嗓音遗训：世界声乐史上历代大师教学经验荟萃 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 弗·兰皮尔蒂 著，李维渤 译

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• 声乐教学
• 声乐技巧
• 大师经验
• 声乐历史
• 嗓音训练
• 演唱技巧
• 音乐教育
• 声乐方法
• 发声原理
• 音乐艺术

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806676844

版次：1

商品编码：11677030

包装：平装

开本：32开

出版时间：2005-04-01

用纸：胶版纸

页数：304

正文语种：中文

内容简介

　　《嗓音遗训：世界声乐史上历代大师教学经验荟萃》堪称是世界声乐史上的一部绝品、奇书。作者通观了世界声乐发展史，将声乐史上各发展阶段的各重要环节上出现的大师们的重要教学经验和嗓音训练的观点溶于一炉，最终形成了目前这部书稿。正如译者李维渤先生认定的：此书介绍的历代大师的实践经验和传统观点，是每个声乐爱好者必须借鉴的宝贵财富。

作者简介

　　弗·兰皮尔蒂，1813年3月11日生于意大利的萨沃纳，1892年5月1日逝于意大利北部的科莫。父亲是律师，母亲是一位相当名气的歌剧演员。兰皮尔蒂幼年即显露音乐天赋，在洛蒂从师皮埃特罗·里齐学习音乐。1820年入米兰音乐学院。他在洛蒂的爱剧剧院教授声乐的成功使他驰名全意大利，学生从意大利各地以及欧洲其他国家云集到他门下，在那里他的著名学生有珍妮·索菲·洛、克鲁维里、格鲁阿、布兰贝拉、海斯、阿尔托特蒂贝里尼、拉·格兰奇。

目录

前言
歌唱艺术的衰落与复兴
弗·兰皮尔蒂简介
引言：关于歌唱艺术的衰落
论题-忠告
论题一：嗓音
论题二：嗓音的不同声区
论题三：身体、嘴和发声器官的位置
论题四：关于呼吸
论题五：关于嗓音的音质
论题六：关于嗓音的发出
论题七：嗓音的支持
论题八：关于练声和灵活性
论题九：关于表情滑间和连线
论题十：学习的一般法则
论题十一：关于发音
论题十二：嗓音支持法则的应用
论题十三：关于音符的起音
歌唱艺术与歌唱本质之间的关系
歌唱艺术的法则
威廉·莎士比亚简介
引言
气息处理
呼吸练习重述
安置嗓音
舌头
在气息上的嗓音
下腭
软腭
嘴唇和面孔
眼睛
起音与连音
乐音
错误的发声
嗓音的声区
胸声区
中声区
头声区
嗓音力量与气息压力强度
不同声部的声区表以及它们不同的能量等级
表情
元音发音初论
结束语
文雅的歌唱艺术
嗓音遗训
卡鲁索和泰特拉基尼谈歌唱艺术

前言/序言

《弦音秘境：巴洛克至浪漫主义时期西方乐器演奏技艺流变考》 图书简介 本书以严谨的史学考证和细致的音乐分析为基石，深入剖析了自巴洛克早期至浪漫主义晚期（约1600年至1900年）近三百余年间，西方古典音乐领域中，主要器乐（小提琴、大提琴、长笛、双簧管、单簧管、钢琴及早期管风琴）演奏技艺的演进脉络、核心理念的更迭，以及由此催生的演奏风格转变。我们旨在描绘一幅清晰的图景：技术革新如何与音乐审美变迁相互驱动，共同塑造了现代乐器演奏的形态。 第一部分：巴洛克回响与早期规范（约1600-1750年） 本部分聚焦于巴洛克音乐对演奏技巧的早期定义与规范的建立。我们首先探讨了早期弦乐器（如维奥尔琴向小提琴的过渡）在指法、弓法以及音准处理上的特点。巴赫、亨德尔等巨匠的作品对演奏者提出了极高的要求，尤其是在对位清晰度和对装饰音的精准处理上。 小提琴与大提琴的黎明： 详细考察了巴洛克早期弓法——如“平弓”（Tiré）和“分弓”（Détaché）的原始形态，以及对手指振动（早期颤音）的理解。彼时，弓的重量和速度远不如后世强调，对音色的追求更倾向于清晰的轮廓而非饱满的共鸣。我们通过对Corelli、Vivaldi作品的分析，还原了彼时对“韵律感”的理解，它深深植根于舞蹈节奏而非纯粹的歌唱性。 管乐器的“自然”与“人工”： 探讨了木管乐器（尤其是横笛和双簧管）的早期构造——通常只有两到三个键的结构。这种机械限制深刻影响了演奏技术。例如，长笛演奏者必须依赖指孔覆盖（Hole Covering）和口型（Embouchure）的精细调整来处理半音，这极大地限制了速度和音准的稳定性，但也造就了一种独特的、略带“鼻音”或“空气感”的音色特质。 键盘的基石——羽管键琴与管风琴： 深入分析了羽管键琴的机械特性如何决定了触键方式（Touch）。这是一种强调“释放”（Release）的技巧，而非像钢琴那样强调“重量”（Weight）。管风琴部分则侧重于对呼吸控制（Breath Control）的模仿，即如何通过脚踏板和不同音栓的组合来模拟合唱团的层次感。 第二部分：古典主义的清晰与平衡（约1750-1820年） 随着音乐重心从对位转向旋律与和声的清晰表达，乐器制造技术开始发生关键性转变，这直接重塑了演奏的审美标准。 钢琴的崛起与触键革命： 重点分析了“强弱钢琴”（Pianoforte）取代羽管键琴的社会文化原因及其技术影响。克莱门蒂、莫扎特时期的钢琴演奏，要求更清晰的分句（Articulation）和更精细的力度控制。本书细致比较了早期的“短键程”与后来的“长键程”设计，如何使得连奏（Legato）的实现从一种“技巧的挑战”转变为一种“表达的手段”。 弦乐的“歌唱性”深化： 这一时期，小提琴弓的形状开始向更弯曲、更重的前端发展，以实现更持久的、歌唱性的长音。我们考察了海顿和早期贝多芬作品中对抒情旋律的处理，这要求演奏者在揉弦（Vibrato）的使用上更加审慎和富有目的性，而非一味地追求浓烈。 管乐器的机械化初期尝试： 探讨了早期单簧管（Clarinet）的引入及其对音色库的丰富。同时，也关注了长笛等乐器开始增加键位的尝试，虽然尚未达到完全的半音覆盖，但已为日后的技术飞跃埋下伏笔。 第三部分：浪漫主义的激情与极致（约1820-1900年） 浪漫主义时期是技术爆炸的时代。音乐对情感表达的无限渴求，促使乐器制造者和演奏家们共同推动了技术极限的拓展。 帕格尼尼效应与炫技的时代： 详细分析了尼科罗·帕格尼尼如何彻底颠覆了小提琴演奏的范式。书中通过对双泛音、左手拨弦、快速换把的精细技术解析，说明了浪漫主义对“非人力所能及”的追求如何成为一种新的技术标准。这不仅是速度的竞争，更是对音色潜能的彻底发掘。 钢琴的“交响化”： 重点讨论了钢琴结构（铸铁框架、十字钢弦）的重大变革，以及这种变化对演奏技术的影响。肖邦和李斯特的作品要求演奏者具备极强的指间独立性、对踏板的诗意运用以及跨越整个键盘的宏大音响控制。本书辨析了浪漫主义时期对“重量传导”（Weight Transfer）的强调，即如何将身体的重量高效地转化为琴弦上的动力。 管乐的“全能化”： 集中研究了西奥博尔德·贝姆（Theobald Boehm）对长笛的革命性设计，以及管乐器如何在19世纪中期实现了键位的标准化与机械化。这使得演奏者能够以前所未有的速度和准确性演奏复杂的半音阶和琶音，从而彻底解放了浪漫主义协奏曲中对管乐的复杂要求。 大提琴的成熟与音域拓展： 考察了19世纪大提琴演奏家（如伯纳德·肖普和加布里埃尔·福雷）如何将大提琴的音域向上拓展，并开始确立现代的揉弦标准，以期达到与人声媲美的深沉表现力。 结语：技术与哲学的交汇点 全书最后总结了从巴洛克到浪漫主义的演变核心：从追求声音的“适度”与“比例”（古典精神），到追求声音的“无限”与“个人情感投射”（浪漫精神）。本书不仅是技术手册的汇编，更是理解特定历史时期音乐家如何用他们的身体和乐器来诠释时代精神的深度文化研究。通过对这些遗留下来的实践智慧的梳理，我们得以更好地理解古典音乐遗产的丰富性与复杂性。

评分☆☆☆☆☆

收到这本《嗓音遗训：世界声乐史上历代大师教学经验荟萃》，我简直被它沉甸甸的分量和厚实的内涵所震撼。光是翻开目录，我就被那些如雷贯耳的名字吸引住了：从歌剧黄金时代的巨匠，到近现代声乐界的先驱，他们跨越世纪的教诲，仿佛穿越时空而来，与我这位业余的声乐爱好者进行一场跨越时代的对话。虽然我并没有完全深入研读每一章节，因为里面的专业术语和理论知识对我来说还有些晦涩，但我能感受到其中蕴含的深刻智慧。我尤其对其中关于“气息的运用”和“共鸣腔体的开发”的章节感到好奇，尽管我无法完全理解其精髓，但脑海中已经开始勾勒出那些大师们在课堂上循循善诱的画面，想象他们如何用精准的比喻和生动的示范，引导学生去体会声音的流动与力量。这本书不仅仅是知识的堆砌，更像是一座宝库，里面收藏着无数声乐艺术的珍贵宝石，等待着有心人去发掘、去学习。我迫不及待地想找个安静的时间，泡上一壶茶，慢慢品味这本书带给我的声音艺术之旅。

评分☆☆☆☆☆

我是一名即将毕业的音乐系学生，主修声乐。拿到《嗓音遗训》这本书，可以说是我的“及时雨”。在我们平时的声乐课上，老师们虽然传授了扎实的基本功，但总觉得在一些更深层次的理解上，还存在一些模糊的地带。这本书恰好填补了这些空白。我尤其被其中关于“声音的韧性”和“音色的雕琢”的章节所打动。我过去总是过度追求音量的爆发，却忽略了声音的持久力和色彩感。书中的一些大师的论述，让我意识到，真正的艺术不在于嘶吼，而在于声音的细腻变化和情感的精准传递。我开始在练习中，有意识地去尝试控制声音的强弱，去寻找不同声区连接的平滑过渡，去体会如何让自己的声音更具表现力，而不是仅仅完成技术上的要求。这本书更像是一本“案头宝典”，我会在练习前翻阅，找到与我当前困惑相对应的章节，从中汲取灵感和方法。我相信，这本书将是我未来声乐道路上不可或缺的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《嗓音遗训》这本书给我的感觉，就像是踏入了一座宏伟的音乐殿堂。我并非声乐专业的学习者，平时只是对音乐，尤其是古典音乐，抱有浓厚的兴趣。这本书的内容，即使不完全理解其专业术语，也能感受到其中传递出的严谨态度和对艺术极致的追求。我尤其被书中描述的那些大师们，他们对于声音的探索精神所折服。他们不仅仅是传授技巧，更是在传递一种对待声音、对待艺术的态度。书中关于“声音的自然性”和“情感的真实表达”的探讨，让我思考，声音的魅力究竟源自何处。它不应仅仅是技巧的堆砌，更应是内心世界的映射。尽管我可能永远无法达到那些大师的高度，但通过阅读这本书，我仿佛能够窥见他们是如何一步步走向艺术巅峰的，那种对声音艺术的敬畏之情油然而生，也让我更加欣赏那些能够用声音打动人心的歌者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的合唱团成员，我一直对声音的和谐与配合充满兴趣。《嗓音遗训》这本书，虽然内容上可能更侧重于独唱大师的经验，但其中关于声音的整体感知和统一性的论述，依然让我受益匪浅。我特别注意到书中提及的关于“整体共鸣”和“声音的融合”的观点。在合唱中，我们经常强调“音准”和“节奏”，但对于如何让每个人的声音自然而然地融入整体，形成一种浑然一体的音响效果，却常常感到困惑。这本书中的一些大师的经验，让我开始思考，除了技术层面的统一，是否还有更深层次的、关于声音“共性”的理解。我尝试着在排练时，去倾听周围的声音，去感受它们的质感，并尝试调整自己的发声方式，让我的声音能够更好地“融”进去，而不是“突”出来。这本书让我意识到，即使是独唱大师的经验，也能在合唱这个集体艺术中找到共鸣和启示。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我并不是一个专业的声乐学习者，我纯粹是被《嗓音遗训》这个书名所吸引。在我的认知里，声乐大师们的教学经验，应该是只有专业院校的学生或者资深歌唱家才能窥探一二的秘籍。然而，当我拿到这本书，翻开它的时候，我发现我的想法过于狭隘了。书中的一些论述，虽然涉及声乐的技巧，但更多的是一种对声音、对艺术、对人生体验的哲学性探讨。比如，关于如何处理情绪在演唱中的作用，或者如何通过声音去表达更深层次的内心世界，这些内容让我深受启发。我试着在日常生活中，去观察自己说话的语气，去感受声音在不同情绪下的细微变化，这种“内观”让我对自己的声音有了全新的认识。即使我无法像大师们那样进行系统的科学发声训练，但这本书为我打开了一扇理解声音艺术的窗口，让我看到了声音背后那丰富的情感和深刻的哲学。我甚至开始思考，是否可以尝试用一种更具表现力的方式去表达自己，不仅仅局限于语言，而是通过声音本身。

评分☆☆☆☆☆

看看大师的作品

评分☆☆☆☆☆

书非常好，喜欢。快递送货又快又好。

评分☆☆☆☆☆

书已经收到了，品相装订都很好，可以好好的学习音乐真真是极好的

评分☆☆☆☆☆

第一次在京东买书，又碰上满减，太实惠了，选了好多书，都很有用，而且第二天就送来了，很方便。快递也很有礼貌，很满意。

评分☆☆☆☆☆

嗓音遗训：世界声乐史上历代大师教学经验荟萃，还行。

评分☆☆☆☆☆

很好，实用，对唱歌很有帮助！

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

书的内容尚可，但没有附带CD。需有老师辅导，或有CD才真正有用。

评分☆☆☆☆☆

拜读中～