欧阳询九成宫碑/中国书法宝库

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上海书画出版社 编
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出版社: 上海书画出版社
ISBN:9787807259749
版次:1
商品编码:12001973
包装:平装
丛书名: 中国书法宝库
开本:16开
出版时间:2010-04-01
用纸:胶版纸
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  欧阳询(五五七-六四一),唐代书家。字信本。潭州临湘(今湖南长沙)人。官太子率更令,封渤海男。幼孤,陈中书令江总收养人,教以书记,聪悟绝人,博览古今。书则八体尽能,与虞世南、褚遂良、薛稷并称初唐四家。尤以楷书著称,与颜真卿、柳公权、赵孟烦齐名,影响深远。
  《九成宫碑》全称《九成宫醴泉铭》,魏徵撰文,欧阳询书。唐贞观六年(六三二)四月刻。在陕西麟游县。正书。二十四行,行四十九字。碑左侧刻有宋元丰间(一○七八-一○八五)各家题字;右侧刻有宋绍圣问(一○九四-一○九八)及明正德问(一五○六-一五二一)、嘉靖间(一五三一-一五六六)各家题名。此碑书法法度森严、浑穆高简,无丝毫媚态,险劲而出以平淡,为欧阳询代表作。明赵崡《石墨镌华》推此为正书一。上海书画出版社编著的《欧阳询九成宫碑/中国书法宝库》为楷书学习的范本之一。
江南烟雨中的墨韵:一本关于吴门画派及明清文人书风的探微之作 本书并非聚焦于唐代楷书典范的结构与法度,而是将目光投向了六朝以来,尤其是在明清时期,以江南为中心所蓬勃发展的文人书风及其背后的文化土壤。它深入挖掘了“吴门画派”诸家在书法艺术上的独特贡献,以及这一流派如何影响了后世士大夫的书写习惯与审美取向。 第一章:文人书法的崛起与时代背景——从“匠气”到“意趣”的转向 本书开篇追溯了宋代苏轼等人倡导的“尚意”书风,阐述了其如何为明代文人书法的革新埋下伏笔。明代中叶,随着商品经济的发展和市民文化的兴起,士大夫阶层对于“个性解放”和“情感表达”的需求日益增强。书法不再仅仅是抄写经文或应酬之用,而成为个体精神境界和学养的直接投射。 本章详述了明初“台阁体”的僵化与后来的反动思潮。我们着重分析了以沈周、文徵明为代表的吴门画派领袖,是如何在绘画领域确立了典雅、清新的风格,并将这种审美自觉延伸至其书法创作之中。 吴门书风的基调: 吴门书风继承了晋唐的传统,但又吸收了宋人的笔意和元代的文气,形成了一种温润、内敛、注重笔墨情趣的特质。它讲求“以书入画,以画入书”,在骨力与秀润之间寻求微妙的平衡。 文献考证: 引用了多份明代文人信札、题跋,揭示了当时士人对于“姿态”、“气韵”的讨论,这些讨论构成了吴门书风理论的雏形。 第二章:吴门三大家——沈周、文徵明、祝允明书法艺术的深度剖析 本章将集中笔墨,对吴门画派中最具代表性的三位书法大家进行个案研究。他们的笔法、结体和章法各具特色,共同构成了明代中叶书坛的璀璨星河。 2.1 沈周:浑厚朴拙的“意境”之美 沈周的书法,常被其画作的温厚气质所掩盖。本章力图将其从绘画光环中剥离出来,专注于其行草书的特点。 笔法特点: 他的用笔沉稳,多藏锋,少露圭角,展现出一种“老笔”的成熟感。笔画之间既有连接,又不失独立性,形成一种内在的张力。 结构哲学: 探讨沈周如何将山水画中“高远”、“平远”的布局观念融入字形结构,使得其作品具有开阔的空间感。 2.2 文徵明:精到雅正的“范式”确立 文徵明是承上启下的关键人物,其楷书对后世影响至深。本章将重点分析他如何集前人之大成,形成一种既不失晋唐韵致,又具明人秀逸的“文体”。 楷书的法度与变化: 对比其早、中、晚年作品,分析其楷书笔画的“精到”之处,如何通过细微的提按变化,赋予常态的结构以生命力。 行书的“温润”: 考察其行书在实用性与艺术性之间的平衡,其行书节奏舒缓,墨色变化微妙,是标准的士人应酬手札范本。 2.3 祝允明:恣肆狂放的“才情”流露 祝允明是与文徵明并称“吴门双璧”的另一极。他的书法以草书最为惊人,是明代草书从 تقلید(模仿)走向“自我表达”的先驱之一。 “狂草”的内在逻辑: 分析祝允明草书的狂放并非无序,而是基于扎实的楷书功底。其用笔迅捷,线条如飞蛇游走,但字与字之间、行与行之间仍存有微妙的呼应关系。 对后世的影响: 探讨其对晚明张瑞图、黄道周等人的间接启发,以及他如何将民间审美中的“生命力”引入到正统文人书法之中。 第三章:晚明文坛的激荡与“金陵画派”的书法侧影 进入晚明时期,士人对传统典范的突破达到了新的高度。虽然本书主体关注吴门,但必须提及同期在南京及周边地区兴起的书风,它们是吴门书风的延伸与修正。 董其昌的“禅思”与书画一体论: 董其昌的理论对吴门影响深远,他将书法视为“写胸襟”的媒介。本章分析董氏如何提倡“淡墨”与“平淡”,以及其行草书如何体现了“南北宗论”在书写上的投射。 “侧锋”与“金陵体”: 介绍一些受吴门影响,但更注重侧锋的运用,线条更具弹性的书家,他们是连接吴门与清初的过渡环节。 第四章:清初士人的再继承与“法度”的重建 清代书法一方面推崇董其昌的“文气”,另一方面又对明代书法的“散逸”有所警惕,力图重回“法度”。 四王书风的内敛: 探讨王时敏、王鉴等人在继承吴门笔意时,如何进一步强化了笔画的内敛性与结构的正统性,使之更趋于“静穆”。 “帖学”的普及与文人书法的定型: 清代碑学尚未兴起,帖学(以二王、米芾、苏轼等为宗)成为主流。本书总结了吴门书风如何通过清初的书家,最终被整合进“帖学”体系,成为士人必备的素养之一。 结语:流淌在江南文脉中的笔墨精神 本书最终总结道,吴门书风并非一个僵硬的流派,而是一种审美趣味的集合体——它珍视学养,推崇自然,在规矩中寻求变化,在内敛中蕴含激情。它代表了明代士人对传统文脉的温和重塑,成就了一种典雅而不失率真的中国文人书写典范。本书旨在通过对这些细节的梳理,让读者能够超越单纯的“法度”学习,真正领略到流淌在江南烟雨中的那份独特墨韵与文人情怀。

用户评价

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我是一位对书法史的“社会文化背景”极为感兴趣的读者。我总觉得,脱离了时代背景谈书法,就像离开了土壤谈植物的生长。这本书虽然直接呈现的是精美的碑帖摹本,但其在引言或附录中对相关历史事件、书家交游圈的简要勾勒,为我理解这些字迹背后的“人”提供了重要线索。我最近在思考,在那个特定的历史时期,书写日常公文和创作艺术作品时,书家心态上的细微转变是如何影响其笔下的线条的。这本书提供的范本,正好能让我对照着去想象,那些在宫廷中、在文人雅集上挥毫泼墨的场景。它像一把钥匙,不仅打开了欣赏书法之美的门,更巧妙地引导我进入了那个朝代文人士大夫的精神世界。这种“载道”而非“唯美”的编纂思路,是我最欣赏它的地方。

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从排版设计的角度来看,这本《中国书法宝库》的整体设计理念非常值得称道。它没有采用过度现代化的鲜亮色彩,而是选择了沉稳的米黄纸张和典雅的字体说明,最大限度地减少了视觉干扰,让读者的全部注意力都聚焦于碑帖本身。我注意到,在某些篇幅中,它采用了双栏对比的布局,将同一作品的不同时期拓本并置,这种对比手法极大地提升了研究价值。我目前正在研究汉隶的隶变过程,虽然这本书的主题并非隶书,但它对楷书的笔画处理中,那种“蚕头燕尾”的遗韵的保留和转化,提供了一个绝佳的横向对比案例。它教会我,书法史上的任何一个阶段都不是孤立存在的,而是有着千丝万缕的联系。这种全景式的视野,比单纯临摹任何一本字帖都来得更为深刻。

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这本《中国书法宝库》系列中的另一册,单看封面设计就让人感受到一种沉稳而厚重的历史感,墨色的晕染和精致的排版,仿佛能让人穿越时空,触摸到古代文人墨客的指尖温度。我近来沉迷于唐代楷书的筋骨力度,尤其对颜真卿的浑厚雄强情有独钟。这本书虽然侧重于另一位大家的精妙之处,但其所蕴含的对笔法结构、章法布局的精深解读,对于理解书法中的“气韵生动”提供了极佳的参照。书中对不同碑帖的用墨浓淡变化、线条的起收转折处理得非常细致,即便是初学者也能从中窥见门径,更不用说那些资深爱好者,光是研究那些细微的“侧锋入笔”和“悬针收笔”的微妙差异,就足够花费上好几个下午的时光。它不仅仅是一本字帖的影印合集,更像是一部书法美学的深度论文,引导读者去思考,在那个特定的历史时期,书家是如何将个人情感、时代风貌熔铸于方寸之间的汉字之上的。那种对传统文化的敬畏感和继承的责任感,在翻阅的每一个瞬间都油然而生。

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作为一名痴迷于魏晋风骨的业余书法爱好者,我一直觉得,要真正领悟“二王”的书法精髓,必须跳出单一碑帖的局限,从更宏大的体系中去把握。这本《中国书法宝库》中的这本分册,虽然呈现的是后世大家的作品,但其编纂的体系和对碑帖选材的考量,展现出一种清晰的脉络传承。它不像某些只重形式而忽视内涵的出版物,而是力图将所选作品置于整个书法史的坐标轴上进行定位。我特别欣赏它对拓片细节的处理,那种油墨的润泽感和纸张的粗粝感被完美地保留了下来,让人在临摹时,能更接近古人“隔纸观碑”的体验。书中附带的鉴赏文字,视角独特,没有陷入千篇一律的赞美,而是深入剖析了书家在特定阶段的风格转变和技巧创新,对于理解“学古而不泥古”的真谛,提供了非常宝贵的指导。

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坦白说,我最近正在尝试将行书的流畅性融入到楷书的结构稳定中,这无疑是一个挑战,需要对点画的提按轻重有极其敏锐的把握。因此,我特意去寻找那些强调“筋骨”和“法度”的经典范本。这本收录的作品,给我的感觉是严谨到近乎苛刻,但恰恰是这种对法度的坚守,才使得那些看似平稳的结构中蕴含着无穷的变化。我尤其关注书中对于某一特定字形,在不同篇章中出现的细微差异,比如“之”字的不同写法,它们之间的呼应与对比,体现了书家在创作时的心手相应。它不是那种让你随便翻翻就能放下的书,每一页都需要你慢下来,用放大镜去审视每一个笔画的交接处,去感受那种力透纸背的内劲。对于长期在行楷之间徘徊,寻求突破的书写者而言,这本书提供了一个绝佳的“稳定锚点”。

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