如何指导演员：导演的必修课 [Directing Actors：Creating Memorable Performances f] pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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[美] 朱迪丝·韦斯顿著，夏明译

图书标签:

表演指导
演员训练
导演技巧
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戏剧表演
表演艺术
角色塑造
表演分析
场景分析
表演技巧

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出版社：北京联合出版公司

ISBN：9787550270350

版次：1

商品编码：11901791

包装：平装

外文名称：Directing Actors：Creating Memorable Performances f

开本：16开

出版时间：2016-05-01

用纸：胶版纸

页数：288

字数：187000

正文语种：中

具体描述

产品特色

编辑推荐

　　500余位导演的幕后导师好莱坞推手

　　朱迪丝·韦斯顿告诉你“导戏”的艺术

　　她教出两届奥斯卡导演：亚历杭德罗·冈萨雷斯·伊尼亚里图

　　《荒野猎人》——助莱昂纳多拿下小金人

　　《鸟人》——让老牌明星迈克尔·基顿重返一线

　　《美错》《21克》——制造戛纳影帝哈维尔·巴登、威尼斯影帝西恩·潘……

　　★全球畅销十余年，启发无数导演的经典实用教程

　　★掌握演员心理，在片场实现高效沟通

　　★深入开掘演员潜能，注入角色灵魂

　　★从剧本分析到选角排练，每一步皆给予精确指导

内容简介

　　这是一本导演的案头必备书，好莱坞明星导师朱迪丝·韦斯顿在书中分享了自己三十余年的授课经验，深入解析了导演和演员在合作当中的心理状态，帮助导演在纷繁的片场保持头脑清醒，向演员提供精确、细致的指导。同时，书中列举了导演经常遭遇的困境及对应措施，帮助你搞定难以沟通的大牌演员，掌握好激励演员的尺度分寸，避免陷入反复重拍的尴尬境地。书中所介绍的剧本分析方法、排练技巧，从选角到拍摄的一系列准则，不仅对于导演具有指导作用，对于演员及编剧而言也能打开视野、激发灵感。

　　本书自出版以来畅销十余年，已译为德、日、西、韩等语言，被世界各大影视类高校和好莱坞电影公司列为指定读物。

作者简介

　　朱迪丝·韦斯顿（Judith Weston），国际知名的导演与表演教师，多年来在洛杉矶开设独立的工作室，讲授“指导演员”“剧本分析”和“排练技巧”等课程，同时，也向导演和演员提供影片筹备阶段的私人咨询服务。在过去三十年中，朱迪丝指导了大量杰出的电影人，包括连续两届奥斯卡导演得主亚历杭德罗·冈萨雷斯·伊尼亚里图、《为奴十二年》导演史蒂夫·麦奎因以及大批在独立电影节和各大电影奖中崭露头角的新人。另著有《导演的直觉》。

　　译者简介

　　夏明，毕业于哈尔滨工业大学。现居北京，就读于中国电影资料馆。研究兴趣包括电影哲学、电影表演、艺术理论、语言学、精神分析等。

精彩书评

　　“你教我的东西都非常有用！万分感谢！”

　　——亚历杭德罗·冈萨雷斯·伊尼亚里图

　　代表作《荒野猎人》《鸟人》（奥斯卡导演）、《通天塔》（戛纳导演）

　　“每当我走进片场，就会想起朱迪丝教我的东西。每当我开拍一个新项目，我就会复习跟她学习时所做的笔记。每当我进行排练，我就会采用她所教授的技巧……我没有进过电影学校，我所做的就是坐在朱迪丝的课堂上，用心学习她所说的一切，然后开始动手拍我自己的电影。由衷地感谢她，和她为我做的一切。”

　　——艾娃·德约列

　　代表作《塞尔玛》（提名奥斯卡奖影片、金球奖电影导演）

　　“我参加了朱迪丝·韦斯顿的一个研讨会课程。在课上我了解到一个关于角色的关键点。她认为所有好的角色都有一个贯串线，这个理论认为角色都有一个内在驱动力，一个不断追逐的占主导地位却不被察觉的目标，一个挠不到的痒处。这个说法让我醍醐灌顶。”

　　——安德鲁·斯坦顿

　　皮克斯工作室核心人物，《机器人总动员》《海底总动员》导演，《玩具总动员》编剧

精彩书摘

　　第五章内心结构：转变、时间、贯串线

　　演员在面对角色的内心转变、情绪变化和情绪事件时，常常会遇到麻烦。演员最自觉、最在意是否能“命中”的就是内心转变。导演要求演员命中特定情绪“标签”的目的式指导又经常加剧了演员的焦虑。糟糕的表演也最常出现在角色内心转变部分。

　　在实际生活中，思想或者感受的变化是完全无意识的，是我们最自觉、最原始的行为之一。我们从来不会计划去改变主意，产生新的感受，经历从心发生的变化、反应、觉悟，或者让思想改旗易帜。我们也许会忽视、约束或克制因这些微小的内在事件产生反应，但是我们无法预防它们发生，也不能随心唤起。“内在事件”是由我们的潜意识活动引起的。

　　演员的心理转变是另一回事，需要有所准备。要如何做呢？首先，以下是可能会出错的地方：

　　（1）转变没有发生，因为演员在剧本中没有找到、没有理解，或者不相信在那个时间发生了转变或事件。

　　（2）转变是故意的或虚假的。演员决定某种转变，然后展示给我们看，而不是真诚地、有机地创造，并自然呈现。

　　（3）转变是强制性的。演员打算有机地呈现转变，但是未能成行而感到自责，最后强硬地做出来，觉得总比什么都没有要好。

　　（4）转变苍白无力。因为演员担心表现得强迫或者生硬，担心过度实施或者过度演绎，最后导致完全不再上心。

　　（5）转变过于流程化、模板化、简报化。这也是一种“戏甫一开场就看到结尾”的情况。我们看到演员“上紧发条”、全心期待下一个情绪事件、让我们得知她虽然现在勃然大怒，但是随时准备好痛哭流涕。现实生活中，情绪转变没有过程，没有动机。它们总是以迅雷不及掩耳之势不请自来。

　　（6）转变太逻辑化，过于追求正确。换句话说，不管这种转变执行得有多到位，看起来都像是谋划过的，因为它缺少真实生活中内心转变的特质。演员作了一个平庸而肤浅的选择。

　　转变是一种情绪性事件。有时候它也被称作“片刻”（moment）或者“换拍”（beat change）。许多电影作家用“片刻”和“换拍”代替“暂停”作为剧本内的舞台指示用语，所以这两个词讨论起来总是很麻烦。当你在剧本里看到括号中的“换拍”或者“片刻”时，就意味着剧作者的思维在此时有个短暂的停顿。这和我们所讨论的节拍和转折并无关联。

　　“片刻”是说演员让彼此停下来，然后互相影响。有时最真实的“片刻”就是演员失去警惕以至于会忘词的时刻。这时候演员切勿把手头的戏停下来。这种内在的突发事件能够产生巨大的能量。她应该让这个内在突发事件变成情绪事件，然后继续演下去，好好利用其中释放出来的能量。忘掉的台词很容易立刻想起来。当然，导演必须坦然接受这种情况，要能够分清楚“哑点”（dead spot）和可以释放能量的内在突发事件的区别，并营造一种氛围，让富有创造力的突发事件可以有施展的空间。有时候演员会忘记，“片刻”是一种事件，而不是一种感觉，也不是终点。当“片刻”发生时，演员应当有对应之道。

　　角色的情绪事件对演员来说或成或败，是一种发现、抉择或者是错误，而不是无从实施的领悟或反应。所以，当我说某个角色的情绪事件也许是角色所作的一种“选择”时，这个词和我们所讨论的演员的选择并非同一事物。“演员的选择”也叫作“性格选择”，是对角色内在生命的创造。而角色的选择是另一回事，是指一场戏中的情绪事件。

　　内心转变需要在当下发生。角色的输赢、发现、选择和错误需要在当下形成。我们希望它们像在生活中那样从潜意识里自然浮现。他们需要在银幕上被发现、被解读，因为情绪事件就是在讲述故事，但是我们不希望它被简报化或是特意强调，而是希望它们自发、生动、敏感几种特质兼备。

　　演员需要做到情感联结、全情投入，以及拥有和其他演员及环境相互影响的能力和意愿。这些要靠贯串线来实现。贯串线让表演变得简单而镇定；恰逢其时的情绪转变让表演细致入微。

　　导演需要构建整场戏（和整个剧本）。导演理解（通过剧本分析）和创建（在排练中）每场戏的戏剧结构的工具包括：这场戏讲的是什么？中心事件是什么？节拍如何？作为中心事件准备和由中心事件引出的次级事件（节拍事件）是什么？角色的贯串线是怎样的？关于上述工具我们将在剧本分析一章中详细讨论。就目前而言，我从导演的视角所说的“事件”即是“发生了什么事情”。这与情节事件不完全相同，它是一个情绪事件，例如道歉或者调情。在一段关系中的某个情绪事件可能描述为“不管她怎么做，都无法让他振作起来”。当观众感觉到这一点，被其感染，与之情绪联结（不管他们自己是否会这么形容），他们都会想要知道：“这对夫妇最后能不能在一起？”或者说：“接下来会发生什么？”导演的职责就是把戏的时间组合成一个令人满意的故事，也就是让观众一直想知道接下来会发生什么。

　　不管演员和导演对事件的理性理解有多深刻，它都只在发生的当下起作用。如果一场戏构建得当，演员就可以专心致志于他们的选择，进而将自己投入时刻当下。这样戏就自然而然地“构建”起来，快慢起伏恰到好处。演员完成一个选择的方法—比如说，他如何让另一个演员离开房间，或者如何给予抚慰—便来自于演员之间时时刻刻的互动。

　　理想的情况是这样：为每个角色找到一个简单的选择（贯串线），像个钩子一样钩住角色所有的行为，让演员可以大展身手。但是解决了戏中的中心问题后，却常常还有些无法生效的情绪转变需要被凸显、深化或者清除。导演在此处使用结果式指导最有风险。如果导演想让演员进行情绪转变，但是不想用结果式指导，此时就可以用“快速修正”中的工具，例如：

　　印象

　　关于描述印象和关联如何创造转折这一点，我能想到最贴切的描述就是斯坦尼斯拉夫斯基在《演员自我修养》一书中提到的一桩轶闻：一位女士刚刚被告知她的丈夫死于工厂的一次意外。她呆立在原地，数分钟未动。此刻在她脑中盘旋的问题是：“如果他不能回家，我特意准备的晚餐要怎么办？”人在遭遇无法处理或者不能接受的信息时，思维就会以这种不可思议的方式运作。在妻子脑中，“丈夫”的印象与“晚餐”相连接，并没有触及更深远的想法。此时最有用的印象反而是不相称的、脱离语境的甚至匪夷所思的，因为人的思维就是那样运作的。

　　动词

　　简单充分地进行动作动词的转换，而不去思考其中缘由，是制造转变的上佳之选。如果演员从哀求骤变为指责，我们（作为观众）就知道转变已经发生了。这要比硬拖着我们去看一场矫揉造作的“过程”更令人信服。

　　如果导演要向演员描述这样的转变，他应该避开串联性的语句。与其说：“她正在恳求他，‘某件事却突然让她’开始折磨他”，不如这样说：“她一路恳求他到现在，然后开始折磨他。”

　　肢体动作

　　如果演员没能顺利在内部产生情绪事件或转变，导演就可以建议一些外部手段。比如从椅子上站起来、放下报纸，甚至转过头去等。如果剧本足够深厚，这些方式可以很恰当地推动当时的情境，并避免陷入过度紧张的转变。

　　无论如何，最糟糕的结果式指导就是告诉演员，角色在某个点领悟了什么，或者他打算采取什么行动。如果你不能提供明确可行的建议，例如一个贯串线、可演出的事件、印象、动词或者肢体动作，那么最佳选择就是说一些类似于“我认为这里需要变化”，或者“我想我们应该在这里来个转变”，然后让演员发挥自己的才智去实行。

　　贯串线可以让演员在角色之间获得历史感、冒险感和需求感。贯串线可以是一个目标（核心/需求）、一个动词、一次调整、一个困扰、一个假定情境（事实）、一个潜文本或一种意象。另一种思考方式是把贯串线当成一种优先参与（primary engagement）或者焦点（focus）。因此它可以是某场戏中的某个事物，例如角色把偷来的戒指还给朋友。本来装在口袋里让他坐立不安的戒指，最终回到了朋友手上闪闪发亮，这个戒指就成了优先焦点，或者说是贯串线。角色的优先参与可以伴随着某种记忆或者印象，也可以和毒品或者烈酒相关。

　　角色的优先参与还可能与第三个角色相关联。大多数双人戏里，都会有一个与在场两人密切相关，却不在场的第三人。在电影《醉乡情断》（Days of Wine and Roses，1962）中，多数都是克尔斯顿和乔之间的对手戏。某几场戏里，不在场的第三人是曾借贷给他们的克尔斯顿的父亲；另外几场中，不在场的则是他们在隔壁房间熟睡的女儿。

　　专注于贯串线能让演员与其他演员保持情感联系，又能留住属于自己的特质。演员自己的特质，比如一个强有力的选择，可以让演员不被其他演员的节奏带着走，同时又能倾听他人，并与他人尽情飙戏。你不会希望演员跟着别人的步调走，那样太戏剧化了，除非你在执导肥皂剧。在现实生活中，我们反倒总是相互融入。我们不自觉地融入对手的生活，配合他的议程来保护自己或者解释自己。这就是我们希望电影可以比实际生活更出人意料、在情感上更纯粹、更有启发性的地方。这也是人们说表演需要“尖锐”或者“醒目”的原因。当然，“尖锐”或者“醒目”这种说法过于模糊笼统，对演员无法起到指导帮助作用。

　　只要演员能生动、集中地体现动词、事实、印象、事件和真实生活等元素，电影就可以有非自然主义和醒目的风格，又不虚假，不夸大。要体现“醒目”，选择和转变就必须干脆利落、明确具体、专注投入、不拖泥带水。当演员专注于自己的特质，他们需要确定以下事宜：相互从对方身上汲取能量，不将对方隔离在外；不管对方做什么，自己都能做出调整，始终执行自己的意图；能把对戏演员丢给自己的东西当作可执行的障碍去演出。这就是电影中常见的对峙场面在生活中其实很少见，却能做到鲜活、真实可信的原因。也因为如此，喜剧和幻想的场景才能那样感染我们。

　　“醒目”也与那些并非平淡无奇的选择有关。也就是说，要找到比日常生活更深入的真实，看到事物内在本质。我认为当很多人谈及醒目的真实时，他们误认为这只是在表演四周加个框架而已—这只会让表演看起来强迫、虚假或过火。醒目的意思应该是比现实生活中更诚实。

　　当演员发现剧本更深一层的真实，他们最好能将其珍视如隐私。如果要拿来和导演讨论，方式方法要慎之又慎。演员也不应该和其他演员谈起自己的想法，那样做会让灵光变得平常、变成家常，会让思想失去能量、损及演员的注意力。梅丽尔·斯特里普（Meryl Streep）曾在吉尼·西斯科尔（Gene Siskel）的访谈中说过，她给自己饰演的每个角色赋予一个秘密，一件她的角色不希望别人知道，也不会与同剧的其他演员分享的事情。在影片《克莱默夫妇》（Kramer vs. Kramer，1979）中，她的秘密就是她从未爱过她的丈夫。

　　当演员能各自保守秘密，当他们的转变干脆利落、意象极具个人特质、目的（动词）站在台词表意的对立面—表演便有了“锋芒”。如此，演员的表演才能对电影的风格作出应有贡献。

　　……

前言/序言

好的，这是一本关于电影制作、表演理论与实践的深度探讨之作的图书简介，旨在为有志于电影艺术的创作者提供坚实的理论基础和实用的技术指导。 --- 图书名称：《光影的塑造者：电影叙事、镜头语言与视觉美学》作者： [此处可插入作者的专业领域和资历，例如：资深电影学者与独立制片人] 图书简介在电影艺术的浩瀚星空中，导演如同核心的引力源，掌控着叙事的走向、视觉的风格以及最终作品的精神内核。本书并非聚焦于单一的表演指导技巧，而是致力于构建一个全面的电影制作哲学框架，深入剖析从剧本的诞生到最终影像呈现的每一个关键环节。它是一份为所有电影制作人——无论是初涉影坛的新锐还是寻求突破的资深创作者——量身打造的路线图，旨在帮助他们理解如何将抽象的创意转化为具有强大感染力的视听语言。第一部分：叙事的重构与视听的蓝图本书开篇即深入探讨电影叙事的核心——剧本分析与结构重塑。我们摒弃了对线性情节的盲目遵循，转而研究如何通过非线性的叙事手法、潜文本的构建以及多层次的主题表达来赋予故事以生命力。剧本的解构与再创造：电影不仅仅是文字的复述，更是视觉化的思想提炼。本章详述了如何从剧本中提炼出其“电影潜质”，识别出哪些是必须被视觉化的核心冲突，哪些是可以通过非语言方式传达的情绪张力。我们将分析经典叙事结构（如三幕式、英雄之旅）在现代电影语境下的变形与创新，并探讨如何有效运用“负空间”和“信息不对称”来驱动观众的好奇心。视听语言的语法：电影语言的“语法”由镜头、场面调度和剪辑共同构建。本书将细致拆解经典的场面调度理论（如对空间、运动和视线方向的控制），并结合现代数字影像的特性，阐述如何利用景深、焦点以及运动轨迹来引导观众的注意力与情感投射。我们探讨了不同镜头语言所携带的意识形态与心理暗示，例如长镜头如何建立沉浸感与时间感，而快速剪辑如何制造焦虑与冲击力。第二部分：空间、时间与电影美学电影导演的艺术，本质上是对时空维度的操控。本部分将带领读者进入一个更具思辨性的领域，探讨如何通过光影、色彩和布景设计来构建作品的独特世界观。光影的哲学：光是电影的灵魂。本书不再停留在基础的光照设置，而是探讨“光”在叙事中的象征意义。从古典主义的明暗对比（Chiaroscuro）到现代主义的扁平化照明，我们将分析不同光线处理方式如何影响观众对角色的道德判断和情境的感知。特别关注自然光在不同地域和时间对影片情绪基调的决定性作用。布景与美术的深度介入：场景设计是叙事的外延。本书强调，每一个道具、每一面墙壁的颜色都必须是角色内心状态的延伸或环境压力的具象化。我们将通过案例研究，解析如何通过对细节的精准控制（例如道具的摆放、服装的磨损程度）来展现宏大主题下的微观世界。第三部分：技术与创意的交汇点现代电影制作是技术与艺术的深度融合。本部分旨在弥合技术工具与艺术表达之间的鸿沟，确保技术为叙事服务，而非反之。摄影机的“角色”设定：摄影机不是一个被动的记录者，它是一个积极的叙事参与者。我们将讨论如何为特定项目设定一套专属的“摄影机规则”——它何时应是冷静的观察者，何时应是情绪的放大器。这包括对焦点的微妙运用、手持摄影与稳定镜头的策略性切换，以及如何利用运动来制造动态平衡或失衡。后期制作的第二次创作：剪辑是电影的最终建筑。本书将讨论剪辑师与导演之间高效的合作模式，并从结构、节奏和情感弧线上，详细分析剪辑如何重塑甚至颠覆预期的叙事效果。我们还将探讨声音设计在构建电影环境与推动情节发展中的不可替代性，从环境音、音效到音乐的层层递进。结语：导演的身份与责任最后，本书回归到导演的个人身份和其在艺术生态中的责任。导演的最终任务是整合所有技术与艺术元素，形成一个统一、连贯且具有强烈个人烙印的作品。我们鼓励创作者发展出清晰的“导演声音”（Director's Voice），并坚定地捍卫其艺术远见，即使面对市场的压力和制作的挑战。《光影的塑造者》是一部拒绝浅尝辄止的指南，它要求读者投入思考，将理论内化为直觉，最终在片场上，用镜头和光影，完成对世界独一无二的阐释。 ---

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本关于指导演员的书籍，从我这个初涉导演领域的人的角度来看，简直是一场及时的雨露。我一直以来都困惑于如何将脑海中清晰的场景愿景，有效地传递给银幕上鲜活的生命体——演员。以前我总觉得，表演是演员的本职，我只需要提出要求，他们应该心领神会。但现实往往是，我的“要求”听起来像一句空洞的口号，演员们会用一种困惑的眼神回馈我，然后进入一种僵硬的、背台词的状态。这本书最打动我的地方在于，它并没有停留在“要什么”的层面，而是深入探讨了“如何达到”的路径。它系统地拆解了导演与演员之间沟通的底层逻辑，让我明白，很多时候，沟通的障碍不在于演员的能力，而在于导演的表达方式和对人性的理解深度。它提供了一系列实用的工具和框架，比如如何设定场景的“内部任务”，如何通过提问来激发而非命令式的指导，这些都极大地拓宽了我的思维边界。读完后，我开始学着放下“我是权威”的架子，转而成为一个“协助者”和“环境构建者”，这让排练现场的气氛都变得更加开放和富有创造力。那种从‘指挥家’到‘合作者’的心态转变，是任何教科书都难以直接灌输给你的宝贵经验，而这本书，却做到了这一点。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，市面上的导演书籍大多侧重于技术流程，谈论如何使用设备、如何设计场面调度，但像这样专注于“人与人之间微妙的能量交换”的著作非常罕见。这本书的叙事风格非常迷人，它不是那种冷冰冰的理论堆砌，而更像是一系列精心组织的、富有洞察力的案例研究。每一章都似乎在分享一个“秘密配方”，揭示那些看似自然流露的精彩瞬间背后，所付出的细致的、往往是导演在幕后默默完成的引导工作。例如，书中对“潜台词”的探讨，超越了传统剧作分析，而是探讨了导演如何通过环境、服装甚至演员的呼吸节奏来暗示角色的未说出口的想法。这使得整个指导过程从“我要你这么做”的独裁，转变为“我们一起去发现这个角色到底想说什么”的共同探索。这种探索性的过程，极大地激发了我对未来合作的期待，因为它暗示着，每一次拍摄都将是一次独一无二的创造性冒险。

评分☆☆☆☆☆

作为一个资深戏剧爱好者和业余编剧，我对表演的理解更多停留在文本分析和角色动机的推敲上，但当我尝试将文字转化为舞台上的真实生命时，那种无力感便油然而生。我手里握着一个自认为完美无缺的角色小传，满怀信心地走进排练室，却发现演员们表演出来的“感觉”和我预想中的那种细微的、潜藏的情绪张力总是相差甚远。这本书没有故作高深地谈论晦涩的哲学，而是直击痛点——如何将抽象的情感需求转化为演员可以“抓住”和“实现”的具体行动。它像一位经验丰富的老者，坐在你身边，带着你一步步拆解那些看似简单却极易出错的环节。例如，书中关于处理“表演过度”和“表演不足”的段落，提供了清晰的诊断和对症下药的方法，让我认识到，很多时候所谓的“不足”，其实是演员没有获得足够的情境支撑；而“过度”，往往是源于导演给予了过多外部的、表演性的指示，反而压制了角色的内在真实性。这种对表演“微观操作”的深入剖析，让我对“镜头前的真实”有了更具象化的理解，不再是凭感觉走，而是有了可循的章法。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个相对浮躁的时期接触到这本书的，当时我对自己的导演能力产生了严重的怀疑，觉得自己的作品缺乏“灵魂”和“真诚感”。这本书就像一个及时出现的导师，它用一种极其务实且充满人文关怀的语气，帮我梳理了混乱的思绪。它没有给我任何速成的秘诀，反而要求我付出更多——更多地观察、更多地倾听、更多地自我反思。书中关于“接收反馈”和“自我调整”的章节尤其震撼我，它强调导演必须随时准备好推翻自己原有的预设，拥抱在现场因演员带来的“意外之喜”。这种强调现场生命力的观点，对于那些习惯于过度规划的导演来说，是一种必要的“解构”。它教会我，最好的表演往往诞生于导演提供了一个足够坚实、清晰的“安全网”之后，演员才能放心大胆地去冒险、去犯错，最终捕捉到那些转瞬即逝的真实火花。这本书不仅是关于如何指导演员的指南，更是一本关于如何保持艺术谦逊和持续成长的自我修炼手册。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在阅读这本书之前，我对“导演”这个角色的理解略显扁平化，总觉得那是一项关于调度、运镜和掌控全局的“技术活”。然而，这本书彻底颠覆了我的认知，它将“指导演员”提升到了“心理学引导”的高度。它阐述了，一个真正出色的导演，首先必须是一个出色的倾听者和共情者。演员带来的不是一张空白的画布，而是一个复杂的人格体，带着自己的历史、恐惧和渴望。书中详细描述了如何建立一种安全、信任的合作关系，让演员敢于在镜头前展现脆弱和不完美。这种关系的建立，远比学习一套剪辑软件要困难得多，也重要得多。我特别欣赏书中关于“处理冲突”的部分，它没有简单地提供“对与错”的标准答案，而是展示了如何在尊重演员个性的前提下，坚定地推进艺术目标。这种平衡的艺术，是这本书给予我的最深刻的启示，它让我明白了，真正的导演的权威，来源于其清晰的愿景和对人性的深刻洞察力，而非其职权本身。

评分☆☆☆☆☆

京东就是快！但是有点小瑕疵

评分☆☆☆☆☆

真是太好了实在是太好了好极了非常好是的很棒太好了

评分☆☆☆☆☆

朋友推荐的，不错～即使不做相关工作，也对日常人际交往有很大帮助～

评分☆☆☆☆☆

挺好的一本书，非常值得看。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

书籍看起来正版，包装不错。