时装画手绘表现技法教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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肖维佳（小笨） 著

图书标签:

• 时装画
• 手绘
• 绘画
• 服装设计
• 艺术设计
• 绘画技法
• 教程
• 时尚
• 素描
• 人体结构

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115429940

版次：01

商品编码：11999306

品牌：数艺社

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-07-01

页数：268

正文语种：中文

编辑推荐

本书是系统讲解手绘技法的书，特点是涉及所有常用工具的画法，包括马克笔、水彩、彩铅，以及各种工具的配合使用，并且涉及的服装款式的绘画讲解较为全面，包含服装款式、细节、面料质感、图案及配饰等的表现技法。

内容简介

本书共分为7章，从讲解基础的人体比例、结构和动态开始，然后逐步深入解析服装款式、细节、面料质感、图案及配饰等的表现技法，末尾分别对马克笔、彩铅及水彩3种手绘工具的单独应用及综合应用进行了详细的案例分析。全书知识结构清晰，讲解细致深入。
本书适合服装设计初学者、服装设计专业的学生及服装插画师阅读，也可以作为服装设计院校及相关培训机构的教材。

作者简介

肖维佳，笔名小笨，时装插画师，内衣设计师。作品已在多个服装网站刊出，

目录

01 服装效果图手绘的基础知识
1．1　服装效果图分类．．．．．．．．．．008
1．1．1　设计草图．．．．．．．．．．．．　008
1．1．2　服装款式图．．．．．．．．　008
1．1．3　服装效果图．．．．．．．．．．．．．．　009
1．1．4　时装插画．．．．．．．．．．．．　009
1．2　服装效果图的特点．．．．．．010
1．2．1　实用性．．．．．．．．　010
1．2．2　艺术性．．．．．．．．．．．．　010
1．3　服装效果图常用手绘工具的介绍．．．．011
1．3．1　认识马克笔．．．．．．．011
1．3．2　认识彩铅．．．．．．．．．．．．．．012
1．3．3　认识水彩．．．．．．．．．．．．．．013
1．3．4　其他辅助工具．．．．．．．．．．015

02　服装效果图与人体的关系
2．1　服装效果图中的人体比例．．．018
2．1．1　女性人体比例．．．．．．．．．．．．．．．　018
2．1．2　男性人体比例．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．　019
2．1．3　儿童和青少年人体比例．．．．　020
2．2　服装效果图中的人体局部表现．．．．021
2．2．1　头部．．．．．．．．．．．021
2．2．2　五官．．．．．．．．．．．．．．　022
2．2．3　面部和头发．．．．．．　026
2．2．4　手臂和手．．．．．．．．．．　030
2．2．5　腿和脚．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．　033
2．3　服装效果图中的人体动态表现．．．．037
2．3．1　重心．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．　037
2．3．2　常用人体动态．．．．．．．．039

03　服装效果图中的款式表现
3．1　外套和表现．．．．．．．．．048
3．1．1　风衣外套．．．．．．．．．．　048
3．1．2　大衣外套．．．．．．．．．．．．．　051
3．1．3　西装外套．．．．．．．．．．．．　054
3．1．4　休闲外套．．．．．．．．．．．．．．．．．056
3．2　裙子的表现．．．．．．．．．．．．．．059
3．2．1　礼服裙．．．．．．．．．．．．．．．　059
3．2．2　包臀裙．．．．．．．．．．．．．．　062
3．2．3　喇叭裙．．．．．．．．．．．．．　064
3．2．4　蓬蓬裙．．．．．．．．．．．．066
3．3　T恤的表现．．．．．．．．．069
3．3．1　圆领T恤．．．．．．．　069
3．3．2　露肩T恤．．．．．．．．．．．．　072
3．3．3　无袖T恤．．．．．．．．．　074
3．3．4　长款T恤．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．077
3．4　裤子的表现．．．．．．．．．．．080
3．4．1　短裤．．．．．．．．．．．．．　080
3．4．2　紧身裤．．．．．．．．．．．．082
3．4．3　休闲裤．．．．．．．．．084
3．4．4　直筒裤．．．．．．．．．．．．　086
3．4．5　宽松裤．．．．．．．．．．　088
3．5　文胸的表现．．．．．．．．．．．090
3．5．1　1/2杯．．．．．．．．．　090
3．5．2　3/4杯．．．．．．．．．．．093
3．5．3　三角杯．．．．．．．．．．095
3．5．4　蝴蝶杯．．．．．．．．．．．．．　097
3．5．5　运动款．．．．．．．．．．　099

04　服装效果图中局部和细节的表现
4．1　服装效果图中的局部表现．．．．．．102
4．1．1　领子．．．．．．．．．．．．．．．．．　102
4．1．2　袖子……………104
4．1．3　口袋．．．．．．．．．．106
4．1．4　肩部……………108
4．1．5　腰部……………　110
4．2　服装效果图中的细节表现．．．．112
4．2．1　腰部…………………112
4．2．2　镶钉…………　114
4．2．3　珠片………………　116
4．2．4　蕾丝．．．．．．．．118
4．2．5　线迹．．．．．．．．．．．．121
4．2．6　纽扣．．．．．．．．．．．．．．　123

05　服装效果图中的面料表现
5．1　经典图案的表现．．．．．．．126
5．1．1　方格…………………　126
5．1．2　条格．．．．．．．．．．．．．．．　132
5．1．3　圆点．．．．．．．．．．．．．．．．．．．137
5．1．4　花卉．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．　142
5．1．5　豹纹……………　150
5．2　面料质感的表现．．．．．．．．．．．156
5．2．1　轻薄质感．．．．．．．．．．．．．．　156
5．2．2　丝绸质感．．．．．．．．．．．　161
5．2．3　牛仔质感．．．．．．．．．．．．．．．．．．165
5．2．4　针织质感．．．．．．．．．．．．．．．．．　170
5．2．5　皮革质感．．．．．．．．．．．．．．．．　175
5．2．6　皮草质感．．．．．．．．．．．．．．．．　180

06　服装效果图中的配饰表现
6．1　帽子………………186
6．2　围巾．．．．．．．．．．．．．．188
6．3　包包……………………190
6．4　鞋子．．．．．．．．．．193

07　服装效果图中常用手绘工具的表现技法
7．1　马克笔服装效果图表现技法．．．．．．．．．．196
7．1．1　马克笔笔触解析．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．　196
7．1．2　马克笔服装效果图实例表现．．．．．．．．．．．　197
7．1．3　马克笔服装效果图作品赏析．．．．．．．．　208
7．2　彩铅服装效果图表现技法．．．．．．．．．．．211
7．2．1　彩铅笔触解析．．．．．．．．．．．．．．．　211
7．2．2　彩铅服装效果图实例表现．．．．．．．．　212
7．2．3　彩铅服装效果图作品赏析．．．．．．．．．．　225
7．3　水彩服装效果图表现技法．．．．．．．．．．．．228
7．3．1　水分的掌控．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．　228
7．3．2　水彩服装效果图实例表现．．．．．．．．．．．．　229
7．3．3　水彩服装效果图作品赏析．．．．．．．．．．．．　239
7．4　手绘工具的综合应用．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．．241
7．4．1　马克笔与彩铅结合表现技法．．．．．．．．．．．．．．　241
7．4．2　马克笔与水彩结合表现技法．．．．．．．．．．．．　257

前言/序言

《时装画：从概念到T台的视觉叙事》 内容简介： 本书是一本深度探索时装插画艺术的综合性教程，旨在引导读者跨越单纯的技法学习，进入一个更广阔的、关于时装视觉传达与叙事的世界。我们不局限于基础的绘画技巧，而是将重点放在如何通过画面捕捉时装的灵魂、传达设计师的理念，并最终构筑起连接设计草图与T台走秀之间那座不可或缺的桥梁。 第一部分：时装语言的解码与解读 在正式拿起画笔之前，理解时装本身是至关重要的。本部分将深入剖析时装的构成要素，从面料的质感、垂坠感，到色彩的心理学效应，再到廓形的建筑性与流线性，我们将学会如何“阅读”一件时装。 面料的肌理与触感： 丝绸的光泽、羊毛的厚重、蕾丝的轻盈、皮革的光滑……不同的面料会产生截然不同的视觉效果。我们将学习如何通过笔触、色彩和明暗来表现这些微妙的差异，让画面中的衣物仿佛触手可及。我们会探讨不同画材（如水彩、彩铅、马克笔）在表现不同面料时的特性与技巧。例如，用水彩的晕染来模拟丝绸的流动感，用交叉的短线条表现毛呢的粗糙，用高光笔强调皮革的镜面效果。 色彩的魔力与情绪： 色彩不仅仅是装饰，更是情感的载体，是品牌个性的象征。我们将学习色彩理论在时装设计中的应用，理解撞色、邻近色、单色搭配所传达的不同情绪与风格。通过对经典时装秀色彩分析，我们将学会如何调配出既符合设计理念又不失美感的色彩方案。我们会深入研究色彩心理学，例如红色代表热情与活力，蓝色象征冷静与专业，绿色传达自然与平和，并通过案例分析，展示如何在时装画中运用色彩强化人物形象和时装主题。 廓形与结构的美学： 从紧身胸衣的束缚到解构主义的自由，时装的廓形是设计师思想的外在体现。我们将学习如何准确捕捉和描绘服装的立体感和结构感，理解服装在人体上的自然垂坠与支撑。我们将研究不同时代、不同设计师的标志性廓形，例如迪奥的“新风貌”、川久保玲的解构主义、亚历山大·麦昆的戏剧化剪裁，并将其转化为绘画语言。我们会重点讲解如何在二维平面上表现服装的体积感，包括褶皱的画法、阴影的运用以及不同结构部件（如垫肩、领口、袖笼）的精准描绘。 第二部分：人物的塑造与时装的载体 时装画最终是关于人的。本部分将专注于如何塑造具有生命力和感染力的人物形象，使之成为时装的最佳载体。 人体比例与动态的精准描绘： 无论是走秀模特修长的身姿，还是日常穿着的人物，准确的人体比例是时装画的基础。我们将学习不同风格的时装画中人体比例的特点（例如，T台模特常常被拉长以突出服装），并掌握绘制人体基本骨骼结构与肌肉走向的要领。更重要的是，我们将探索如何表现人物的动态——无论是自信的台步、优雅的转身，还是随意的站姿，动态的描绘能赋予画面以活力。我们会提供不同姿势的参考范例，并指导读者如何通过线条的变化来表现身体的张力与舒展。 面部表情与神韵的刻画： 一张生动的面孔能够瞬间吸引观者的目光，并传递出时装所要表达的情感。我们将学习如何捕捉人物的面部特征，从眼神的深邃到嘴角的弧度，都将影响到整体的表达。我们会通过对不同面部角度的练习，掌握脸部结构的绘制技巧，并学习如何运用光影来塑造面部轮廓，使其更具立体感。我们将深入研究如何通过眼神的细微变化来传达情绪，例如自信、神秘、忧郁或喜悦，从而为时装增添故事性。 姿态与服装的和谐统一： 人物与服装之间并非简单的叠加，而是相互成就的关系。我们将学习如何根据服装的风格、面料和廓形，调整人物的姿态，使其与服装的气质相得益彰。例如，一件飘逸的长裙适合展现人物舒展的动态，而一件硬朗的皮夹克则需要更具力量感的姿态来呼应。我们将通过大量的实例分析，展示如何在人物的姿态、表情和服装之间建立起流畅而富有表现力的连接。 第三部分：媒介的选择与表现的艺术 绘画媒介的选择直接影响到时装画的最终风格与效果。本部分将深入介绍几种主流的绘画材料，并探讨它们的特性与最佳应用场景。 水彩的流动与透明： 水彩以其独特的透明感和晕染效果，非常适合表现丝绸、雪纺等轻盈飘逸的面料，以及柔和的色彩过渡。我们将学习如何运用干画法、湿画法、叠加法等技巧，控制水分和颜料的比例，创造出丰富的水彩效果。我们会讲解如何通过洗色、留白等技法来处理高光和细节，以及如何运用叠色来增强画面的层次感。 马克笔的鲜亮与速度： 马克笔以其鲜艳的色彩和快速的表现力，成为时装插画界备受青睐的工具。我们将学习如何利用不同粗细的笔头，通过平涂、渐变、交叉排线等方式，快速而准确地捕捉服装的色彩和体积感。我们会深入研究不同品牌的马克笔在色彩饱和度、晕染效果上的差异，并提供控制马克笔叠色和边缘处理的技巧，以避免画面显得呆板。 彩铅的细腻与质感： 彩铅以其细腻的笔触和丰富的色彩叠加能力，能够表现出极强的质感和细节。我们将学习如何运用不同硬度的铅芯，通过轻重、方向、叠加来表现面料的纹理，如针织的纹路、刺绣的细节等。我们会探讨彩铅与其他媒介（如水彩、马克笔）的结合运用，以取长补短，创造出更具表现力的画面。 数码绘画的无限可能： 随着科技的发展，数码绘画已成为时装插画创作的重要手段。我们将简要介绍数码绘画软件（如Photoshop, Procreate）在时装画中的应用，包括图层的使用、笔刷的调整、色彩的混合等，展示数码绘画在效率和后期处理方面的优势。 第四部分：从概念到画面的叙事构建 时装画的最终目的是讲故事。本部分将引导读者思考如何将抽象的设计概念转化为具象的视觉叙事。 主题的提炼与意境的营造： 每一场时装秀、每一件设计作品背后都有其独特的主题和故事。我们将学习如何从设计灵感、时代背景、文化元素中提炼出核心主题，并将其巧妙地融入画面之中。通过对构图、色彩、光影的精心设计，营造出符合主题的意境，例如神秘、复古、未来感、田园风情等。 构图的语言与引导： 构图是画面的骨架，它决定了观者视线的流向和画面的视觉重心。我们将学习不同构图原则（如三分法、黄金分割、对称构图等）在时装画中的应用，以及如何通过前景、背景、道具的设置来丰富画面层次，引导观者理解故事。我们会分析一些经典时装画的构图特点，并指导读者如何根据服装和人物的特点来选择最适合的构图方式。 光影的戏剧化表现： 光影不仅是塑造体积感的工具，更是营造氛围、制造戏剧效果的关键。我们将学习如何利用不同方向、不同强度的光线来突出服装的轮廓、材质的特点，以及人物的情绪。我们将探讨如何运用阴影来增加画面的深度和神秘感，以及如何通过高光来强调服装的亮点和质感。 背景的选择与整合： 背景与主体之间存在着密不可分的关系。一个恰当的背景能够烘托主题，而一个不恰当的背景则可能喧宾夺主。我们将学习如何根据服装的风格和所要传达的故事，选择或创作合适的背景，例如简洁的纯色背景、具有时代感的室内场景、或是充满想象力的抽象空间。我们会指导读者如何将背景与主体进行和谐的整合，使其成为整体叙事的一部分。 第五部分：创新与个性化的表达 在掌握了基本技法与理论之后，如何走出模仿，形成自己的风格，是每位时装插画师必须面对的课题。 实验性技法的探索： 我们鼓励读者在实践中不断尝试新的材料、新的工具、新的表现手法，打破常规，拓展表现的可能性。例如，结合拼贴、拓印、墨水画等技法，探索时装画的更多维度的表现力。 个人视角与风格的塑造： 每一位艺术家都有自己独特的观察世界的方式和表达情感的语言。我们将引导读者审视自己的兴趣、偏好与价值观，并尝试将其融入时装画的创作中，逐渐形成属于自己的鲜明风格。 数字时代下的时装插画： 探讨如何在保持艺术个性的同时，利用数字技术进行创作，并适应当前时尚产业对时装插画的多样化需求，例如社交媒体传播、动态插画等。 《时装画：从概念到T台的视觉叙事》不仅仅是一本绘画教程，更是一扇通往时装视觉世界的窗口。它将帮助你理解时装的本质，掌握表现的技巧，并最终学会如何用画笔讲述属于你自己的时装故事。无论你是初学者还是有一定基础的绘画爱好者，都能从中获得启发，提升你的时装插画创作能力。

评分☆☆☆☆☆

《时装画手绘表现技法教程》这本书，在我看来，是一本非常“懂”绘画的教程。 它没有枯燥乏味的理论堆砌，也没有空泛的指导，而是从最根本的“如何下笔”开始，一步步引导读者去理解绘画的逻辑和规律。我之前一直觉得自己的绘画很“死”，线条生硬，没有生命力。这本书让我明白，原来线条的粗细、曲直、虚实，都蕴含着丰富的表现力。它教你如何通过变化多端的线条来表现服装的轮廓、褶皱、以及面料的质感。更让我惊喜的是，书中关于“光影表现”的讲解。它不仅仅是告诉你哪里有阴影，哪里有高光，而是教你如何通过光影来塑造服装的立体感，如何让服装在画面中“站”起来。它会分析不同光源下，服装的受光面和背光面会产生怎样的变化，以及如何通过笔触的深浅来表现这些微妙的光影效果。我跟着书中的示范，练习绘制了一件简单的衬衫，仅仅是通过对面料的褶皱和光影的刻画，这件衬衫就变得栩栩如生，仿佛触手可及。这本书让我意识到，绘画不仅仅是技巧的叠加，更是一种对细节的观察和对形式美的把握。它让我对自己的绘画能力有了全新的认识，也对未来的创作充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对时尚插画有着浓厚兴趣的业余爱好者，这本《时装画手绘表现技法教程》简直是我梦寐以求的宝藏。 我一直在寻找一本能够帮助我将脑海中的时尚画面转化为生动插画的指南，而这本书恰恰做到了。它从最基础的人物比例和动态入手，让即便是零基础的我也能轻松入门。我最喜欢的是书中关于“人物造型”的讲解，它不仅教授了如何绘制标准的时尚模特，还指导如何通过调整姿态、表情来表现不同的情绪和风格，这对于创作具有感染力的时尚插画至关重要。然后，书中对服装细节的刻画也让我大开眼界。它不仅仅是让你画出服装的轮廓，更是教你如何通过笔触的轻重、线条的流畅度来表现不同面料的质感，比如丝绸的飘逸、皮革的硬朗、蕾丝的精致。最让我惊喜的是，书中还有专门讲解“配饰表现”的章节，比如如何绘制逼真的包包、鞋子、首饰等，这让我的时尚插画作品更加完整和精致。我跟着书中的步骤，尝试绘制了一系列以“都市女性”为主题的时尚插画，从人物的姿态到服装的细节，再到配饰的点缀，每一个环节都得到了书中的指导。成品出来后，我自己都感到非常满意，也收到了很多朋友的称赞。这本书让我觉得，时尚插画不再是遥不可及的艺术，而是可以通过学习和练习，人人都能掌握的技能。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对时尚充满热情，但绘画功底比较薄弱的普通爱好者。 之前也尝试过购买一些绘画教程，但很多都因为难度太大或者讲解不清而让我望而却步。这本《时装画手绘表现技法教程》给了我前所未有的惊喜。它从最基础的“拿笔姿势”开始讲起，每一个步骤都分解得非常细致，即使是像我这样完全没有绘画基础的人，也能看得懂、学得会。最让我感到亲切的是，书中的语言非常通俗易懂，没有太多生涩的专业术语，让我感觉就像在和一位经验丰富的朋友学习一样。书中关于人体结构的讲解，让我第一次真正理解了人体为什么是那个样子，以及如何在纸上将它画得生动起来。它不仅仅是画骨骼和肌肉，更是如何捕捉人体的动态和神韵。然后，再到服装的绘制，它会告诉你如何根据服装的款式、面料来调整线条的粗细和流畅度，如何通过明暗的变化来表现服装的立体感。我之前最头疼的就是画褶皱，总觉得怎么画都不自然。但这本书里有专门讲解褶皱的画法，而且是分门别类地讲解不同材质的褶皱，比如丝绸的柔软褶皱，棉麻的硬朗褶皱，真是太实用了！我跟着书里的步骤练习，感觉自己的绘画水平突飞猛进，以前觉得遥不可及的时装画，现在也渐渐能画出一些样子了。这本书不仅仅是一本教程，更是点燃我创作热情的一把火，让我对时尚绘画有了全新的认识和信心。

评分☆☆☆☆☆

这本《时装画手绘表现技法教程》简直是我近期遇到的最务实、最有价值的专业书籍之一。 我是一名有一定绘画基础的设计师，但总觉得在时装画的表现力上总差点意思，尤其是在捕捉设计的精髓和服装的动态美感方面。这本书从一开始就抓住了核心问题，它没有停留在简单的“画个衣服”的层面，而是深入探讨了如何通过手绘来“表达”设计理念。书中关于人体比例的讲解非常细致，不仅给出了标准的黄金比例，还分析了不同姿态下人体比例的变化，这对于画出具有时尚感的模特至关重要。更让我印象深刻的是，它强调了“观察”的重要性，引导读者去分析服装的结构、剪裁、廓形，以及这些元素如何与人体相互作用。书中对褶皱的绘制技巧进行了大量的篇幅讲解，并区分了不同面料产生的褶皱效果，这一点对于表现服装的质感和垂坠感至关重要。我以前总觉得褶皱很难画到位，要么显得生硬，要么显得杂乱，但看了这本书之后，我才明白其中的奥妙，原来褶皱的走向、深浅、受光面和背光面都有讲究。此外，书中还介绍了如何运用不同的笔触和线条来表现服装的材质和肌理，比如用流畅的线条表现丝绸的滑腻，用粗犷的笔触表现皮革的厚重。最难能可贵的是，这本书不仅提供了理论知识，还穿插了大量的实操案例和图示，让你能够立刻将所学到的技巧应用到实践中，从而快速提升绘画能力。这本书让我受益匪浅，我感觉我的设计图不仅在数量上有所增加，在质量上也得到了显著的提升。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对复古服饰情有独钟的爱好者，我一直希望找到一本能够帮助我绘制出不同年代、不同风格服装的书籍，而《时装画手绘表现技法教程》给了我很大的惊喜。 虽然这本书的标题听起来比较通用，但它提供的技法却非常灵活，能够适用于各种风格的服装绘制。我特别欣赏书中关于“历史服装表现”的讲解。它不仅仅是告诉你如何画出某个年代的廓形，更是教你如何通过服装的细节、面料的选择以及搭配来展现那个时代的特色。例如，对于维多利亚时代的繁复裙摆，书中会教你如何用多层次的笔触来表现其蓬松感和装饰性；而对于20世纪初的简洁线条，它又会指导你如何用流畅的笔触来勾勒其优雅的廓形。书中的“面料表现”技巧更是让我受益匪浅。对于丝绸、天鹅绒、蕾丝等复古风格常用的面料，书中都提供了详细的绘制方法，让我能够更好地还原它们的独特质感。我跟着书中的范例，尝试绘制了一些20世纪初的香奈儿风格套装，以及50年代的蓬蓬裙，感觉效果比我之前自己摸索要好得多。这本书让我意识到，绘制不同风格的服装，不仅仅是掌握绘制技巧，更是要理解那个时代的审美和设计理念。它让我对时装历史有了更深的认识，也让我的手绘作品充满了时代感和故事性。

评分☆☆☆☆☆

这本《时装画手绘表现技法教程》的优点在于，它能够将复杂的设计技法分解成易于理解和实践的步骤。 我是一名时装专业的学生，在课程中经常需要进行大量的概念设计和效果图绘制。以往，我总是觉得绘制效果图非常耗时且效果不尽如人意。这本书的出现，极大地改变了我的困境。它从最基础的线条和形状开始，逐步引导我们学习如何绘制标准的人体比例，并在此基础上进行服装的结构分析和绘制。最让我印象深刻的是，书中关于“服装结构分解”的内容，它教会我们如何将一件复杂的服装拆解成不同的组成部分，然后分别进行绘制，再组合起来，这样不仅能保证服装的准确性，还能大大提高绘制效率。此外，书中对“面料和纹理表现”的讲解也非常到位。它提供了多种不同的笔触和技法来模拟各种面料的质感，例如如何用细腻的笔触表现丝绸的光泽，如何用粗犷的笔触表现皮革的肌理，以及如何用点彩的方式表现毛绒的质感。这些技巧的应用，让我绘制的效果图更加逼真，也更能直观地传达出服装的设计理念。我利用书中的方法，在期末的设计项目汇报中绘制了一系列效果图，得到了老师的高度评价。这本书让我觉得，绘制高质量的时装效果图，不再是难事。

评分☆☆☆☆☆

这本《时装画手绘表现技法教程》的独特之处在于，它并没有将重点放在“画得像”上，而是强调“画得有表现力”。 我之前也看过不少时装画教程，但很多都过于注重写实，画出来的人物和服装虽然精致，但总感觉缺乏灵气和时尚感。这本书则完全不同，它鼓励读者去捕捉服装的灵魂，去表达设计的精髓。它教你如何运用流畅的线条来表现服装的飘逸感，如何通过明暗对比来突出服装的立体感和层次感，甚至是如何通过一些简单的笔触来暗示面料的质感。我尤其喜欢书中关于“动态表现”的部分，它不仅仅是画人体，更是画出人在穿着服装时的姿态和律动。它教你如何通过身体的倾斜、手臂的摆动，以及服装的自然褶皱来营造一种动感，让画面充满活力。对于服装的细节表现，书中也有非常独到的见解。它并没有让你把每一个纽扣、每一个缝线都画得清清楚楚，而是教你如何通过一些关键的笔触和强调来突出设计的亮点，让观众一眼就能抓住服装的精髓。这本书让我明白，时装画不仅仅是服装的草图，更是一件充满艺术创意的作品。它让我重新审视了我的绘画方式，也让我对如何更好地进行时装设计表达有了更深的理解。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对时装史和时装设计充满好奇心的学生，我一直希望能找到一本能让我“看懂”时装画的书，而这本《时装画手绘表现技法教程》做到了。 在我看来，很多时装画不仅仅是服装的展示，更是设计师思想的传达。这本书恰恰在这方面给予了我很大的启发。它不仅仅教授绘画技巧，更是在传递一种“观察”和“理解”服装的方式。书中的人体比例讲解，我发现它不仅仅是简单的比例尺，而是对人体线条和动态美的深刻理解，这让我意识到，画好时装画，首先要画好“人”。它教会我如何去感受服装在人体上的流动，如何通过笔触来强调服装的立体感和层次感。我特别喜欢书中关于“色彩表现”的部分，它不仅仅是告诉你如何调色，而是引导你如何去运用色彩来烘托服装的风格、情绪和设计亮点。例如，对于一件飘逸的礼服，它会教你如何用渐变和高光来表现丝绸的轻盈和流动；而对于一件硬朗的廓形外套，它又会教你如何用阴影来强调结构和材质的厚重感。这些细致入微的讲解，让我看到了时装画的无限可能。书中的范例图更是让我眼界大开，它们不仅仅是漂亮的插画，更是对设计理念的生动诠释。我通过临摹这些作品，不仅学会了技巧，更重要的是学习了设计师的思维方式。这本书让我觉得，时装画不再是枯燥的技巧练习，而是充满了艺术感和表现力的语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是时装设计初学者的救星！ 我一直对时装设计充满热情，也梦想着能画出自己心中的那些华丽裙装和前卫造型，但苦于没有扎实的手绘基础，每次动笔都觉得力不从心。市面上关于时装画的书籍不少，但很多都过于理论化，或者步骤讲解得含糊不清，让我很难入门。直到我遇到了这本《时装画手绘表现技法教程》。它的内容安排非常循序渐进，从最基础的线条、人体比例讲解开始，一点一点地引导读者掌握绘制人体模特、服装结构、面料表现等关键技巧。最让我惊喜的是，书中对于不同材质的服装，比如丝绸的光泽感、牛仔布的硬朗质感、蕾丝的通透感，都有非常详细的绘制方法和技巧演示。我之前最头疼的就是如何表现出不同面料的垂坠感和褶皱，这本书里有专门的章节对此进行讲解，配合大量的范例图，我一下子就茅塞顿开。而且，书中不仅仅是教你“怎么画”，更重要的是教你“如何表现”，如何通过线条的粗细、明暗的变化来赋予服装生命力，让画面更具动感和时尚感。很多教程会直接给出成品图，让你临摹，但这本书不同，它会拆解绘制过程，让你理解每一步的目的和意义。我按照书中的方法练习了几天，感觉自己的绘画水平有了质的飞跃，以前画的人体总是显得僵硬，现在已经能画出流畅的身体曲线，服装的轮廓也更加生动了。对于想要进入时装行业，或者仅仅是热爱绘画的爱好者来说，这本书都绝对值得拥有，它会让你重拾对绘画的信心，并开启一段美妙的创作之旅。

评分☆☆☆☆☆

对于许多独立设计师而言，手绘是表达设计理念最直接、最有效的方式之一。 这本《时装画手绘表现技法教程》对于我这样的独立设计师来说，无疑是一份宝贵的财富。在实际工作中，我需要快速地将脑海中的想法转化为可视化的设计稿，而这本书恰恰在这方面提供了最实用的指导。它不仅教授了如何绘制比例协调、充满动感的人体模特，更重要的是，它深入剖析了如何通过手绘来清晰地传达服装的廓形、细节和设计亮点。我尤其欣赏书中关于“面料表现”的详细讲解，它提供了多种技巧来模拟不同材质的质感，比如如何用笔触的轻重来表现丝绸的光泽，如何用粗细的线条来勾勒皮革的硬朗，以及如何用细腻的笔触来描绘蕾丝的镂空感。这些技法让我能够更好地在手绘稿中体现服装的真实触感，从而让我的设计更具说服力。此外，书中对“褶皱”的解析也让我印象深刻。它不仅仅是简单地画几笔，而是教我如何根据面料的特性、服装的剪裁以及重力的影响来绘制出自然、有表现力的褶皱，这对于表现服装的垂坠感和层次感至关重要。通过这本书的学习，我感觉自己的手绘设计稿在表现力上得到了极大的提升，能够更准确、更生动地向客户或团队传达我的设计意图。

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好，质量好，发货快，物流超给力，支持京东自营

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好书。

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纸张和印刷都不错