中西方音乐史考试纲要（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田可文 著

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• 音乐史
• 西方音乐史
• 中国音乐史
• 音乐学
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• 高等教育
• 音乐理论
• 历史

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928851

版次：2

商品编码：11278234

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-07-01

用纸：胶版纸

页数：317

正文语种：中文

内容简介

　　“中国音乐史”与“西方音乐史”是当前全国高等艺术院校硕士研究生考试的必考科目。《中西方音乐史考试纲要》（第二版）是采用考试学的方法来撰写的中国与西方音乐史。其目的是为学生报考高等艺术院校研究生考前使用，有较强的针对性与实用性，可以使学生在最短的时间内掌握必须的内容。《中西方音乐史考试纲要（第2版）》也可以为音乐艺术院校在校学生修毕《中国音乐史》和《西方音乐史》后的结业考试时使用。
　　编著者田可文为武汉音乐学院音乐学系教授、博士生导师、学报《黄钟》副主编；兼任中国音乐家协会全国西方音乐学会理事。中国音乐史学会理事、湖北音乐家协会理论委员会副主任。他长期在音乐学院任教，从事音乐史的教学与研究。已出版著作16部，发表论文与杂文百余篇。

内页插图

目录

《中国音乐史》、《西方音乐史》考前的学习方法与问题
第一编 中国音乐史
第一章 远古及夏商的音乐
第一节 远古及夏商的音乐概况
第二节 应着重掌握的史实
一、我国原始时期的古歌与古乐舞
二、贾湖骨笛
第三节 核心内容
第四节 思考题
第二章 周秦的音乐
第一节 周秦的音乐概况
第二节 应着重掌握的史实
一、周代用乐的规定
二、六代乐舞
三、雅乐
四、颂乐
五、房中乐
六、四夷之乐
七、周代的小舞
八、郑卫之音
九、南音
十、九歌
十一、乱
十二、成相
十三、八音
十四、曾侯乙编钟
十五、三分损益法
十六、十二律吕
十七、旋宫
十八、儒家的音乐思想
十九、墨家的音乐思想
二十、道家的音乐思想
第三节 核心内容
第四节 思考题
第三章 两汉三国的音乐
第一节 两汉三国的音乐概况
第二节 应着重掌握的史实
一、汉代乐府
二、相和歌
三、相和三调
四、鼓吹
五、北狄乐
六、京房六十律
七、嵇康与《声无哀乐论》
第三节 核心内容
第四节 思考题
第四章 两晋南北朝的音乐
第一节 两晋南北朝的音乐概况
第二节 应着重掌握的史实
……

第二编 西方音乐史
第三编 与音乐史相关的概念
第四编 需要熟悉的音乐作品
附录：考试模拟题
主要参考书目
后记

精彩书摘

　　冼星海一生创作了数百首歌曲，四部大合唱、两部歌剧、两部交响乐、一部管弦乐曲、四部交响组曲（两部未最后完成），以及多首小提琴曲、钢琴等乐器独奏、重奏作品。他是近代音乐史上有重大影响的、多产的作曲家。
　　歌曲创作是冼星海音乐创作中最重要的一部分，其中以群众歌曲（包括齐唱及小型合唱曲）数量最多，此外还有抒情的独唱曲、儿童歌曲、劳动歌曲以及室内性的艺术歌曲等等。
　　他的群众歌曲创作从性格上大致分为两类。一类是富有号召性、雄伟的进行曲，其中以《救国军歌》、《青年进行曲》、《到敌人后方去》、《游击军》、《反攻》、《路是我们开》等作品为突出。这类作品以鲜明有力的节奏、富于棱角性的、宽阔的旋律，来表现一种坚决果断的气势和激昂慷慨的情绪。另一类是抒情性与战斗性相结合的歌曲，如《茫茫的西伯利亚》、《做棉衣》、《打倒汪精卫》、《在太行山上》、《三八妇女节歌》、《赞美新中国》等，作者通过抒情性的音乐，生动地反映了群众战斗生活的一些侧面以及他们丰富的内心世界。这类歌曲多采用民间音乐的音调与形式，多为齐唱或小合唱，用简单、灵活的二部合唱，来创造各种动人的音乐形象。各个声部富于旋律性地以自由模仿的方式和谐地结合在一起，形成了他的合唱曲的特殊风格。
　　在抒情性的独唱曲方面，冼星海创作的数量虽不多，但占有相当重要的地位。重要的有《莫提起》、《夜半歌声》、《黄河之恋》、《热血》、《战时催眠曲》、《江南三月》等，它们大多数是为舞台剧或电影所写的插曲，形式结构较复杂，并且富于悠长宽广、热情奔放的旋律和舒展和缓的节奏。这些创作以富于起伏的旋律进行与充满深情的、气息宽广的音调相结合，形成他自己独特的抒情风格。
　　在劳动歌曲方面，冼星海也创作了诸如《拉犁歌》、《搬夫歌》、《炭夫曲》、《顶硬上》、《起重匠》等。这些歌曲直接以民间劳动号子的音调，以富有特性的劳动节奏加工而成。他常以短小的、富有节奏特点的动机，以卡农式的声部模仿加以展开的合唱形式，来表现劳动生活的景象。
　　冼星海写儿童歌曲并不多，但非常富于儿童特点。作品只有《只怕不抵抗》、《祖国的孩子们》、《谁来跟我玩》等，都是对儿童进行爱国主义教育的优秀歌曲。
　　冼星海的艺术歌曲是以中国古诗词为题材的，在创作技巧上进行了大胆探索和试验。这类作品早期是在法国写作的，受古典主义与印象主义影响较明显。后期在原苏联创作的，在民族化方面，作了多种尝试。
　　大型声乐体裁是冼星海重要的作品，四部大合唱：《生产运动大合唱》、《黄河大合唱》、《九·一八大合唱》、《牺盟大合唱》，尤以《黄河大合唱》为最突出、影响最广泛的一部，作品以黄河为背景，热情歌颂了中华民族坚强不屈的斗争精神，自始至终充满了动人心弦的力量和雄伟浑厚的气魄，成功地反映了当时中国人民如火如荼的爱国热潮和坚持抗战的必胜信念。
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前言/序言

音乐学核心概念与应用：跨文化视野下的理论探索与实践指南 （本简介旨在介绍一本聚焦于音乐学理论、跨文化比较以及前沿研究方法的专著，其内容与《中西方音乐史考试纲要（第2版）》所涵盖的特定历史事件和知识体系无直接关联，旨在提供一个更广阔、更具理论深度的音乐学视角。） --- 导言：重塑音乐理解的理论框架 本书《音乐学核心概念与应用：跨文化视野下的理论探索与实践指南》是一部旨在为当代音乐学者、高等院校师生以及深度音乐爱好者提供全面、系统且具有前沿视野的音乐学研究工具书与理论基石。我们深知，音乐的本质远超其历史的线性叙述，它植根于人类的感知、文化结构以及社会实践之中。因此，本书并未侧重于某一特定区域或时期的编年史梳理，而是着力于构建一个多维度的理论分析框架，用以解构和理解全球范围内的音乐现象。 本书的核心宗旨在于，通过对基础理论的审视、跨文化比较手法的运用，以及对新兴研究范式的整合，帮助读者超越既有的音乐文化藩篱，进入一个更具批判性与创新性的学术领域。我们相信，只有掌握了底层的方法论与概念工具，才能真正触及音乐艺术的深层结构及其社会意义。 第一部分：音乐学的基础理论与概念重构 本部分着眼于奠定坚实的理论基础，重新审视那些在音乐研究中被视为“理所当然”的核心术语和框架。我们认为，许多传统概念在面对非西方音乐或当代电子音乐时显得力不从心，因此需要进行批判性修正与拓宽。 第一章：声音本体论与感知科学 本章深入探讨了“声音”本身的哲学基础。我们不局限于西方十二平均律体系内的音高、节奏概念，而是引入了现象学（Phenomenology）的视角来审视听觉体验。内容包括：声音的物理属性如何转化为文化意义（Sound Symbolism）；不同文化中对“噪音”（Noise）与“音乐”（Music）的界限划分；以及现代神经科学研究如何揭示人类对音乐结构（如和声、复调）的普遍与特殊认知机制。我们详细分析了林德奎斯特（Linde’gard）和斯蒂芬·艾姆斯（Stephen Ames）关于听觉空间构建的理论，旨在建立一个超越特定记谱法的声音分析模型。 第二章：形式分析的范式转移 传统的“曲式”分析（如奏鸣曲式、赋格）在面对非西方叙事性音乐或即兴音乐时显得僵化。本章致力于推广更具适应性的形式分析方法。内容涵盖：过程形式（Process Form）在极简主义音乐中的应用与解析；主题结构在口头传统中的可变性（Variability of Theme）；以及对“循环性”（Cyclicality）和“层叠性”（Stratification）结构在非洲复节奏（Polyrhythm）和印度拉格（Raga）中的精确描述。此外，引入了数理音乐学（Mathematical Musicology）中关于分形几何在音乐结构中的映射研究。 第三章：节奏、时间与运动的跨学科研究 节奏不仅是音符的排列，更是人类对时间的感知与社会组织方式的体现。本章将音乐节奏置于人类学、时间哲学与身体实践的交叉点进行考察。我们详细对比了“线性时间观”（Western Chronological Time）与“周期性时间观”（Cyclical/Spiral Time）在不同音乐实践中的体现。重点分析了身体在节奏生产中的核心作用——从“律动”（Groove）的社会构建到身体记忆（Embodied Memory）在演奏中的传递机制。 第二部分：跨文化比较的理论工具与案例研究 本书的特色在于其强烈的跨文化比较导向。我们拒绝将非西方音乐视为西方音乐史的“分支”或“异类”，而是将其置于平等的理论对话空间中进行研究。 第四章：和声与调性的非普适性探讨 本章批判性地审视了“和声”（Harmony）概念的文化局限性。内容聚焦于：音集理论（Set Theory）在无调性音乐分析中的局限与拓展；对比中东的“玛卡姆”（Maqam）体系中四分之一音程（Quarter Tones）的调性功能；以及东南亚甘美兰音乐（Gamelan）中基于倍频程（Octave Equivalents）的音高组织方式。核心讨论在于，如何描述一个缺乏传统西方“功能和声”概念的音乐体系，而非简单地将其“套用”西方术语。 第五章：乐器学与物质文化研究 音乐的物质载体——乐器——是理解其社会和技术环境的关键。本章采用物质文化研究（Material Culture Studies）的视角，超越单纯的声学分类。内容包括：乐器制作中的知识传承（Tacit Knowledge）；乐器在仪式中的“能动性”（Agency），例如如何将乐器视为特定社群的权力象征或精神载体；以及全球化背景下乐器材料的采购、复制与文化挪用（Cultural Appropriation）问题。 第六章：文本、语境与阐释的复杂性 音乐研究的核心挑战之一是如何处理文本（如歌词、乐谱）与非文本的语境（Context）之间的关系。本章深入探讨了阐释学（Hermeneutics）在音乐中的应用。我们分析了口头传统中，同一首“作品”在不同时间、不同表演者手中的意义变化（Performativity vs. Textuality）；对比了西方“作曲家意图”理论与东方“接受美学”在音乐理解中的差异。同时，对“符号学”（Semiotics）在音乐意义解码中的应用进行了深入的理论建构。 第三部分：音乐学的当代方法论与未来方向 本部分关注的是当代研究工具的引入与未来研究领域的拓宽，强调音乐学作为一门动态学科的自我革新能力。 第七章：数字人文与音乐分析的新工具 本章介绍了计算方法在音乐学研究中的最新进展。内容包括：大规模语料库的建立与分析（Corpus Linguistics in Musicology）；利用机器学习模型进行风格识别与自动分类的潜力与陷阱；以及如何利用网络分析（Network Analysis）来绘制音乐社群的互动图谱。本章的侧重点在于，数字工具如何解放研究者的时间，使其能够专注于更高层次的理论建构，而非重复性的劳动。 第八章：表演研究与过程本体论 表演（Performance）是理解音乐动态性的关键。本章全面整合了表演理论，将其视为一种“行动”（Action）而非对既定文本的再现。内容涵盖：即兴的结构化（Structure of Improvisation）；表演中的身体与空间关系（Kinesics and Proxemics in Music）；以及表演如何参与社会政治的建构与抵抗。本书特别强调了将表演视为一个持续的、开放的“过程”（Process Ontology），而非孤立的事件。 第九章：音乐、权力和伦理学前沿 本章将音乐学置于更广阔的社会政治场域中进行审视。内容涉及：音乐的赞助与权力结构；殖民主义与后殖民主义视角下的音乐民族志（Ethnomusicology）；以及研究者在记录和分析他者音乐实践时必须遵守的伦理准则（Ethical Imperatives）。我们探讨了如何通过音乐研究来揭示并挑战社会不平等，从而使音乐学成为一种积极的社会干预力量。 --- 总结： 《音乐学核心概念与应用：跨文化视野下的理论探索与实践指南》是一本面向未来、强调理论深度和方法论创新的学术力作。它旨在培养读者进行跨学科、跨文化对话的能力，为理解这个日益复杂和互联的世界中的音乐现象，提供了必要的理论武器和批判性的思维工具。本书所构建的框架，是超越特定历史范畴，深入音乐本质的系统性探索。

评分☆☆☆☆☆

收到《中西方音乐史考试纲要（第2版）》这本书，我内心是惊喜的。作为一名希望在音乐领域有所深造的学生，找到一本既有广度又有深度的音乐史教材一直是我所追求的。这本书在这方面做得非常出色。它不仅全面地涵盖了从古代文明到近现代的中西方音乐发展历程，更在细节处理上别具匠心。我特别欣赏书中对于音乐史中的重要转折点和理论革新的论述，例如对中世纪奥尔加农的讲解，清晰地展示了复调音乐的萌芽；而对于西方音乐史上“新音乐”的兴起，则通过对史克里亚宾、勋伯格等人的介绍，展现了其前瞻性和突破性。在处理中国音乐史部分，本书也没有简单地罗列各朝代的乐器和曲目，而是将其置于更广阔的文化语境中进行分析，比如对儒家音乐思想的阐述，以及戏曲音乐如何融入市民生活，都让我对中国传统音乐有了更深刻的认识。书中对于一些音乐术语的解释，也非常精准且易于理解，并常常引用相关的史料和学术研究，体现了其深厚的学术功底。这本书不仅是一本考试纲要，更是一部精彩的音乐史画卷，它以其严谨的学术态度和生动的叙述风格，极大地提升了我对音乐史的认知水平，为我未来的学习打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到《中西方音乐史考试纲要（第2版）》的时候，我并没有抱太大的期望。音乐史这门学问，总觉得枯燥乏味，充斥着各种我不熟悉的名字和年代。然而，这本书却用一种意想不到的方式，点燃了我对音乐史的兴趣。书中的叙述方式非常灵活，它不像我之前看过的许多学术书籍那样，上来就抛出一堆理论，而是循序渐进，将历史事件、社会文化和音乐发展巧妙地结合起来。我尤其惊叹于作者对中国音乐史的解读，它不仅仅停留在对传统乐器的介绍，更深入地探讨了不同朝代音乐的社会功能、审美取向，以及它们如何与诗歌、戏剧等艺术形式相互影响。比如，唐代宫廷燕乐的盛况，宋词与歌曲的结合，元曲的通俗与雅化，这些内容都让我眼前一亮。书中对西方音乐史的梳理也同样精彩，它没有陷入对某个时期某个风格的过度细致描述，而是抓住了音乐发展的主线，清晰地呈现了从文艺复兴的复苏，到巴洛克时期的繁复，再到古典主义的理性，以及浪漫主义的情感宣泄，这一系列演变过程。最让我印象深刻的是，作者在解释一些复杂的音乐术语时，常常会用非常生动形象的比喻，或者引用一些生动有趣的历史轶事，这使得原本晦涩难懂的内容变得通俗易懂。阅读这本书，更像是在听一位经验丰富的导游，带我穿越时空，领略中西方音乐长河中的那些璀璨明珠。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《中西方音乐史考试纲要（第2版）》，我怀着一种既期待又有些忐忑的心情。毕竟，音乐史这门课，其庞大的信息量和复杂的理论体系，常常让初学者望而却步。但这本书，比我想象中的要平易近人得多。它的章节划分清晰，从远古的音乐起源，到古希腊罗马的理性思辨，再到中世纪宗教音乐的庄严神圣，一路铺陈开来。我特别喜欢书中对早期西方音乐记谱法的讲解，那些看似神秘的纽姆符号，在作者的条分缕析下，变得生动有趣，仿佛能听到千年前吟唱的圣歌。书中对各个时期代表性作曲家的介绍，也并非简单的罗列，而是深入挖掘了他们所处的时代背景、社会环境以及他们音乐创作的独特风格和创新之处。比如，贝多芬的交响曲，不仅仅是几个乐章的组合，更是他反抗命运、追求自由精神的呐喊。读到这些地方，我常常会忍不住去播放相关的音乐，让旋律和文字在脑海中交织，这种沉浸式的学习体验，远比枯燥的记忆要来得深刻。而且，书中还附带了不少图表和插图，虽然只是辅助性的，却能极大地帮助我理解抽象的概念，比如不同时期乐器的演变，或者音乐结构的示意图，都让我这个“视觉型”学习者受益匪浅。总的来说，这本书为我打开了一扇了解音乐史的大门，让我从一个对音乐史一无所知的新手，逐渐变成了一个对其脉络和精髓有所领悟的探索者。

评分☆☆☆☆☆

对于长期从事音乐研究的我来说，一本高质量的音乐史参考书是不可或缺的。而《中西方音乐史考试纲要（第2版）》无疑是我近些年发现的优秀读物之一。这本书的学术严谨性毋庸置疑，它在梳理中西方音乐发展脉络的同时，也注重对关键历史节点和核心音乐理论的深入剖析。我尤其赞赏书中对音乐体裁演变的论述，无论是西方复调音乐的起源与发展，还是中国古代散曲、戏曲音乐的形成，都进行了详实的考证和分析，并辅以具体的音乐片段示例，这对于理解音乐形式的内在逻辑非常有帮助。同时，书中对音乐美学思想的探讨也颇具深度，作者不仅介绍了不同时期代表性的音乐理论家和他们的观点，还尝试将其与当时的哲学、社会思想相联系，从而揭示音乐与人类精神世界的深层关联。我注意到，本书在讨论西方音乐史时，对近现代音乐的关注度也相当高，例如对印象主义、表现主义以及十二音体系的介绍，都体现了作者对现代音乐发展的敏锐洞察。而在中国音乐史部分，则对民族音乐学的一些前沿研究成果也有所体现。整体而言，这本书为我提供了一个全面而深入的视角，不仅巩固了我已有的知识，更拓展了我对音乐史研究的新思路，让我能够更清晰地把握音乐发展的全局。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都对音乐怀有浓厚的兴趣，但系统学习音乐史却觉得有些无从下手。《中西方音乐史考试纲要（第2版）》这本书，就像为我量身定做的指南。它的内容编排非常符合一个初学者的认知逻辑。从最基础的音乐起源的猜想，到不同文化背景下的音乐特点，都讲解得非常到位。我尤其喜欢书中对中国古代宫廷音乐和民间音乐的区分描述，让我明白了音乐在不同社会阶层中所扮演的不同角色。而对于西方音乐史的梳理，更是将古典时期的严谨、浪漫时期的激情、以及现代音乐的探索，都描绘得栩栩如生。书中对于一些耳熟能详的乐曲，比如莫扎特的歌剧、贝多芬的交响曲，都进行了深入的解读，不仅分析了乐曲的结构和旋律，更挖掘了其背后的故事和作曲家的情感。这让我听音乐的时候，不再仅仅是感受旋律，更能体会到其中的人文关怀和时代精神。而且，本书的语言风格非常亲切，没有使用过多的学术术语，即使是我这样没有太多音乐基础的人，也能轻松理解。每读完一个章节，都感觉自己对音乐的理解又深入了一层，这种循序渐进的学习过程，让我充满信心，也更加热爱音乐了。

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精彩书摘

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书是正版，非常的好，很实用

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很好，很喜欢很喜欢很喜欢

评分☆☆☆☆☆

比较大的一本书，中等厚度，内容不错

评分☆☆☆☆☆

七、周代的小舞

评分☆☆☆☆☆

￥19.80(8折)

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在劳动歌曲方面，冼星海也创作了诸如《拉犁歌》、《搬夫歌》、《炭夫曲》、《顶硬上》、《起重匠》等。这些歌曲直接以民间劳动号子的音调，以富有特性的劳动节奏加工而成。他常以短小的、富有节奏特点的动机，以卡农式的声部模仿加以展开的合唱形式，来表现劳动生活的景象。

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高等音乐（师范）院校作曲技术v理论公共课系列教材：复调w音乐教程（下册）

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