中国经典碑帖荟萃:赵孟頫三门记

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路振平,赵国勇 等 编
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出版社: 浙江人民美术出版社
ISBN:9787534033667
版次:1
商品编码:11168879
包装:平装
丛书名: 中国经典碑帖荟萃
开本:12开
出版时间:2013-01-01
用纸:胶版纸
页数:21
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  从用笔上看,赵体以中锋为基,干净利落,方圆兼备,给人以绵里裹铁的质感。赵孟頫的书法中正隽永,不偏不倚,起止分明,一笔不苟,且把行书的笔法运用于楷书之中,静中有动,断中有连。结体宽绰秀美,以正示人,外柔内刚,骨力劲挺,寓紧敛于疏宕之中,藏奇崛于方正之内。如果说颜体雄强,欧体险劲,褚体瘦硬,柳体清健,那么赵体应是以秀雅见长了。
  赵孟頫一生创作了大量的书法作品。《元史》说他“篆籀分隶真行草书无不冠绝古今”。实际上,他是以楷书与行书见长。
  《三门记》,纸本,墨迹,计六十七行,每行八字,纵三十五·八厘米,横二百八十三·八厘米,现藏日本东京国立博物馆。赵孟頫书并篆额,书于元大德八年(一三〇四)。此时赵孟頫正值壮年,二王书风已经形成。明李日华在评《三门记》时说:“文敏此碑,有泰和之朗而无其佻,有季海之重而无其钝,不用平原面目而含其精神。”

内页插图

前言/序言

  碑的原义为古代竖立在宫、庙门前用以识日影的石头,其在书法上的意义是指刻有文字的石碑,故又称碑刻;帖的原义是写在丝织物上的标签,其在书法上的意义则是书写、摹刻、椎拓在缣素、纸品上的文字,两者的意义是截然不同的。碑帖并称,则是指石刻、木刻文字的拓本或印本。但实际上,甲骨残片、钟鼎铭文、秦砖汉瓦、流沙坠简、六朝造像、唐人写经,亦属于广义碑帖的范畴。
  自结绳画卦,演为书契,垂绪秦汉,津逮晋魏,钟王称雄,唐代中兴,名家辈出,流派纷呈,在中华文明史上留下了浩如烟海的碑帖。成形之书,始于三代,盛于汉魏,而后演变万代,枝叶纷繁,书体有甲骨金文、篆籀隶分、章草楷行、图籍汗漫,不胜枚举。我们从中选取流传有绪的名碑名帖,以飧读者。
  赵孟頫生于宋理宗宝祜二年(二一五四),卒于元英宗至治二年(二三一二)。初名孟俯,字子昂,号水晶宫道人,其居处叫松雪斋,晚年自号“松雪道人”;又有一居处叫欧波亭,故世称其为“欧波”;死后谥文敏,所以后世又称他为“赵文敏”。吴兴(今浙江湖州)人,为宋太祖赵匡胤十一世孙。元灭南宋后,元世祖忽必烈命行台治书侍御史程钜夫到江南寻访有名望的人,赵孟頫被列为首选,元世祖“一见称之,以为神仙中人”。官至集贤学士、荣禄大夫、翰林学士承旨,封魏国公。元仁宗甚至把赵孟頫与唐李白、宋苏东坡相提并论,赵孟頫真可谓“荣际五朝,名满四海”,声名十分显赫。
  赵孟頫学识广博,文章冠绝时流,旁通佛老之学,其诗清邃奇逸,音律、治印非常精致,在绘画上也有很深的造诣。书法具有独特的风格,开一代风气,流芳千载。
  ……
江南烟雨:宋代文人画的审美变迁与地域流派研究 内容简介: 本书深入探讨了自北宋中晚期至南宋末年,中国江南地区文人画从萌芽走向成熟、并最终形成独特审美体系的复杂历程。研究聚焦于这一特定历史时期内,文人阶层在特定地理空间(江南)中,如何通过绘画这一媒介,表达其对自然、人生以及儒释道思想的深刻体悟。本书摒弃了传统以“大家”或“画派”为中心的线性叙事,转而采用“地域文化场域”与“审美观念演变”相结合的视角,力图还原宋代文人画发展的真实面貌。 第一章:士人精神与山水叙事的发端(北宋中期) 本章首先梳理了北宋士人阶层在政治与文化地位的提升背景下,对“尚意”与“格物致知”的哲学追求如何渗透进绘画领域。重点分析了以欧阳修、苏轼为代表的文人代表人物对早期山水画(如李成、范宽)的理论评价体系。我们考察了“意境说”的早期雏形,即绘画不再仅仅是对客观景物的忠实再现,而成为承载文人“胸中丘壑”的载体。 江南地区,尤其是苏杭一带,其温润的气候、丰沛的水系与发达的经济,为文人提供了一种不同于北方雄浑苍劲的审美基础。本章细致比对了当时文人对“平淡天真”与“浑厚意境”的理解差异,并分析了早期士人画家(如文与可)如何将竹石画的笔墨语言,作为尝试建立一种区别于宫廷院体的、更具个人化抒情色彩的表达方式。 第二章:哲思的凝练与笔墨语言的自觉(北宋晚期至靖康之变) 靖康之变是宋代艺术史的一个重要转折点。北宋的覆灭,极大地冲击了文人的政治理想,促使他们将更多的精力转向内在的精神重建。本章探讨了以米芾、米友仁父子为核心的“湖颎派”的兴起。 我们详细分析了“刷点法”与“积墨法”在米氏父子笔下的哲学内涵。米芾的“尚意”不再是早期对“气韵生动”的宽泛追求,而是对笔墨自身物质性的敏锐感知与即兴发挥。这标志着文人画在艺术语言上开始产生高度的自觉性,即“笔墨即内容”。此外,本章还考察了道教思想在文人画中的隐性影响,表现为对“虚空”与“有无相生”的视觉捕捉,特别是在处理云雾、水气等元素时所展现出的空灵感。 第三章:南渡后的地域性适应与审美重塑(南宋初期) 南宋偏安江南,都城临安(杭州)成为新的文化中心。这一时期的文人画呈现出明显的地域适应性特征。面对南方的湿润气候与秀丽山水,文人开始摒弃北方山水的“大尺幅”、“重结构”的表达,转而青睐更富于层次感和细节描绘的“小品”画作。 本章聚焦于对“写意”概念的深化研究。与北方强调“形似”的院体画(如马远、夏圭)形成鲜明对比,南宋的文人画家(如李唐后期和赵雍等人)更注重对特定物象(如松、竹、梅)的“性情”刻画。我们引入了对“禅宗影响下瞬间捕捉”理论的讨论,考察了文人画家如何试图以一笔一划定格瞬间的生命力,以对抗南宋朝廷的偏安带来的时代焦虑。 第四章:元代前夜的笔墨探索与地域流派的固化(南宋中晚期) 进入南宋中晚期,文人画的审美规范逐渐固化,并开始表现出强烈的地域归属感。江南地区成为一个成熟的艺术生产和消费中心。这一阶段的研究重点在于对“古意”的追溯与对“元人笔法”的预演。 本书认为,南宋晚期江南文人画家并非简单地模仿前人,而是在既有的笔墨体系(如米家笔法)之上,进行更为精微的个人化变奏。例如,探讨了部分画家如何将金石学中的“篆隶笔意”引入山水画的皴法中,以求获得一种超越柔美、更具历史厚重感的笔调。此外,本章也分析了与江南城市生活紧密相关的“界画”在文人画语境中的微妙地位,即如何用工整的界画技法来表达士人对规矩、秩序的内在向往,作为对时局动荡的一种心理补偿。 第五章:审美范式的回溯与理论体系的完善 最后,本书总结了宋代文人画在审美范式上的核心贡献:将“艺术创作”提升为“士人修身”的重要组成部分;将“笔墨语言”从辅助工具提升为独立的话语体系;以及成功地在地域文化场域中,确立了区别于宫廷院体的、以“尚意”为核心的艺术哲学。通过对大量传世文献和实物作品的交叉印证,本书旨在为理解元明清文人画的全面成熟,提供坚实的宋代基础研究。 本书适合中国美术史研究者、宋代文化史爱好者以及致力于研究中国传统审美哲学的读者深入阅读。

用户评价

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我手头这本《中国经典碑帖荟萃》似乎是专门针对草书学习者设计的,主攻张旭和怀素的狂草。说句实话,过去我对狂草的理解大多停留在“看不懂”的层面,总觉得那是一种纯粹的情绪宣泄,缺乏可学性。然而,这本选本彻底颠覆了我的认知。它极其大胆地将“狂”与“法”并置呈现。书中选取的底本质量极高,那些惊心动魄的连绵和疾笔,都被如实地记录了下来,纸张的吸墨性似乎都在这张印品上得到了完美的模拟。更绝的是,它引入了“笔势轨迹分析图”,用流畅的线条勾勒出草书运笔时手腕的运动方向和速度变化。当我对照着这些图谱去尝试时,我第一次体会到了狂草中蕴含的内在逻辑——那种看似随意却又暗合天地之律的结构。这本书没有回避狂草的难度,反而正面迎接了它,并提供了一套清晰的工具去破解这种“难度”。它让学习者明白,真正的狂放,是建立在极高功力之上的自由,这对于立志攀登书法高峰的人来说,是无价之宝。

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我最近刚入手了这套《中国经典碑帖荟萃》中关于魏碑风格演变的那一本,重点研究的是北魏时期的墓志铭。老实讲,一开始我有些担心,因为魏碑的风格变化太快,很容易在选材上显得杂乱无章。但编者在这本书里展示了惊人的掌控力,他们没有简单地罗列碑刻,而是用一种近乎编年史的方式,清晰地勾勒出了从早期质朴到晚期妍美过渡的脉络。比如,书中将同一时期、不同地域出土的几方墓志放在一起对比,那种地域性的“方峻”和“拙朴”的差异,立刻就显现出来了。这对于我这种想要领略“魏风”全貌的人来说,简直是及时雨。更让我感到惊喜的是,书的后半部分居然收录了一组关于“造像记”的专题研究,那些带有浓厚佛教造像意味的笔法,那种飞扬灵动的侧锋,被清晰地记录了下来。这套书的视野非常开阔,它没有局限于传统的“碑帖”概念,而是将书法艺术置于更广阔的时代背景下进行考察,读起来让人感到充实和过瘾。

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这本《中国经典碑帖荟萃》系列中的某一册,虽然我手头拿的不是赵孟頫的《三门记》,而是关于颜真卿《多宝塔碑》的选本,但从装帧的精良和选材的严谨上,我能感受到出版方对传统书法艺术的尊重。内页纸张质地厚实,墨色复刻得沉稳又不失细节,特别是对于颜体的笔画起承转合处的微小变化,都处理得非常到位。我花了整整一个下午,对着其中几方著名碑刻的拓片临摹,那种指尖触及纸张、心神跟随笔锋游走的沉浸感,是电子屏幕永远无法替代的。尤其欣赏它在版式设计上的用心,留白恰到好处,既没有让碑帖显得拥挤,也没有过度稀疏导致意境流失。对于初学者而言,这套书的导读部分也相当实用,它并非空泛地讲解书法史,而是深入到具体字体的结构特征和用笔规范中去,这一点非常难得。我注意到,即便是那些流传已久、被翻刻无数次的碑帖,这本选本依然能提供出乎意料的新视角,或许是选用了某一期珍稀的宋拓本作为底本,使得那些本应模糊的细节,如今看来依然清晰可辨,极大地提高了临习的准确性。这本书,与其说是一本教材,不如说是一份与古代书法大家跨越时空的对话邀请函。

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说实话,我对碑帖的鉴赏一直停留在比较感性的层面,但这本我翻阅的《中国经典碑帖荟萃》的另一部分,聚焦于欧阳询的《九成宫醴泉铭》,却给了我一种近乎解构的审美体验。它巧妙地将楷书的“骨架”和“血肉”分离开来展示。每一页的排版都像是在进行一次精细的解剖学分析,欧体中那种特有的“险绝”之美,被清晰地剖析成了横、竖、撇、捺的力度分配和转折处的提按。我特别喜欢它在旁边配的那几页“精选局部放大”的图示,把“险劲”两个字落实到了每一个笔画的收尾,这种处理方式极大地降低了理解门槛,让那些晦涩难懂的笔法口诀变得直观起来。我过去一直觉得欧体的结构太紧凑,临摹起来总觉得放不开,但看了这套书的解析后才明白,那不是“紧”,而是“精确的平衡”。这种严谨的学术态度,贯穿了整本书的编排,没有一丝懈怠,让人不得不佩服编者的专业素养。对于想要深入研究楷书结体规律的书友来说,它提供的不仅仅是范本,更是一套完整的“结构工程学”手册。

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对于我这样的硬笔书法爱好者来说,常常苦于找不到能将行草书的“意”与“形”完美结合的范本。我先前阅读的《中国经典碑帖荟萃》的某一册,是关于王羲之行书的选集,这本简直就是我梦寐以求的“行书神韵解析器”。它最出彩的地方在于对连带关系的捕捉。在临习古人行书时,最大的难点往往是第一个字和第二个字之间那个微妙的“气”的传递,这本书通过特殊的印刷技术,将连笔处的墨迹“加粗”或用不同色彩标注出来,让读者能清晰地看到“一线穿珠”是如何实现的。我特意花时间研究了其中对《快雪时晴帖》局部“之”字的处理,那几笔的虚实变化,这本书用详尽的图解说明了如何通过运腕来控制涨墨和飞白。这已经超越了简单的“看帖”层面,更像是一堂由古代大师亲自执教的“动态”书法课。它让我意识到,行书的精髓不在于单个字的完美,而在于通篇一气的连贯与节奏感,这本书成功地将这种看不见摸不着的气韵,具象化了。

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好,,,,,,,,,,,,,,,,

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学习用的,当作教材参考

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收到了,实在太薄了

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质量很好,快递迅速

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挺好

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不错啊不错啊

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