融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡原原 著

图书标签:

• 中国钢琴曲
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• 音乐创作
• 融合
• 借鉴
• 民族音乐
• 现代音乐
• 音乐学
• 作曲技法
• 中国音乐

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518040063

版次：1

商品编码：12254245

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-02-01

用纸：胶版纸

页数：239

正文语种：中文

内容简介

　　《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》首先从历史的角度，依次梳理了20世纪初、20世纪30年代、20世纪40年代、20世纪五六十年代、20世纪六七十年代、20世纪80年代后的中国钢琴创作情况，展示了中国钢琴创作从学习与模仿、“本土化”摸索、战争中的摸索、初步繁荣、艰难生存到复苏与发展的历程，具体探讨了钢琴创作的概况、各种体裁的钢琴曲的创作以及有代表性的钢琴曲作品。《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》观点独特，展示了中国钢琴音乐文化“中和”的特点；层次鲜明、脉络清晰，以中国钢琴作曲家与作品为主线，对中国钢琴创作的发展有比较清晰的梳理，是一本值得学习研究的著作。

目录

第一章 学习与模仿：早期中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 中国第一首钢琴曲——《和平进行曲》
第三节 20世纪20年代的钢琴创作
第四节 艺术歌曲的钢琴伴奏

第二章 “本土化”摸索：20世纪30年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 “中国风味钢琴曲”的创作比赛
第三节 巾国第一批“中国风味钢琴曲”

第三章 战争中的摸索：20世纪40年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 钢琴小品的创作
第三节 大型钢琴作品的创作
第四节 无调性钢琴作品的摸索

第四章 初步繁荣：20世纪五六十年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 钢琴序曲的创作
第三节 钢琴组曲的创作
第四节 具有地方特色的钢琴创作

第五章 艰难生存：20世纪六七十年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 根据样板戏改编的创作
第三节 根据民族器乐曲改编的创作
第四节 根据民歌旋律改编的创作
第五节 钢琴曲《红灯记》与《黄河》

第六章 复苏与发展：20世纪80年代后中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 以中国音乐素材为基础的钢琴创作
第三节 钢琴协奏曲的创作
第四节 全新手法的钢琴创作
参考文献

好的，以下是一份关于一本名为《音色织锦：二十世纪西方音乐的革新与探索》的图书简介，该书内容不涉及您提到的《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》。 --- 音色织锦：二十世纪西方音乐的革新与探索 一部深入剖析二十世纪西方音乐思潮、技术变革与美学转型的宏大叙事。 导言：撕裂与重构的百年乐章 二十世纪，是西方音乐史上最为剧烈动荡、最具创造性爆发力的百年。两次世界大战的硝烟、工业化浪潮的冲击、弗洛伊德和尼采等思想巨匠的哲学思辨，共同撕裂了十九世纪浪漫主义音乐那套成熟而严谨的体系。作曲家们不再满足于调性的舒适区，他们以近乎决绝的姿态，向传统发起了挑战，开启了一场关于“什么是音乐”的深刻哲学拷问。 《音色织锦：二十世纪西方音乐的革新与探索》并非一部传统的作曲家传记集，而是一部结构严谨、视角独到的思想史与技术史的交织体。本书旨在系统梳理并深入解读那些塑造了现代音乐面貌的关键性技术突破、哲学立场和美学转向，探讨它们之间错综复杂的因果关系。我们力求还原那个时代作曲家们面对巨大文化压力时，如何通过音响的重新组织，为人类的听觉经验开辟全新的疆域。 第一部分：调性的终结与新秩序的诞生（1900-1930） 本部分聚焦于“去调性化”浪潮的核心动力及其早期实践。 一、印象主义的余晖与原始主义的冲击： 德彪西和拉威尔如何通过对音色、和声色彩的精妙把控，模糊了传统调性的界限？本书详述了他们如何借鉴东方音乐元素和对自然声音的模仿，构建了一种“流动的和声”。随后，我们深入分析了斯特拉文斯基的《春之祭》所引发的“巴黎音乐瘟疫”。这不是简单的旋律断裂，而是一种对时间感和节奏感的根本性颠覆——通过多重节拍的叠加和不协和音的尖锐并置，宣告了新原始主义的登场。我们着重探讨了这一阶段的“断裂美学”如何成为反抗十九世纪宏大叙事的直接武器。 二、无调性与十二音体系的理性回归： 勋伯格与第二维也纳乐派是本世纪理性思辨的集中体现。本书详细剖析了从自由无调性到严谨的“十二音作曲法”（Dodecaphony）的逻辑演进。我们不仅解释了“音高类”的构建规则，更重要的是，探究了勋伯格在放弃调性中心后，如何用数学逻辑重建音乐的内在关联性。这种对传统结构主义的扬弃与重建，为后续的序列主义发展奠定了方法论基础。 第二部分：技术爆炸与乌托邦的幻灭（1945-1970） 二战结束后，音乐的探索进入了前所未有的技术密集期。作曲家们一方面沉迷于全新的声学可能性，另一方面则试图通过音乐表达对战争创伤的深刻反思。 一、序列主义的全面化与序列的“超级结构”： 本书详细区分了早期“音高序列”与布列瑟（Pierre Boulez）所推行的“总体序列主义”（Total Serialism）。我们考察了梅西安（Messiaen）对节奏复调和中古音阶的运用，以及武尔夫（Willem de Kooning）在音乐中对复杂节奏模型的构建。重点分析了勋伯格的十二音体系如何被扩展到力度、时值、音色等所有音乐参数的序列控制，试图达到一种绝对的、非个人化的音乐结构。 二、偶然音乐与过程美学的兴起： 与序列主义的绝对控制形成鲜明对比的是约翰·凯奇（John Cage）所倡导的“不确定性原则”。本书将凯奇的“偶然音乐”置于禅宗哲学与易经思想的语境下考察。通过对《4'33"》等作品的分析，我们探讨了艺术家如何主动退出创作主体地位，让环境音和听者的感知成为音乐的决定性要素。这不仅是音乐形式的解放，更是对“作品”这一概念本身的解构。 三、电子音乐的崛起与录音室的解放： 电子音乐的出现，意味着音乐的原材料不再是振动，而是电信号。本书细致梳理了科隆（Stockhausen）的电子音乐工作室与巴黎的具象音乐（Musique Concrète）之间的技术路线分歧。前者侧重于用振荡器合成纯净的音波，后者则着力于对现有声音材料的剪辑、扭曲和重组。我们探讨了磁带技术如何使得音乐家首次拥有了对时间本身进行精确编辑的能力，从而创造出在传统乐器上不可能实现的音响景观。 第三部分：走向多元与声音的回归（1970至今） 随着极端实验的降温，音乐开始寻求新的平衡点，开始重新审视“美感”与“可听性”。 一、极简主义（Minimalism）的声波复现： 面对二十世纪中期音乐的晦涩难懂，以莱希（Reich）和格拉斯（Glass）为代表的作曲家们，通过对简单动机的机械性、重复性叠加和相位移动，构建了宏大而催眠的听觉结构。本书深入分析了其结构基础——“渐进增值法”，以及这种音乐与东方循环宗教仪式、西方迷幻文化之间的内在联系。极简主义并非是对传统的简单回归，而是以一种全新的技术手段，重新探讨了时间流逝中的感知现象。 二、新浪漫主义与后现代的拼贴： 七十年代末期，一股对情感表达的渴望重新抬头。本书关注了如潘德列茨基（Penderecki）晚期作品中对丰富管弦乐音色的重新雕琢，以及对古典曲式模进的有限借鉴。同时，我们也分析了后现代主义对历史的回溯——音乐家们如何戏仿、引用和拼贴过去不同时代（从巴洛克到爵士乐）的元素，创造出一种充满反讽意味和文化互文性的“声音织锦”。 结语：未完成的探戈 二十世纪的西方音乐，是一部关于“可能性”的百科全书。从声波的物理特性到听觉的主观体验，作曲家们以前所未有的力度探索了音乐的边界。本书所呈现的，正是这场旷日持久、永不停止的探戈——在对传统的否定与对新形式的渴望之间，西方音乐完成了它最痛苦也最辉煌的自我超越。 本书特色： 技术还原： 对十二音列、节奏矩阵、电子合成器的原理进行清晰的图解和解释。 思想脉络： 将音乐的革新置于哲学、社会学和技术发展的宏大背景下进行审视。 案例精选： 选取了最具代表性和争议性的作品进行深度剖析，而非面面俱到。 本书适合所有对现代艺术思潮、音乐理论以及二十世纪文化史感兴趣的读者。它将引导您超越“听不懂”的表象，真正领略现代音乐在结构与情感上所蕴含的巨大能量。

评分☆☆☆☆☆

在阅读《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》的过程中，我深刻地感受到作者在梳理中国钢琴音乐发展脉络方面的严谨与细致。本书并非仅仅停留在对作曲家及其作品的简单介绍，而是深入挖掘了他们创作背后所面临的挑战与机遇，以及他们是如何在时代浪潮中寻找创作的突破点。我特别欣赏书中对于“创新”与“传承”之间平衡性的探讨。一些章节详细分析了早期作曲家如何在“全盘西化”的思潮下，依旧坚守民族音乐的根基，并通过对传统音乐素材的巧妙运用，赋予作品独特的东方韵味。而对于后来的作曲家，作者则着重分析了他们如何吸收西方现代音乐技法，如十二音、序列音乐等，并将其与中国传统音乐的思维方式相结合，创造出具有前瞻性的、既有国际水准又不乏中国人文精神的作品。书中对于作品的解读，并非停留在表面的技法分析，而是延伸到了对作品思想内涵、情感表达以及文化象征意义的解读，这使得即使是对音乐理论不太熟悉的读者，也能从中获得深刻的启迪。这本书让我认识到，中国钢琴音乐的创作，是一条充满艰辛却又硕果累累的探索之路，而这条路上，有无数值得我们去铭记和学习的宝贵经验。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受，是它如同一面镜子，折射出中国钢琴作曲家们在西方音乐文化影响下，所经历的挣扎、探索与最终的成熟。我原以为“融合与借鉴”仅仅意味着简单地将西方技法嫁接到中国旋律上，但这本书的深度远超我的预期。书中对不同历史时期作曲家创作理念的剖析，展现了他们如何在时代的变迁中，不断调整自己的艺术方向。我尤其对书中对于“民族化”的讨论印象深刻。作者并非笼统地强调民族元素，而是细致地分析了不同作曲家在汲取民族音乐养分时的不同侧重点：有的侧重于旋律的模仿，有的则着重于情感表达的相通，还有的则深入挖掘了中国传统哲学在音乐中的体现。读到某位作曲家如何将中国古典园林中的移步换景、曲径通幽的意境，巧妙地体现在钢琴的织体变化和乐句推进中时，我简直惊叹不已。这种将东方审美情趣与西方音乐形式完美结合的创造力，让我对中国钢琴音乐的未来充满了信心。这本书不仅仅是一部学术研究，更是一部充满人文关怀的艺术史诗，它让我看到了中国作曲家们，如何在坚守民族文化的同时，勇敢地走向世界，创造出属于自己的独特音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》，我以为会是一本偏学术、略显枯燥的理论书籍，但随之而来的阅读体验却完全颠覆了我的想象。作者以其流畅而富有洞察力的笔触，将中国钢琴音乐的发展史，从其萌芽、探索到逐渐成熟的各个阶段，描绘得淋漓尽致。书中并非简单地列举作品和作曲家，而是深入探究了他们创作背后所处的时代背景、社会思潮以及个人经历。我尤其被其中关于“为人民而歌”的篇章所打动，在那个特殊的年代，许多作曲家将创作的重心转向了表现工农兵的生活，歌颂革命精神。作者并非简单地赞美，而是客观地分析了这一时期作品在音乐语言上的特点，比如旋律的通俗易懂，节奏的铿锵有力，以及对民族乐器的借鉴等，并探讨了这种创作导向对中国钢琴音乐发展带来的深远影响。虽然我并非音乐专业人士，但书中穿插的许多生动案例和通俗的讲解，让我能够轻松理解那些复杂的音乐术语和创作理念。让我印象深刻的是，作者并没有回避这一时期作品在艺术性上的争议，而是以一种批判性的视角，进行了深入的分析，这让整本书的观点更加客观和引人思考。这本书让我认识到，音乐不仅仅是音符的堆砌，更是时代的回声，是民族情感的载体。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的触动，远不止于标题所暗示的“融合与借鉴”。它更像是一次穿越中国钢琴音乐发展脉络的深度访谈，让我得以窥见那些为我们留下无数动人旋律的作曲家们，在东西方音乐语汇交织的时代洪流中，是如何汲取养分，又是如何熔铸出属于自己的独特声音。书中细致地剖析了早期作曲家如何大胆引入西方和声与技巧，并巧妙地将其与中国传统戏曲、民歌、甚至古代宫廷音乐的审美意蕴相结合，创造出既有时代特征又不失民族灵魂的作品。我尤其被某章节中对某个作曲家早期创作的解读所吸引，作者不仅罗列了其作品中模仿西方古典主义和浪漫主义的痕迹，更深挖了其在旋律线条、配器手法乃至情感表达上，如何暗藏着对中国山水画意境的模拟，对中国古典诗词韵律的捕捉。这种“暗度陈仓”式的民族化处理，让那些看似“洋气”的乐句，瞬间充满了东方特有的含蓄与细腻，令人回味无穷。读完这一部分，我再听这些作品时，仿佛眼前浮现出水墨晕染的山峦，耳边回响着丝竹绕梁的古韵，而这一切，都通过钢琴这件西方乐器，被如此生动地传达出来。这是一种多么奇妙的化学反应，而这本书，正是那个点石成金的秘籍，让我得以一窥其奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令我惊喜的地方在于，它为我打开了一个全新的音乐视角。我一直以为中国钢琴作品，要么是对西方经典作品的模仿，要么就是生硬地加入一些民族元素。但《融合与借鉴》彻底纠正了我的认知。书中详细阐述了中国作曲家是如何在学习西方音乐理论和技巧的基础上，深刻理解中国传统音乐的精髓，并将其内化于自己的创作之中，最终形成具有鲜明中国风格的钢琴作品。我被其中对不同时期作曲家创作手法的细致分析所吸引。例如，在解析某位作曲家的作品时，作者不仅指出了其借鉴了印象派的色彩感，更深刻地揭示了其如何在旋律的起伏、和声的色彩以及织体的处理上，巧妙地融入了中国山水画的“留白”意境，以及中国传统音乐中“虚实相生”的哲学思想。读到这里，我再听那些作品时，耳朵里不再是单纯的音符，而是脑海中勾勒出的水墨丹青，空气中弥漫开淡淡的诗意。作者通过对大量作品的深入剖析，呈现了中国钢琴音乐在“借鉴”中“创新”，在“融合”中“发展”的独特路径，这是一种既有国际视野又不失民族根基的艺术探索，其精妙之处，远非简单的“中国风”所能概括。