传世碑帖名品大观 集 王羲之书圣教序

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江西美术出版社 编
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出版社: 江西美术出版社
ISBN:9787548038979
版次:1
商品编码:11859353
包装:平装
丛书名: 传世碑帖名品大观
开本:8开
出版时间:2015-11-01
用纸:胶版纸
页数:52
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  《集王羲之书圣教序》是王羲之行书中一件特殊的集字作品,由唐代僧人怀仁遍览内府所藏王羲之书法真迹,通过摹拓并放大或缩小,经20余年精心加工而成。此碑高350厘米,宽132厘米,计30行,每行83—88字不等。刻于唐高宗成亨三年(672)。此碑采取纵有行、横无列的章法形式,行距相等,字距不等,上齐下不齐。全碑2400余字,集的是王书各个时期的真迹,楷书、行书、草书杂糅在一起。字的粗细大小也有差异,缺字处用偏旁组拼,但经过怀仁精心布白,整体上和谐自然,疏朗有致,前后呼应,气贯神畅,几乎天衣无缝,如同手书。原碑现藏西安碑林博物馆。
  《集王羲之书圣教序》是王羲之书法的重要组成部分,其书法精妙至极,被后世书家及书法爱好者奉为书法圭臬和学习王书的极好范本。赵孟頫、董其昌、王铎、沈尹默、马公愚、邓散木、潘伯鹰、白蕉等书法名家均临习过此碑。

前言/序言


《中国历代书法名家精品鉴赏:从篆隶到楷行草的流变》 引言:翰墨丹青,历史的脉搏 书法,作为中华民族独特的审美表达与文化符号,承载着数千年的历史记忆与人文精神。它不仅是文字的书写,更是一种心性的修炼,一种气韵的流淌。本书《中国历代书法名家精品鉴赏:从篆隶到楷行草的流变》,旨在为广大书法爱好者、艺术研究者以及对中国传统文化感兴趣的读者,构建一座清晰、系统的艺术鉴赏之桥。我们精选了自先秦至清末,各个历史时期最具代表性、最具里程碑意义的书法家及其代表作,深入剖析其时代背景、风格演变、笔法特征及其对后世的深远影响。本书力求在宏观梳理脉络的同时,兼顾对具体作品的精微解读,以期读者在品鉴过程中,不仅能“看”到字形之美,更能“悟”到笔墨之内蕴含的精神力量。 第一部:金石之声——先秦至魏晋的开端与奠基 第一章:篆隶的古拙之美(先秦至汉代) 本章追溯书法的源头——甲骨文与金文。我们首先探讨了殷商甲骨文的卜辞性质与刀刻的力度之美,其结构尚未完全定型,却蕴含着原始的生命力。接着,重点解析了周代的金文(钟鼎文),通过对青铜器铭文的拓片对比,展现了字体从规整到略带波动的演变轨迹,及其所代表的礼乐文明的庄重感。 随后,我们将目光转向汉代最具革命性意义的书体——隶书的成熟与高峰。汉碑以其朴拙雄浑、气势磅礴的特质,标志着“篆书向隶书的转折”这一重大历史进程的完成。本章详尽分析了《乙瑛碑》、《曹全碑》等经典碑刻的结构特点,特别是“蚕头燕尾”的提按顿挫,以及方笔与圆笔在隶书中的交融运用,探讨了汉隶如何为后世楷书的诞生提供了坚实的笔画基础。 第二章:魏晋风骨——草书的诞生与行书的萌芽 东汉末年至魏晋,是中国书法史上一个空前活跃的爆发期。时代思潮的解放,赋予了书法艺术家前所未有的创作自由。本章首先探讨了章草的形成,这是隶书向草书过渡的关键形态,其字字独立,笔画仍保留隶意的特点。 随后,我们深入剖析了“书圣”王羲之的时代地位,但我们在此阶段的叙述聚焦于他之前以及与他同代的早期探索者。例如,张芝对“今草”的革新,其“挥毫如 壮士执剑”的气势如何突破了章草的拘束。此外,我们还介绍了钟繇对楷书的初步规范化尝试,以及早期行书的自然流便之态,这为后来楷、行的成熟奠定了基础。本章强调的是魏晋时期士人对书法的“尚韵”追求,即从实用性向纯粹艺术性的飞跃。 第二部:法度的建立与完善——楷行的成熟与巅峰 第三章:初唐的规矩与气象 隋唐,国力强盛,文化鼎盛,书法艺术进入了“法度森严”的阶段。本章聚焦于初唐,此时楷书的结构规范被确立,对后世影响最为深远。我们首先分析了欧阳询“险劲”的结构体系,通过对比《九成宫醴泉铭》的严谨与《皇甫诞碑》的欹侧,展现其用笔的精微变化。 紧接着,介绍了虞世南和褚遂良的风格。虞世南的“温润秀逸”与欧阳询的刚劲形成鲜明对比,体现了初唐书风的多样性。褚遂良则以其“秀逸多姿”的风格,在法度和意趣之间找到了独特的平衡点,其笔法中流露出的灵动性,预示着盛唐气象的来临。 第四章:盛唐的气度与中晚唐的转型 盛唐时期,以颜真卿为代表的书家,将楷书推向了雄伟壮阔的顶峰。本章详细解读了颜体的核心特征:“颜筋柳骨”中的“颜筋”,即其结构上的宏大开张、笔画上的丰满饱沉,体现了盛唐磅礴的气概。我们通过分析《多宝塔碑》的端正与《颜氏家庙碑》的浑厚,探究其如何将个人情感与时代精神完美融合。 同时,本章也涵盖了唐代草书的集大成者——张旭和怀素。他们将狂草推向了极致,其线条的跳跃、墨色的浓淡变化,不再拘泥于字形本身的结构,而是彻底解放了书写的内在激情,成为后世“意在笔先”的典范。 第五章:晚唐至五代:法度中的个性表达 晚唐时期,在法度成熟的背景下,书家开始追求更为精致和个性的表达。柳公权便是其中的杰出代表,他以“骨力洞强”的楷书闻名,其风格较颜体更为瘦劲、清晰,对后世的碑学复兴产生了间接影响。本章将对比分析柳公权与颜真卿在结构处理上的异同,及其对后世“颜筋柳骨”的长期争论。 第三部:碑帖交融与复古思潮——宋元明清的书法探索 第六章:宋代的“尚意”与文人书风 宋代,文人阶层地位空前提高,书法艺术不再仅仅是宫廷或科举的工具,而成为表达个体学识与情趣的媒介。本章重点阐述了宋四家——苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄的“尚意”主张。苏轼的丰腴博大,体现了文人的旷达;黄庭坚的细长取势与奇险结构,展现了对笔法的新探索;米芾的“八面出锋”,则将行书的动态感推向了新的高度。本书将分析他们如何从唐代的“法度”中解脱出来,转向“意趣”的追求。 第七章:元代的复古与晋韵的回归 元代,赵孟頫的出现,标志着书法史上一次重要的“回归运动”。他力倡“复古”,尤其推崇晋人风韵,试图扭转宋代以来过度重意而轻法的倾向。本章细致考察了赵孟頫楷书的端正秀丽,以及其行书的圆润流畅,分析了他如何成功地将唐楷的法度和晋人的秀美结合起来,使“台阁体”的雏形得以确立。同时,我们也关注了与赵孟頫并峙的“元四家”在篆隶和草书上的各自探索。 第八章:明代的多元探索与碑学初兴 明代书法呈现出高度多元化的面貌。早期,以台阁体(以“三百年状元”为主)为代表的官方审美,强调清晰、工整,但缺乏灵动。然而,在民间和文人层面,出现了诸多创新力量。吴门画派的文征明和祝允明,分别在工整(文)与狂放(祝)上达到了各自的极致。 本章尤其关注明代中后期对碑刻的重新认识。碑学在此时期开始萌芽,明人开始挖掘汉魏碑刻的朴拙力量,这为清代的碑学大爆发埋下了伏笔。我们通过对比明代中晚期书家在行楷上对唐人法度的突破,展现了明代书法在继承与创新中的复杂张力。 第九章:清代的碑学鼎盛与篆隶的回归 清代是中国书法史上又一个高峰期,其核心标志是“碑学”的全面崛起,并与传统的“帖学”形成鼎足之势。本章首先分析了清初对帖学(以董其昌为代表的文人审美)的总结与规范化,强调了笔意的连贯性。 随后,重点剖析了碑学的两大支柱:邓石如和“包世臣”。邓石如在篆书上的创新,如何从汉魏碑刻中汲取力量,开创了篆书新的面貌,并将其“篆法入印,碑法入隶楷”的理念贯彻到楷书和行书中。最后,本章概述了清代中晚期,碑学如何全面影响了楷书和隶书的创作,书法艺术在传统高峰的对峙中,完成了又一次宏大的转型与回归。 结语:永恒的对话 本书最终旨在引导读者理解,中国书法艺术的演进并非简单的线性发展,而是“法度”与“意趣”、“帖学”与“碑学”之间不断对话、相互渗透的动态过程。每一位大家的作品,都是其所处时代精神的缩影,也是对前人经验的继承与超越。通过系统的鉴赏,我们期望读者能从中获得审美愉悦,并体悟到中华民族坚韧不拔的文化生命力。

用户评价

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我花了整整一个下午的时间,沉浸在这套丛书的选材逻辑之中,不得不佩服编纂者的深厚学养和独到的眼光。他们似乎并非仅仅堆砌那些耳熟能详的“名家大作”,而是进行了一次精妙的“主题串联”。例如,某一卷聚焦于唐代楷书的演变脉络,从初唐的谨严到盛唐的雄浑,再到中晚唐的舒展,其间的过渡和影响,被梳理得清晰而富有条理,这对于想要系统了解书法史的朋友来说,无疑是一部绝佳的“导览图”。更值得称赞的是,他们对于那些“被遗忘的珍珠”的挖掘,收录了一些流传不广但艺术价值极高的作品,这些作品的出现,极大地拓宽了我对那个时代艺术风貌的认知。这种“大观”的视野,不是简单地罗列名录,而是在历史的洪流中,精准地捕捉那些关键的“审美节点”,让读者在欣赏个体作品的同时,也能构建起完整的艺术认知体系。这种深层次的编排,远超出了普通画册的范畴,更像是一部浓缩的艺术史论著。

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这本书的装帧设计简直是古典与现代的完美融合,那种厚重的质感一上手就能感受到制作者的匠心。封面采用的哑光处理,使得色彩沉静而雅致,特别是烫金的纹饰,在不同的光线下会折射出低调却不失华丽的光芒,让人联想到古代宫廷中那些珍藏的秘笈。内页的纸张选择也极其考究,米黄色的纸张不仅保护了视力,更带来了一种穿越时空的古朴感,那种触摸到纸张纤维的细腻触感,仿佛能将读者的思绪瞬间拉回那个墨香四溢的年代。装订工艺更是无可挑剔,平摊时几乎没有中缝鼓起的问题,保证了每一页的完整展示,这对于阅读和学习者来说简直是福音。这种对细节的极致追求,让我觉得这不仅仅是一本书,更像是一件值得收藏的艺术品。每当我翻开它,那种仪式感油然而生,让人自然而然地摒弃掉浮躁的心态,全身心地投入到对美的鉴赏之中。对于那些对手工制品有着近乎苛求的人来说,光是这外在的呈现,就已经值回票价了。

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这本书的版式设计,充分体现了对“阅读体验”的尊重与创新,这一点是很多传统出版物常常忽略的。首先是留白的处理,恰到好处的空白不仅没有造成视觉疲劳,反而衬托出了主体内容的磅礴气势,使得每一个字、每一笔画都拥有了呼吸的空间,这在欣赏精细的书法作品时尤为重要。其次是字体与篇幅的平衡感,无论是大开本的展示,还是局部细节的放大,其缩放比例的拿捏都极为精准,确保了原作的笔触质感和墨韵变化不会在复制过程中失真。特别是那些横向延伸的长篇巨制,他们采取的翻页和装订方式,巧妙地将原本断裂的篇章重新连接起来,提供了一种近乎“原作临摹”时的沉浸式体验。这种对阅读仪式感的重塑,让“看”书从一种被动的接受,变成了一种主动的、互动的探索过程,不得不说,这在数字时代里,是实体书籍所能提供的最坚实的回馈。

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我关注的重点在于其中对于“文辞背景”的补充解读,这部分内容实在是太亮眼了。单纯欣赏书法固然重要,但若不理解其背后的心境和时代氛围,便如同品尝一道只看色泽却不知其味的美食。这套书巧妙地在每一件作品旁边,附上了简短却切中要害的背景介绍,它没有堆砌冗长的历史典故,而是直击作者书写时的心境转折点,比如某次贬谪、某次感怀、某次与友人相聚的瞬间。这种“情景代入”的解读方式,极大地增强了作品的生命力,让我不再只是欣赏线条的优美,而是能“听见”笔尖下流淌出的情绪,感受到创作者在特定历史语境下的挣扎与超脱。这种由“形”至“神”的引导,让阅读的层次瞬间拔高,仿佛与古人隔空对话,真正领会了“书为心画”的深层含义,极大地丰富了我的审美体验和历史理解。

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关于印刷技术的应用,我必须给予高度赞扬。要将那些流传百年的珍贵墨迹,用现代的工艺完美复刻,难度是可想而知的,稍有不慎就会陷入“过度锐化”或“墨色死板”的陷阱。然而,这本书成功地捕捉到了古代墨汁那种独特的层次感和晕染效果。你可以清晰地分辨出浓墨处的饱满和淡墨处的飞白,那种墨与纸张纤维渗透、交融的微妙过渡,被细致地还原了出来。特别是对于那些“飞白”的呈现,没有丢失丝毫的力道和韵味,反而有一种油然而生的干劲和节奏感。这表明出版方在制版和印刷环节上,投入了大量的精力去研究和匹配不同的纸张特性,确保了即便是最细微的皴擦和转折,都能被忠实地记录下来。这不仅仅是“复制”,更像是一次严谨的“科技翻译”,让千年古韵得以在今天重新焕发生机,是值得所有艺术爱好者珍藏的影像资料。

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老妈买的,她说不错

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第二次买了,上海书画出版社出的,正版、大品牌,质量很好,非常具有收藏价值!!!

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书的质量不错,纸张很厚实!

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好书

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物流很给力,一直信任京东。

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