傅雷译著 艺术哲学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[法] 丹纳 著，傅雷 译

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出版社： 生活·读书·新知三联书店

ISBN：9787108057754

版次：1

商品编码：12008061

品牌：三联书店

包装：平装

开本：32开

出版时间：2016-10-01

用纸：胶版纸

页数：526

字数：341000

内容简介

　　傅雷先生年轻时受聘于上海美术专科学校，担任美术史课教席。这是他在讲稿的基础上修订补充后于一九三四年完成的一部著作。这部珍贵遗稿由庞薰琴作序，吴甲丰后记，一九八五年首次出版以来广受赞誉。

　　书中着重介绍了文艺复兴以来近二十位大家及其名作，如傅雷先生所言：“所述皆名家杰构，凡绘画雕塑建筑装饰美术诸门，遍尝一脔。间亦论及作家之人品学问，欲以表显艺人之操守与修养也；亦有涉及时代与环境，明艺术发生之因果也，历史叙述，理论阐发，兼顾并重，示研究工作之重要也。”

　　此次以一九八五年三联书店版为底本，存原貌，括今译，感受傅雷译文以及美术名作的双重魅力。

作者简介

　　傅雷（1908－1966），我国著名文学艺术翻译家，从三十年代起，即致力于法国文学的翻译介绍工作，一生翻译作品三十余部，主要有罗曼？罗兰长篇巨著《约翰？克利斯朵夫》、传记《贝多芬传》《托尔斯泰传》《米开朗琪罗传》，巴尔扎克名著《高老头》《欧也妮？葛朗台》《贝姨》《邦斯舅舅》《亚尔培？萨伐龙》《夏倍上校》《搅水女人》《都尔的本堂神甫》《幻灭》《赛查？皮罗多盛衰记》《于絮尔？弥罗埃》，伏尔泰的《老实人》《天真汉》《查第格》，梅里美的《嘉尔曼》《高龙巴》，丹纳名著《艺术哲学》等。著作《世界美术名作二十讲》《傅雷家书》《与傅聪谈音乐》等流传甚广。

精彩书评

　　傅雷（1908—1966）以翻译家见知于世，译文信、达、雅三美兼擅，传誉译林，卓然一家。所译皆世界名著，抉择谨严，影响巨大。傅氏学养精深，于美术及音乐理论与欣赏，尤具专长，而常为其翻译盛名所掩。特别重要的，是他的立身处世，耿介正直，劲节清操，一丝不苟，兼备中国知识分子传统品德与现代精神，堪称典范。文ge殉难，举世景仰。

　　——柯灵

《美的沉思：西方美学思想的流变与阐释》 导言：永恒的追问与审美的觉醒 人类文明的演进史，亦是一部对“美”的探寻与定义的历史。从原始部落对自然和谐的直觉感知，到哲人对“理念”与“形式”的深刻思辨，美学作为一门独立学科，始终萦绕在我们对世界、艺术乃至生命意义的追问之中。本书《美的沉思：西方美学思想的流变与阐释》旨在梳理和剖析西方美学思想自古希腊以降，历经中世纪、文艺复兴、启蒙运动直至现代与后现代思潮的宏大脉络，力求在历史的纵深中，展现美学观念如何适应时代变迁，如何与宗教、科学、社会结构相互作用、相互塑造。 我们关注的焦点并非仅仅是某位艺术家的创作技巧，而是支撑其创作理念的本体论基础——即，美究竟是客观存在于事物之中的某种属性，还是主体心灵投射的结果？这种本体论的争论，贯穿了整个西方美学史。 第一部：古典的奠基与理想的构建 (公元前6世纪 - 公元3世纪) 第一章：毕达哥拉斯与柏拉图：和谐、比例与理念的世界 西方美学思想的源头，可以追溯到古希腊对宇宙秩序的数学化理解。毕达哥拉斯学派将“数”视为万物的本源，音阶中的和谐比例被视为宇宙和谐的缩影，这奠定了早期美学中“和谐”与“比例”作为客观美标准的基石。 然而，真正为美学建立理论框架的是柏拉图。在柏拉图的“理念论”中，我们所感知的感性世界是变动不居、充满缺陷的摹本。真正的美，存在于超验的“美之理念”中。艺术，作为对这种摹本的再次模仿（摹仿论的深化），因此被置于较低的认识论地位。但与此同时，柏拉图也承认了“迷狂”（Mania）的力量——诗人或艺术家在神圣灵感的激发下，得以瞥见理念世界的片段，这为后世对艺术“非理性”力量的探索埋下了伏笔。 第二章：亚里士多德的具象化与“净化” 与导师柏拉图不同，亚里士多德更关注事物本身及其内在的逻辑结构。在他的《诗学》中，他将艺术创作视为一种理性的“摹仿”（Mimesis），但这种摹像是对事物“可能”状态的再现，而非单纯的复制。 亚里士多德对悲剧的分析尤为精妙。他提出的“通因”（Catharsis，即净化或疏导）概念，首次将美学体验与观众的心理生理状态紧密联系起来。悲剧通过引发怜悯与恐惧，最终使情感得到升华和释放。这种将审美活动视为具有伦理功能和社会价值的观点，对后世戏剧理论产生了深远影响。 第二部：中世纪的沉寂与神性的光辉 (公元4世纪 - 14世纪) 第三章：奥古斯丁与托马斯：上帝之光下的美与善 随着基督教在欧洲的崛起，美学的关注点从关注人间的和谐转向对上帝属性的诠释。圣奥古斯丁深受新柏拉图主义影响，他认为美是上帝在物质世界中留下的印记，是“神圣的秩序、比例和完满性”的体现。他强调美与“真”和“善”的统一性，美是可见的善。 托马斯·阿奎那在继承亚里士多德思想的基础上，将美学纳入经院哲学体系。他确立了中世纪美学的三个基本标准：“完备性”（Integritas）、“适当性”（Consonantia/Proportio）和“明晰性”（Claritas）。这里的“明晰性”不再是柏拉图式的理念光芒，而是指事物清晰地展现其内在本质和结构。 第三部：启蒙时代的反思与主体性的确立 (17世纪 - 18世纪) 第四章：经验主义的兴起：休谟与伯克的情感转向 文艺复兴解放了对古典形式的崇拜，但直到18世纪，美学才真正转向主体和经验。经验主义哲学家开始质疑美是否具有客观的、永恒的标准。大卫·休谟在其《论标准》中明确指出，“美不是事物本身的性质，它存在于观察者的心中。”他承认了“品味”（Taste）的主观性，但也试图通过文化熏陶和普遍的人类情感结构来寻找一种“相对的”标准。 埃德蒙·伯克则通过《论崇高与美的起源观念之哲学探究》，将美学体验区分为两个截然不同的范畴——美（Beauty）和崇高（Sublime）。美是愉悦、微小、光滑；而崇高则是巨大、黑暗、危险带来的震撼与敬畏，它触及人类对自身有限性的认知极限。 第五章：康德的“无目的的合目的性”与审美判断的自主性 伊曼纽尔·康德是西方美学史上里程碑式的人物。在《判断力批判》中，他试图调和客观性与主观性之间的鸿沟。康德认为，审美判断的本质在于“无利害的普遍性”。当我们判断事物为美时，我们并非基于概念或功利，而是感受到一种“无目的的合目的性”——对象似乎是为我们的认识能力而设计的，但我们却无法用任何既定目的去解释它。 康德对审美趣味的分析，首次将审美判断提升到独立于认知（真）和道德（善）的自主地位，为后世的“唯美主义”和“为艺术而艺术”思潮奠定了哲学基础。 第四部：浪漫主义的狂飙与现代的断裂 (19世纪) 第六章：黑格尔的“绝对精神”与艺术的终结 在德国古典哲学体系中，黑格尔将美学视为“绝对精神在感性形式中的显现”。他认为艺术是人类理解世界和自我认识的初始阶段，它通过具象的形式揭示出特定的历史阶段的精神内容。然而，随着精神认识的深化，语言和哲学将取代感性直观，艺术（尤其是诗歌）将逐渐消亡，让位于宗教和哲学。这一理论具有强烈的历史终结论色彩。 第七章：叔本华与尼采的意志与生命力的赞歌 面对黑格尔的理性体系，浪漫主义和后来的非理性主义者进行了强烈的反拨。叔本华将世界视为盲目的“意志”的体现，艺术（尤其是音乐）是唯一能够暂时摆脱“生存意志”折磨的途径，因为它使人进入到纯粹的、无目的的沉思状态。 尼采则在早期肯定了“酒神精神”（非理性、激情、混乱）对“日神精神”（理性、秩序、形式）的必要补充，强调艺术是生命意志的肯定和升华，而非对痛苦的逃避或超脱。 第五部：20世纪的美学转向：体验、结构与解构 第八章：现象学与诠释学：海德格尔论艺术作品的本真性 20世纪的美学研究重心转向了对“作品”本身的深入剖析。马丁·海德格尔批判了西方美学将艺术视为“客体”的传统，提出艺术作品是“真理的自行置入作品之中”的事件。他关注的是艺术如何使“存在”得以显现，例如在梵高的画作中，鞋子不再是工具，而是农民的辛劳与土地的生命力的“本真性”得以敞开的场所。 第九章：结构主义与后结构主义的挑战：意义的漂移 从罗兰·巴特到德里达，后结构主义对传统美学进行了彻底的颠覆。巴特宣告“作者之死”，将阐释的权力交予读者。而德里达的“解构”方法，质疑了一切中心、等级和二元对立（如形式/内容，再现/原创）。在这一阶段，美学研究的核心转向了语言、符号系统和意义的流动性，任何固定、统一的“美”的标准都被视为压迫性的意识形态工具。 结语：流动的审美场域 《美的沉思》最终呈现的，是一个不断自我辩驳、自我更新的审美场域。从古希腊的和谐秩序，到康德的主体心智的自主法则，再到后现代对所有宏大叙事的解构，西方美学史是一部对“确定性”的持续挑战史。它教会我们，美学不是关于给出一个最终的答案，而是关于不断地提出更精妙的问题：我们如何感知？我们如何判断？以及，艺术在意义坍塌的时代，如何依然保持其不可替代的价值？本书试图在这一宏大对话中，为今天的读者提供清晰的地图与深刻的洞见。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，初次接触这类理论著作时，我内心是有些忐忑的。那些晦涩的术语和庞大的体系似乎总能轻易地将人拒之门外，让人望而生畏。然而，这本书的叙述方式却出乎意料地流畅和富有逻辑性。作者并非生硬地抛出抽象的概念，而是通过一系列精心构建的论证脉络，像剥洋葱一样层层深入，引导读者逐步进入那个深邃的思考领域。我特别欣赏它在举例时的那种克制与精准，总能在最恰当的时候引用一些看似寻常却蕴含深意的案例，将原本飘渺的理论拉回到具体的感知层面。这种“润物细无声”的引导，使得我这个非专业人士也能跟上作者的思维步伐，甚至在某些关键转折点上，会产生“原来如此”的豁然开朗之感。它不是在说教，而是在邀请你一同探索，这种互动式的阅读体验，远比死记硬背书本上的定义来得深刻和持久。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读难度不低，我需要频繁地停下来，合上书本，在房间里踱步思考，甚至需要借助一些辅助性的历史资料来帮助理解某些特定的文化背景。它不是那种可以让你在通勤路上消磨时间的轻快读物，更像是一次需要全神贯注投入的智力马拉松。有时候，一个论断会让我产生强烈的抵触情绪，觉得与自己的固有认知相悖，但这正是它最有价值的地方——它挑战了你的舒适区。在这种反复的咀嚼、挣扎和最终的接纳（或者深刻的辩驳）过程中，我的批判性思维得到了极大的锻炼。我学会了不再轻易接受任何一种看似权威的结论，而是坚持要看到证据链条的完整性。这种思维上的“拉扯感”，虽然过程有些辛苦，但带来的心智成长却是无比扎实的，它培养的不是知识的储量，而是独立思考的肌肉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太用心了，拿到手的那一刻就感觉物有所值。硬壳精装，纸张的质感也相当不错，那种微微泛着暖黄色的米白纸张，在灯光下阅读时，眼睛一点也不觉得累，反而有一种沉静下来的感觉。书脊上的烫金字体，在不同的光线下会折射出低调却不失格调的光泽，每一次把它从书架上取下来，都像是在进行一场小小的仪式。特别是内页的排版，留白的处理非常得当，字体的选择也透露出一种古典的韵味，让人在翻阅时，不自觉地就放慢了速度，去细细品味每一个字、每一个段落。这种对实体书的尊重，在如今这个数字阅读盛行的时代显得尤为珍贵，它不仅仅是一本书，更像是一件可以长久珍藏的艺术品。那些在设计上花费的心思，无疑为阅读体验增添了极大的美感和愉悦感，让每一次捧读都成为一种享受，是对知识的虔诚致敬。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于理解人类精神世界运作的机制，提供了一个极其深刻的切入点。艺术，归根结底，是人类情感和理性交织的产物，是我们在面对永恒的虚无时，试图搭建的一座精致的桥梁。通过阅读这些关于艺术本质的探讨，我开始体会到，那些伟大的创作者们，他们所触及的，远超我们日常琐碎的喜怒哀乐，他们触及的是人类共同的困境与渴望。这种文本带来的冲击力，不是情绪上的宣泄，而是一种对人类存在状态的深刻共鸣和理解。它让我意识到，无论时代如何变迁，技术如何发展，人类对意义的追寻和对美的创造，始终是驱动文明前行的核心动力。这本书仿佛是一面镜子，照见了我们内心深处那些最复杂、最不愿面对却又最真实的情感结构，引导我们以一种更宏大、更富有同理心的眼光去看待自己和他人。

评分☆☆☆☆☆

读完此书，我感觉自己的审美观好像被重新校准了一遍。在此之前，我对许多艺术现象的理解可能停留在非常表层的“好看”或“不好看”的直观判断上，缺乏一个坚实的理论支架去支撑我的感受。这本书提供的，正是一个宏大而精妙的分析框架。它强迫你去思考“美”的本质究竟是什么，艺术的“价值”是如何产生的，以及艺术家在创作过程中所遵循的那些深层驱动力。当我再次面对那些经典作品时，我的目光不再仅仅停留在色彩和造型上，而是开始探寻其背后的结构、意图乃至社会语境。这种视角的转换，极大地丰富了我对世界的感知能力。就好像突然间，我从一个只能看懂黑白电视的观众，升级到了能欣赏高清立体影院的体验者，一切都变得立体而多维起来，生活中的许多寻常事物也仿佛被镀上了一层新的光芒。

评分☆☆☆☆☆

好书哦好书哦好书哦好书哦好书哦。。。

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好

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京东购物，多快好省，实惠轻松！

评分☆☆☆☆☆

不错，包装完好，印刷精美，好书！

评分☆☆☆☆☆

很喜欢这本书，幸亏618京东活动，价格很便宜，用处大

评分☆☆☆☆☆

质量不错，应该是正版滴

评分☆☆☆☆☆

很好很好哦，质量不错，纸张厚，包装很好

评分☆☆☆☆☆

其实就是讲意大利的艺术，书的整体感觉很好，摸起来非常舒服。

评分☆☆☆☆☆

还没有打开，纸张一般。