与内心世界的连接”那一章节。作者没有停留在表面的模仿，而是深入挖掘了演员如何通过身体去构建一个角色的内在世界，这才是表演艺术的核心所在。他用了很多现实案例来佐证他的观点，这些案例既有广为人知的经典，也有一些比较小众但同样精彩的片段分析，这显示了作者广博的视野。不过，坦白讲，对于初学者来说，某些术语的解释可能略显简略，需要读者有一定的基础知识储备才能完全消化。但对于有一定经验的人来说，这本书无疑是一剂强心针，能帮你打破瓶颈，找到新的突破口。我个人觉得，这本书更适合作为进阶读物来研习。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的厚度让我有点望而生畏，但一旦翻开，那种求知欲就被彻底点燃了。作者在书中构建了一个非常宏大且自洽的表演理论体系，它不是零散技巧的堆砌，而是一个有机的整体。我以前在处理一些需要长时间情绪酝酿的角色时常常感到力不从心，这本书中关于“情绪记忆的构建与释放”的章节，提供了一种结构化的训练方法，让我明白了如何避免过度依赖个人经历，而是通过科学的方法来调动和控制情绪能量。这本书的语言风格有一种独特的节奏感，就像作者在现场指导你一样，既有长篇的理论阐述，穿插着许多短小精悍的“箴言”，让人随时可以停下来咀嚼思考。它成功地将高深的艺术哲学拉回到了具体的、可操作的层面。对于那些仅仅满足于模仿表面技巧的人来说，这本书可能显得有些深奥；但对于渴望触及表演艺术核心，想要在自己的艺术道路上走得更远、更稳健的实践者而言，这本书的指导意义是无可替代的。它是一部引领我们走向更深层理解的指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书，老实说，拿到手的时候我其实是抱着一种试试看的心态。封面设计得挺素雅的，但内容介绍又说得天花乱坠，让人心里有点打鼓。我一直对传统艺术形式比较感兴趣，所以听说这本书在探讨某种新的叙事方式时，就决定买来翻翻。读完第一章，我就感觉作者的笔触非常细腻，他似乎能把那些抽象的理论概念，用非常生动的例子串联起来，让人读起来一点也不觉得枯燥。特别是他分析某些经典场景的段落，简直像是在给我进行一次私教课，把原本我觉得一头雾水的地方，一下子就点亮了。我特别欣赏作者那种不拘泥于既有框架的思维，他敢于挑战一些我们习以为常的观点，并且能够拿出令人信服的论据来支撑自己的看法。这本书对我来说，更像是一本思考的工具书，它没有直接给我答案，但它教会了我如何去提出更好的问题，如何从更深层次去理解表演的本质。我已经把这本书推荐给了我的几位同行，他们看完后都反馈说，这本书给他们带来了很多新的启发，尤其是对于如何处理角色情绪的层次感，有了更清晰的认识。这本书的价值，远超乎我最初的预期。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个朋友的强烈推荐下去买的这本书。一开始我还在犹豫，因为市面上同类型的书籍已经很多了，很难找到真正有亮点的。但是，这本书真的给了我一个惊喜。它的行文风格非常具有个人色彩，不是那种冷冰冰的学术报告，更像是一位经验丰富的前辈在娓娓道来，分享他的心得和教训。这种亲切感，大大降低了阅读门槛。我尤其欣赏作者在探讨“即兴与准备”之间的平衡关系时所采取的视角。他没有极端地推崇某一方，而是强调两者必须在统一的艺术目标下相互服务、相互促进。书中关于如何进行“情境重塑”的技巧介绍，我已经迫不及待地在我的排练中尝试了几次，效果立竿见影，极大地提高了排练的效率和演员的投入度。唯一让我觉得有点遗憾的是，这本书的插图略显单调，如果能配上更多具有代表性的剧照或者场景草图，相信对理解某些复杂的调度和表演状态会有更大的帮助。总的来说，这是一本可以反复阅读并从中汲取新营养的宝藏之书。