中国最具代表性书法作品放大本系列：王羲之《兰亭序》 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张海 编

图书标签:

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出版社： 河南美术出版社有限公司

ISBN：9787540130626

版次：1

商品编码：11859285

包装：平装

丛书名： 中国最具代表性书法作品放大本系列

开本：8开

出版时间：2014-12-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　本书为根据国家教育部中小学书法教育指导纲要编写的临摹欣赏范本而编写的放大本系列之一。主要收录中国具有代表性书法作品，分为楷书隶书、行书、篆书、草书等书体，在原帖的基础上，对每一个范字都进行同比例的放大，并保持原帖的原貌和清晰度，更方便于书法爱好者临摹之需，是中小学生学习书法的入门教程之一，具有方便快捷，价廉物美的特点。

内页插图

前言/序言

宋代文人画的审美取向与艺术成就探析 ——兼论元代书画的传承与变革 本书旨在深入剖析中国艺术史中一个至关重要的转型期——宋代，特别是北宋至南宋时期，文人画（士人画）从萌芽到成熟、最终确立其主导地位的复杂历程。我们着重探讨了在新的社会结构和哲学思潮（如理学兴起）的影响下，中国绘画的审美范式如何发生根本性的转向，从侧重“形似”和“功力”的院体画（院派画）体系，转向强调“神似”、“意趣”和“学问”的文人画体系。 第一部分：宋代社会背景与艺术思潮的交织 1. 文化的自觉与士人群体的崛起： 宋代，尤其是中晚唐五代以来，科举制度的完善使得知识分子阶层（士大夫）的社会地位和文化影响力空前提高。他们不再仅仅是政治的附庸，而是成为文化和艺术的自觉承担者。这种社会地位的变化直接催生了对艺术功能的新认识：绘画不再仅仅是用于宫廷装饰或宗教教化的工具，而成为士人寄托个人情操、彰显学养、进行精神自省的重要媒介。 2. 理学的渗透与“格物致知”的观念： 以周敦颐、程颢、程颐、朱熹为代表的理学，强调“存天理，灭人欲”，主张对事物内在规律的探求（格物致知）。这种哲学倾向渗透到艺术创作中，要求画家不仅要观察自然外形，更要理解自然背后所蕴含的“理”或“气”。这为后世文人画中对“意境”和“气韵”的追求提供了理论基础。 3. 诗、书、画“三绝”的理想范式： 宋代文人画的核心特征是强调“以诗为画，以书为画”。书法的笔墨技法被视为人格的直接体现，而诗歌的意境则成为衡量画作思想深度的标准。本书详细梳理了苏轼、黄庭坚等人如何系统性地提出了“论画以形似，见与鄙人”的观点，并论证了书法用笔的线条美如何直接转化为绘画的“骨法用笔”，从而构建了一个以文人修养为核心的艺术评价体系。 第二部分：北宋：尚意与巨碑式的探索 北宋的绘画发展呈现出两极化的特征，一方面是官方主导的、技术精湛的院体画，另一方面是文人画的初步形成。 1. 院体的巅峰与“界画”的成熟： 以李成、范宽、郭熙为代表的北方山水画家，虽然多在宫廷任职，但他们的作品已超越了简单的写实。范宽的《溪山行旅图》展现了北方山脉雄伟磅礴的气势，体现了对自然界宏大力量的敬畏。郭熙的《早春图》则通过其独特的“三远法”（高远、深远、平远）构建了空间结构，并提出了著名的“可游、可居、可卧”的审美理论，即绘画不仅要可观赏，更要有可进入的精神空间。 2. 苏轼与文人画的理论奠基： 苏轼是文人画理论的旗帜性人物。他提倡“论画以神似不以形似”，强调绘画是抒发个人性灵的手段。本书将重点分析苏轼对于水墨画的推崇，他认为色彩的繁复容易流于匠气，而水墨的简淡更能体现士人的超逸与洒脱。他的“论竹”理论，即“无竹处皆成碍眼”，深刻揭示了文人画中“寓物言志”的创作动机。 3. “米家父子”的墨戏创新： 米芾和米友仁父子，将文人画的实践推向了新的高度。米芾的“刷子皴”和“积墨法”，体现了对笔墨本体语言的纯粹探索，不再拘泥于描绘具体景物，而是通过墨色的晕染变化来表达瞬间的情感波动，这标志着抽象意味在山水画中开始占据重要地位。 第三部分：南宋的转向与“院体”的精致化 南渡之后，国破家亡的背景使得艺术的关注点从北宋的雄浑转向南宋的内敛、细腻与感伤。 1. 马远的“边角式”构图与“一角半边”： 面对偏安一隅的现实，南宋院体画家们发展出极具个性的构图方式。马远的“一角半边”构图，往往将主体置于画面的一个角落，大量留白，营造出空灵、疏朗的意境，深刻反映了南宋士人面对破碎山河的迷茫与感伤情绪。 2. 院体“精微”与文人“写意”的对峙与融合： 南宋院体画家如李唐、刘松年等，继承了北方山水的骨法，但笔墨更趋于精炼和锐利。与此相对，以牧溪为代表的禅宗画家，其水墨的运用更加奔放、粗犷，几笔断续的墨痕便能勾勒出物体的神韵，这为元代水墨写意的发展埋下了伏笔。本书将对比分析南宋院体画的精细刻画与文人画的写意洒脱，探讨两者在审美张力中的微妙平衡。 第四部分：元代的继承与文人画体系的最终确立 元代，汉族知识分子在异族统治下，彻底将艺术从政治的场域中抽离出来，文人画成为主流，并最终形成了影响后世数百年的完整体系。 1. “复古”思潮下的笔墨革命： 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）将宋代文人画家的理论付诸实践。倪瓒的“折带皴”和极简的画面处理，是“逸笔草草，不求形似”的极致体现，其“可游不可居”的境界表达了对尘世的疏离。黄公望的《富春山居图》则以圆润的笔墨和浑厚的内力，展现了画家在山水中的隐逸情怀。 2. 书法入画的终极形态： 元代画家更系统地将书法的笔法融入绘画，如王蒙对董源、巨然“披麻皴”的反复钻研，以及赵孟頫对唐以前古法（晋唐）的推崇，都表明笔墨技巧被提升到了本体论的高度。他们的画作，本质上是一种可供品读和把玩的“视觉书法”。 总结： 本书通过对宋元时期绘画的创作生态、哲学背景、核心人物及其代表作的细致考察，揭示了中国绘画审美核心从“再现自然”向“表现自我”的深刻转变。宋元文人画不仅在艺术技巧上进行了水墨语言的解放，更重要的是，它构建了一种将个人学养、道德情操与审美表达紧密结合的文化模式，为明清乃至近现代中国艺术的发展奠定了理论和实践的基石。

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说实话，一开始我对“放大本”的概念是有些保留的。毕竟，书法的美感很多时候在于其整体的章法和气脉的连贯性，过度放大会不会破坏了整体的和谐感？然而，当我翻开这本关于《兰亭序》的放大本时，这种疑虑立刻烟消云散了。设计者显然对原作有着极深的理解，他们选择的放大倍数，恰到好处地突出了那些最值得研究的局部细节，而不是简单地拉伸画面。比如，在“天朗气清”那几个字中，墨色的洇化效果被清晰地捕捉到了，能看到墨汁渗入纸纤维的路径，这对于理解古代用墨习惯和纸张特性的研究者来说，是极有价值的参考资料。我特别喜欢它对那些“小字”的处理，原本在普通影印本中模糊不清的笔画边缘，现在就像被高清摄像头捕捉到了一样，每一个收笔处的“圭角”都清晰可见。它让我重新审视了那些我自认为已经烂熟于心的章节，发现了很多以前因为视角局限而忽略的精妙之处，这本书的价值在于“重新发现”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计体现了一种对经典的尊重与现代技术结合的典范。它没有采用那种生硬的、机械式的逐字排列，而是保留了原帖的行气与篇章结构，只是将每一个字放大到足以让人细细品味。我尤其关注了《兰亭序》中那些错位的、灵动的字间距，在放大后，这些“气口”的处理显得更加大胆和自由。一个字与下一个字的呼应关系，那些“映带”和“顾盼”，通过这种放大，不再需要费力去想象，而是直观地呈现在眼前。它让我理解到，书法艺术的伟大，并非在于笔画的完美无瑕，而在于这种在不完美中追求的动态平衡。王羲之在写下这篇序文时，心境是怎样的？是微醺的酣畅，还是对人生无常的感慨？透过这些被放大到极致的墨迹，我仿佛能窥见一丝丝那个下午的影子。这本书为我们这些后学者，架起了一座与古代大师直接对话的桥梁，它的重量，不仅仅是纸张的重量，更是历史沉淀的重量。

评分☆☆☆☆☆

我一直对书法史上的“神品”充满了好奇，而《兰亭序》无疑是其中的巅峰。这套放大本最大的价值，在我看来，在于它对“神韵”的还原。我对比了好几个不同版本的影印件，市面上很多版本为了追求清晰度，反而丢失了原帖那种微妙的“气场”。但这本放大本的处理非常到位，它似乎找到了一个完美的平衡点——既能清晰地展示笔画结构，又能保留住墨色干湿浓淡的变化。特别是那些被历代文人反复称颂的“之”字、“与”字，在放大的尺度下，每一个结构内部的虚实对比都清晰可见。我发现，王羲之在行草转换时，对速度的控制达到了炉火纯青的地步，有些字写得极快，线条修长有力；而有些地方又刻意放缓，笔锋内敛。这种节奏的交错，是理解魏晋风度的关键。它不仅仅是技巧的展示，更是一种文人精神的物化，让人感悟到那种超脱尘世、寄情山水的魏晋风度是如何通过寥寥数笔表达出来的。对于想临摹但又苦于无法体会细节的朋友来说，这套书简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

这本《兰亭序》放大本，光是捧在手里就能感受到一种庄重和敬畏。我特地找了个安静的下午，泡了壶老白茶，才敢展开细细品味。初看那些被放大到极致的字迹，笔触的微妙变化简直令人叹为观止。那些飞白、那些顿挫，不再是仅仅在印刷品上匆匆一瞥的符号，而是墨水在宣纸上留下的真实“足迹”。尤其是“之”这个字，它的起笔和收笔，那种行云流水般的转换，简直是神来之笔。以前看拓本总觉得有些模糊，但现在能清晰地看到王羲之运笔时力量的转移，甚至能想象到他当时略带醉意的潇洒和胸中的万千情愫。这本书的装帧也很有品味，装裱的材质透着一股古朴的韵味，让人感觉捧着的不只是一本书，而是一件珍贵的文物。对于真正想沉下心来研究书法的人来说，这种大开本的细节呈现是任何普通版本都无法比拟的，它提供了一种近乎“面对面”的交流体验，让你能深入到古人创作的那个瞬间。我甚至花了好大力气去辨认一些连绵处的笔意衔接，那些连接处的气韵，才是《兰亭序》的灵魂所在。

评分☆☆☆☆☆

对于一个业余的临习者来说，光是看着原作的放大图，就已经是一种精神上的洗礼。我常常对着书本发呆，试图去捕捉那种“不可复制”的瞬间灵感。这本放大本在纸张的选择上也颇为讲究，它采用了一种哑光、吸墨性较好的纸张来复制原帖的质感，而不是那种反光的铜版纸，这使得观感非常接近真实拓片的触感。我注意到，有些字写得非常“瘦硬”，笔锋似乎是“刮”在纸面上的，而有些字则圆润饱满，墨色浓郁得几乎要溢出来。这种强烈的对比，在放大后，就成了一种生动的教材。它不仅仅是告诉我们“应该怎么写”，更重要的是，它展示了书法家在不同情绪状态下的可能性。如果说原件是一首完整的交响乐，那么这本放大本就像是把乐谱上的每一个音符，都单独拎出来进行了特写分析，让你能听到每一个乐器的独特音色。这种细致入微的展现，极大地提高了学习效率。

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一般吧！。。。。。。。。。。

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很快就收到了，感觉很不错的。

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好

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货都没有收到，叫我怎么评分呢？

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物美价廉的好书，印刷精美，快递给力

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好大本的字帖!

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很不错哦 比想象中的要好一些

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很不错，一直期待的东西!

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印刷质量没有想象中好。