戏曲丛谭 曲艺论丛 [An Introduction To Chinese Traditional Opera Paper Collection on Chinese Folk Arts] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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华连圃，傅惜华 著

图书标签:

• 戏曲
• 曲艺
• 中国传统文化
• 民俗艺术
• 文化研究
• 艺术史
• 戏曲理论
• 曲艺理论
• 表演艺术
• 文学

出版社： 中国戏剧出版社

ISBN：9787104043218

版次：1

商品编码：11869740

包装：精装

外文名称：An Introduction To Chinese Traditional Opera Paper Collection on Chinese Folk Arts

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸##

内容简介

　　《戏曲丛谭 曲艺论丛》收入的华连圃著的《戏曲丛谭》系统讲解戏曲产生发展的源流，对汉乐府、南北朝百戏、唐大曲的繁盛、宋杂剧、金弹词等逐一展开论述，对元以后戏曲成熟之后的体制、声律、宫调、脚色等做了条分缕析的阐释，南北曲的发展、基本作法和度曲法及曲家和流派。《曲艺论丛》是傅惜华先生的曲艺研究论文集。

作者简介

　　傅惜华（1907年-1970年），又名宝泉，北京满族，富察氏。戏曲研究家、俗文学研究专家和藏书家。1907年农历五月初五，出生在北京的一个姓富察的满族家庭。他出生后不久，旋即爆发了辛亥革命。这场革命，推翻了满洲贵族统治了250多年的大清王朝，以后又是各路军阀连年混战。社会的动荡使傅氏家族的生活每况愈下，所以，傅惜华在北京蒙藏专门学校毕业之后，就没有能继续升学，而是走向了社会。但他从学生时代养成的博览群书和刻苦钻研的习惯，为其以后从事艺术研究奠定了良好的基础。

目录

华钟彦先生的《戏曲丛谭》及其他
《戏曲丛谭》
《戏曲丛谭》题签一
《戏曲丛谭》题签二
《戏曲丛谭》自序
《戏曲丛谭》卷上
《戏曲丛谭》卷下
《戏曲丛谭》主要参考书目
《曲艺论丛》
《曲艺论丛》目录
《曲艺论丛》正文
《曲艺论丛》后记

前言/序言

戏曲艺苑探微：一部聚焦于地方戏曲及曲艺发展脉络的学术汇编 导言： 本卷《戏曲艺苑探微》并非对既有权威文本的简单重复或概括，而是我们特地遴选、组织的一部聚焦于中国地方戏曲和新兴曲艺形式发展脉络的学术论文集。它旨在填补当前通论性研究中对特定区域、特定剧种以及特定时期曲艺革新案例关注不足的空白。全书汇集了来自不同文化地理区域的学者对各自领域内鲜活实践的深入考察，力求呈现一幅立体、多元的中国戏曲与曲艺生态图景。 第一辑：区域声腔的地理学考察与传承路径 本辑侧重于对中国地域性剧种的文化地理学分析，考察其如何在特定的自然环境、社会结构和族群互动中孕育、定型并得以延续。 第一章：巴蜀花腔的“天人合一”美学基础 本章深入探讨了川剧中的“川音”如何与四川盆地的湿润气候、悠久的历史传说相结合，形成其独特的板式结构与声腔韵味。重点剖析了川剧的“丑角”艺术，如何超越传统脸谱的符号化，成为承载市井智慧与民间哲学的载体。研究者通过对清末民初川剧班社的活动记录和口述史料的梳理，重构了其在茶馆、园林等特定公共空间中的表演生态。特别关注了“帮腔”体系的建立机制，揭示了其内部的师承关系与审美规范的口耳相传过程，而非依赖成文的剧本。 第二章：闽南南音的“活化石”地位及其仪式功能 本辑的第二章将目光投向福建地区，聚焦于被誉为“中国音乐史上的活化石”的南音。本研究不同于传统音乐学对音阶和乐器的分析，而是将其置于宗族祭祀、民间信仰和社区庆典的仪式语境中进行考察。论文详细记录了南音在当代城市化进程中，如何通过“上世纪”的民间组织（如“乐社”）实现代际间的非正式教育。我们对不同南音流派在“指谱”解读上的细微差异进行了对比分析，强调了其演奏中的“气息控制”与“心神合一”在审美实践中的核心地位。 第三章：晋北鼓书的文本生成与社会批判功能 本章考察了山西北部，特别是晋北地区流行的鼓书艺术。鼓书在历史上常常扮演民间“史官”和“议论者”的角色。本研究侧重于其“说唱人”的社会身份构建，以及他们如何通过即兴的“镶嵌”技巧，将时事新闻、民间道德教化融入固有的叙事框架中。论文附带了对数部失传或仅存手抄本的鼓书段落的整理与白话翻译，旨在揭示其在地方权力结构中的微妙张力，即如何在迎合主流叙事的同时，暗藏对地方陋习的讽刺。 第二辑：曲艺形式的创新与媒介适应性研究 第二辑将焦点转向了更具流动性和适应性的曲艺门类，探讨它们在近现代社会转型中如何通过媒介的引入和题材的更新来保持其生命力。 第四章：评书的“说学逗唱”平衡艺术的现代性转向 本章分析了评书（特别是受京津文化影响的流派）在进入广播时代后，表演节奏和结构上的变化。研究者通过比对早期的“手抄本”评书与录音资料，探讨了“说”与“唱”的比例如何根据听众的即时反馈和媒介的传播特性进行调整。此外，本章还特别讨论了评书演员在改编传统公案小说或民间传说时，如何引入现代心理学视角来深化人物刻画，这是一种对传统“脸谱化”人物塑造的微妙突破。 第五章：相声的“双人哲学”与语义学的游戏 本辑的第五章专门剖析了相声这门综合性曲艺的结构本质。我们认为相声并非仅仅是笑料的堆砌，而是一种高度精密的语义学和逻辑游戏。本研究从“垫话”、“撂活”等核心环节入手，分析了其内在的“预期违背”机制。重点研究了不同时代相声演员在“砸挂”艺术中对自身社会身份和同行关系的建构方式，揭示了“逗哏”与“捧哏”之间基于默契的权力动态平衡。 第六章：民间说唱的文本考古：从“大鼓”到“小曲”的文体演变 本章是一项跨门类的文本考古工作，追踪了以“鼓书”和“小曲”为代表的说唱艺术在二十世纪上半叶的文体变迁。研究者通过对大量散佚的“曲牌”和“段子”的收集，绘制了其从严肃的历史叙事向更贴近市民日常生活的“艳情”、“讽世”题材过渡的轨迹。本章特别关注了女性表演者在这一演变过程中的角色强化，以及她们对传统题材“女性视角”的重新诠释。 结语： 《戏曲艺苑探微》力求以扎实的田野调查和细致的文本分析，为研究者提供一系列深入地方肌理的观察点，这些观察点构成了中国戏曲与曲艺艺术在广阔地域上生长的具体路径。它着重于实践层面的细节，关注流派之间的差异性，而非追求宏大的统一叙事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种墨香和纸张的质感，仿佛一下子就把人拉回了旧时光的戏台子前。封面采用的木刻版画风格，线条粗犷却不失细腻，色彩搭配上那种略显陈旧的朱红和墨黑，恰到好处地烘托出传统艺术的厚重感。内页的纸张选择也颇为讲究，不是那种光滑刺眼的现代铜版纸，而是带有一点点粗粝感的米黄色纸张，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅，眼睛也不会感到疲劳。装订方面，线装的书籍总有一种仪式感，每一次小心翼翼地展开，都像是在揭开一幕久远的故事。书脊处的烫金小字，在光线下若隐若现，低调地彰显着其内在的学术价值。如果说内容是灵魂，那么这本册子的外在形态，无疑是为这份灵魂量身定做的一件精致的行头，它本身就是对传统美学的一种致敬，让人忍不住想把它摆在书架最显眼的位置，时不时地拿出来摩挲一番，感受那份跨越时代的匠心。这种对实体书美学的执着，在当今这个数字阅读盛行的年代，显得尤为珍贵和难得，让人对即将展开的阅读体验充满了美好的期待。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验的整体感受来看，这本书的价值远远超出了单纯的知识获取。它像是一座精心布置的艺术画廊，引导着我们去重新审视那些我们习以为常的文化符号。每一次合上书卷，我都会不由自主地在脑海中回放书中所描述的那些场景——或许是某个老生拉腔时眼神中流露出的沧桑，或许是某个花旦转身后衣袂带起的风。它不仅是知识的传递，更是一种情感的唤醒，它让我们意识到，那些被时间冲刷得有些模糊的传统，其实蕴含着多么鲜活、多么震撼人心的生命力。这本书成功地搭建了一座桥梁，连接了古老的舞台艺术与当代读者的心灵，让久违的艺术精魂，再次找到了共鸣的听众，读完后，感觉心头被一种深沉而优雅的力量充盈着，久久不能散去。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这是一本标准的学术论文集，那些堆砌的专业术语和晦涩的理论恐怕会让人望而却步，但翻开第一页，那种扑面而来的亲切感和娓娓道来的叙事方式，彻底打消了我的顾虑。作者似乎深谙如何将深奥的学问用最生动、最贴近人情的语言表达出来。阅读过程中，我时常会产生一种错觉，仿佛自己正坐在一个老茶馆的角落，听一位博学的长者，伴着悠扬的胡琴声，讲述着那些伶人台前幕后的辛酸与荣耀。行文的节奏把握得极好，时而慷慨激昂，描述那高亢激越的唱腔和身段的精妙之处；时而低回婉转，剖析那潜藏在扮相、水袖背后的文化密码。这种叙述的韵律感，与它所讨论的艺术本身形成了奇妙的共振，让原本可能枯燥的理论分析变得如痴如醉，简直就是一场流动的、文字构建的戏曲盛宴。

评分☆☆☆☆☆

我必须得提及一下本书在资料搜集和引证方面的严谨程度，这对于一本涉及历史和文化的论集来说，是至关重要的信誉基石。随便翻阅其中任何一篇，都能看到密密麻麻、标注得井井有条的注释和引文列表，涵盖了从清代禁宫档案到民国时期报刊杂志，甚至是早已散佚的民间艺人手抄本的片段引用。这不仅仅是学术规范的要求，更体现了作者对这份文化遗产的敬畏之心。看得出来，这不是一朝一夕之功，而是多年来在档案馆、旧书摊和民间走访中积累下来的宝贵心血。正因为这种扎实的基础，使得书中提出的许多观点，即便是那些略显大胆的创新性解读，也显得底气十足，让人信服。这种对史料的尊重和挖掘，使得整本书的论述具有了坚不可摧的学术重量，不是那种浮光掠影、人云亦云的浅薄之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是其对于“地方性”与“普适性”之间平衡的拿捏。它并没有局限于某一剧种的皮毛介绍，而是深入到不同地域、不同流派的细微差别之中，那种田野调查式的细致入微，简直令人叹为观止。比如，书中对某一南方小剧种的“走边”技巧的分析，不仅引用了大量的历史文献，更结合了作者亲身观察和记录的舞台影像资料的描述，详尽到了演员呼吸的频率和步幅的微妙变化。然而，即便是描述如此细致入微的局部，作者也总能巧妙地引申出关于中国传统表演艺术中“气韵生动”这一核心美学理念的探讨，将个案提升到哲学层面。这种“见微知著”、“以小见大”的写作手法，使得即便是对戏曲略有涉猎的普通读者，也能从中领悟到艺术的更高境界，而不是被一堆专业名词困住，让人由衷佩服作者深厚的学术功底和广阔的视野。