藝術與設計色彩專業教程 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[美] 卡倫·特裏德曼 著，楊健，王玲 譯

圖書標籤:

• 藝術設計
• 色彩學
• 專業教程
• 設計原理
• 色彩搭配
• 視覺傳達
• 繪畫
• 藝術教育
• 平麵設計
• 室內設計

齣版社： 中國攝影齣版社

ISBN：9787517906568

版次：1

商品編碼：12279924

包裝：平裝

開本：12

齣版時間：2018-01-01

用紙：銅版紙

頁數：254

字數：191000

編輯推薦

全方位的色彩教育，推薦給各種風格的設計師

超過300 幅精美插圖實例展示

多學科領域一流專傢的色彩探索

色彩工作者的參考書和必備讀物

內容簡介

色彩是設計中ZUI復雜的元素之一，觀眾對色彩的反應首先錶現在情感層麵：因此理解它的作用機製就成為所有視覺專業人士的必修課。本書針對設計師的每一個需要，以實用的技術、經典的案例和絕妙的解決方案，使設計師對色彩領域有一個真正全麵的瞭解，同時激發設計師的靈感，使其在實踐中獲得信心。書中內容涵蓋色彩理論、視知覺、色彩組閤、數字色彩等領域，能夠為準備成為一名真正的、自信的色彩工作者的你提供所需的一切。

作者簡介

凱倫·特裏德曼（Karen Tridman）在色彩設計和視覺營銷領域擔任設計師和教育工作者。她曾在羅德島設計學院證書課程班（Rhode Island School of Design CertificatePrograms）教授色彩理論、色彩心理學、色彩趨勢和色彩谘詢等各種課程。凱倫曾為許多報紙和設計雜誌撰寫色彩與設計類的文章，並與人閤著齣版兩本著作：《彩色圖形》（Color Graphics ）和《衝破設計的阻礙》（Breaking Designer’s Block ）。她和丈夫羅恩（Ron）以及3 個孩子住在羅德島州的普羅維登斯（Providence）。

內頁插圖

精彩書評

1. “色彩的首要驅動力是給光以生命。但光綫是變動不定的，也是難以捉摸的。我運用這種流動的能量是因為它為我的創作提供瞭巨大的可塑性。色彩體驗是抽象的、普遍的，然而又是個人的、私密的。它主要影響我們的情感，而不是像實體事物那樣影響我們的邏輯。”

2. 我想通過顔料之間的互動大聲疾呼或竊竊私語，創造齣比它們本身更豐富的體驗。這就是視覺詩歌得以實現的原因。

3. 在自然界中，光綫産生色彩；在繪畫中，色彩創造光綫。

目錄

前言/序言

深度解析西方建築史上的色彩應用與象徵意義 一部關於光影、材料與人文精神的建築色彩編年史 本書將帶您踏上一段跨越數韆年的旅程，探索西方建築史上色彩的演變、功能及其深刻的文化內涵。我們聚焦於色彩如何在建築中被理解、運用，並最終成為傳達權力、信仰、情感乃至社會階層的關鍵媒介。本書並非聚焦於現代設計或平麵視覺藝術，而是紮根於物質世界，深入探討石材、顔料、金屬、木材等真實材料在不同曆史時期的色彩特性及其哲學基礎。 第一部分：古典的秩序與自然的調和（古希臘至古羅馬） 我們將從古希臘和古羅馬的遺跡開始，挑戰“古典建築是純白”的傳統觀念。通過對考古發現的新解讀和對古文獻的細緻梳理，本書揭示瞭這些宏偉建築群落最初是如何被大膽且富有邏輯地著色的。 多利剋式的“化妝”： 探討神廟、劇場中的彩繪如何在功能上起到區分構件、增強雕塑感的作用。重點分析礦物顔料（如硃砂、群青）在當時的技術限製下的應用策略。 羅馬的帝國宣言： 分析羅馬帝國如何利用色彩來錶達其疆域的遼闊與權力的不可侵犯性。紅色的陶土、大理石的自然紋理、以及在公共浴場和彆墅中使用的濕壁畫（Fresco）技法，如何共同構建齣一種宏大敘事。討論色彩在市政建築和陵墓中的象徵轉換。 材料的本色： 深入剖析當地石材（如廷達羅斯石灰岩、普羅科內索斯大理石）在不同光照條件下的“固有色”，及其與環境色彩的融閤關係。 第二部分：神性的光芒與中世紀的象徵體係（早期基督教至哥特式） 中世紀的建築是“石頭上的神學”。本書將闡釋色彩如何從物質的屬性轉變為純粹的象徵語言，服務於宗教教義和精神啓迪。 拜占庭的穹頂與馬賽剋： 重點分析黃金背景（象徵永恒與神性）的運用，以及藍、綠、紅的層級劃分。研究玻璃馬賽剋在光綫過濾下産生的“非物質化”色彩效果，這是對世俗色彩的一種徹底超越。 羅馬式教堂的厚重與內斂： 探討在光綫受限的環境下，建築內部色彩的低飽和度處理，以及如何通過彩繪壁畫講述聖經故事，實現“非識字者之書”的功能。 哥特式光之教堂： 細緻解析彩色玻璃窗的製作工藝（如鉛條的組織方式、玻璃的厚度變化）如何精確控製室內光綫的色溫與飽和度。探討玫瑰窗中對“上帝之光”的幾何化、色彩化錶達，以及不同色彩（如深紅、寶藍）在神學中的特定指代。 第三部分：文藝復興的迴歸與色彩的理性化（文藝復興至巴洛剋早期） 隨著人文主義的興起，色彩的應用重新迴歸到對古典比例和人體美學的關注中，但同時，色彩的科學性研究也悄然興起。 透視與色彩的協調： 研究阿爾伯蒂、達·芬奇等思想傢對“空氣透視法”的論述，以及這如何影響建築外立麵色彩的漸變處理，以增強空間的深度感和體積感。 拉斐爾的色彩遺産： 分析文藝復興時期建築師如何藉鑒繪畫中的色彩和諧理論，在庭院、柱廊等空間中運用柔和、均衡的色彩搭配，追求一種“理想化的自然”。 祭壇與光綫的戲劇性： 巴洛剋初期對色彩和光綫的融閤探索。研究如何在教堂內部利用大理石的拼花、鍍金裝飾以及隱藏光源，製造齣令人屏息的視覺震撼效果，引導觀者進行情感上的臣服。 第四部分：宏大的裝飾與色彩的張力（巴洛剋晚期至洛可可） 這一時期是建築裝飾色彩運用最為大膽和復雜的階段，色彩不再僅僅是輔助元素，而是成為錶達社會地位和情感宣泄的主體。 凡爾賽的奢靡： 剖析法國宮廷建築中對柔和粉彩、象牙白、金箔的狂熱運用。討論洛可可風格中“C”形與“S”形麯綫如何被色彩的流動性所強化，以及這種色彩語匯如何服務於絕對君主的審美和政治需求。 地中海的對比： 考察意大利與西班牙巴洛剋建築在色彩運用上的地域差異，例如使用深色火山岩與鮮艷的灰泥（Stucco）形成的強烈視覺張力。 室內外色彩的斷裂與聯係： 探討當時建築師如何處理建築體外部的堅實色彩與內部輕盈、柔和的裝飾色彩之間的過渡問題。 第五部分：工業時代的衝擊與色彩的復興（19世紀中葉至20世紀初） 工業革命帶來瞭新材料（鑄鐵、玻璃）和標準化生産，這直接挑戰瞭傳統建築色彩的生成邏輯。 哥特復興與色彩的道德： 論述普金（Pugin）等建築師如何將特定色彩與“真正的基督教道德”聯係起來，批判古典建築的“虛假”色彩，主張迴歸中世紀的材料本色與樸素色彩。 維也納分離派與色彩的幾何抽象： 考察奧托·瓦格納等先驅如何開始將色彩視為結構清晰化的工具，而非僅僅是裝飾。分析他們如何利用磚石的本色和金屬的冷光來定義體量。 學院派的色彩規範： 梳理19世紀末期建築學院對立麵色彩搭配的僵硬規定，以及這些規定在麵對城市化進程時的局限性。 本書通過詳實的案例分析和對曆史文獻的深入挖掘，為讀者提供瞭一個理解西方建築色彩曆史的全新視角，強調瞭色彩作為一種文化符號、技術限製與哲學錶達的復雜交織體。它關注的是曆史的肌理，而非當代的潮流。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排非常巧妙，它不是簡單地按照色環順序來講解，而是以“問題導嚮”的方式展開的。比如，有一章節專門討論瞭“信息層級中的色彩應用”，這對我這個經常需要設計界麵和圖錶的人來說，簡直是雪中送炭。它詳細分析瞭如何利用飽和度和明度來區分信息的優先級，避免瞭信息過載或關鍵點被忽略的窘境。書中對“跨媒介色彩轉換”的討論也十分前沿和實用，考慮到現在設計工作經常需要在屏幕顯示（RGB）和印刷輸齣（CMYK/Pantone）之間切換，如何預見和控製色彩在不同介質上的變化，這本書給齣瞭非常細緻的建議和校準方法。我感覺作者不僅僅是一位理論傢，更是一位在設計一綫摸爬滾打瞭多年的實踐者，他深知設計師在項目推進過程中會遇到的真實痛點，並提供瞭切實可行的解決方案，而不是空談理論。

評分☆☆☆☆☆

從裝幀和排版來看，《藝術與設計色彩專業教程》也體現齣一種對“美學”本身的尊重。紙張的質感和油墨的印刷質量都非常考究，這對於一本探討視覺藝術的書籍來說至關重要，因為你無法用低劣的印刷來討論高品質的色彩呈現。內容組織上，書中加入瞭大量的思考題和自檢清單，這迫使讀者不能隻是被動地接收信息，而必須主動地將書中的理論投射到自己的實際創作中去驗證和修正。例如，書中有一個練習是要求讀者在不同強度的光源下觀察並記錄同一組色彩的視覺變化，這個看似簡單的練習，卻極大地提升瞭我對光照條件敏感度。整體而言，這本書的價值遠遠超齣瞭其定價，它更像是一份長期的設計夥伴，會伴隨我職業生涯中的不同階段，不斷提供新的啓發和檢驗標準。

評分☆☆☆☆☆

拿到這本書時，我原本以為它會是那種充斥著大量印刷精美的圖例，但內容上卻比較空泛的“設計範本”集閤。然而，事實完全齣乎我的意料。《藝術與設計色彩專業教程》在實操層麵的指導性極強，尤其是在探討“色彩和諧”和“對比度”的應用時，簡直是工具書級彆的存在。它提供瞭一套非常清晰的步驟來分析現有作品的色彩構成，並指導讀者如何根據設計目標（比如是追求視覺衝擊力還是寜靜感）來主動構建自己的色彩方案。我尤其欣賞它對“限製性調色闆”的講解。在實際工作中，我們常常麵臨品牌色、印刷限製等諸多約束，這本書沒有迴避這些現實問題，而是提供瞭如何在有限的色彩資源內達到最佳視覺效果的策略。書中大量的對比圖例，清晰地展示瞭僅僅改變一個次要顔色的明度或純度，會對整體氛圍産生多麼巨大的變化。這比那些隻教你“怎麼調齣好看的顔色”的書籍，要實用和深刻得多。

評分☆☆☆☆☆

這本《藝術與設計色彩專業教程》真是讓我大開眼界，它不僅僅是一本教科書，更像是一本係統性的色彩哲學指南。我記得在翻閱前幾章的時候，作者對色彩心理學的闡述，簡直是鞭闢入裏。他沒有停留在“紅色代錶熱情，藍色代錶憂鬱”這種膚淺的標簽化認知上，而是深入挖掘瞭不同文化背景、個體經曆乃至生理反應是如何共同構建我們對色彩的主觀感知。比如，書中探討瞭“冷暖”的相對性，通過大量的實例證明瞭在特定光照條件下，原本被認為是冷色的色相如何能被周圍環境襯托齣暖意。這對我理解和運用色彩的復雜性提供瞭全新的視角。更讓我驚喜的是，它還涉及瞭色彩的物理學基礎，比如光的波長、顔料的混色原理，這些硬核知識的講解卻一點也不枯燥，反而像是在揭示自然界隱藏的規律。很多設計中的“直覺”其實都有科學依據，這本書把這些依據清晰地展示瞭齣來，讓我對“感覺”的背後邏輯有瞭更堅實的把握。閱讀過程中，我常常需要停下來，對照手頭的色卡或設計稿進行思考，這種強烈的互動性讓學習過程充滿瞭樂趣和反思。

評分☆☆☆☆☆

這本書的文字風格可以說是嚴謹中帶著一種沉靜的激情。它不像某些學術著作那樣晦澀難懂，但其學術的深度和廣度絕對是毋庸置疑的。我特彆喜歡它在討論“色彩與文化”這部分時的細膩筆觸。它沒有采取簡單粗暴的文化歸類，而是通過對曆史案例的剖析，展示瞭色彩意義是如何在曆史長河中被不斷地重新定義和賦予新的內涵。例如，它對中世紀哥特式教堂玻璃色彩的分析，讓我重新認識瞭光綫、色彩和精神體驗之間的微妙關聯。這種將藝術史、社會學與色彩理論熔於一爐的寫作方式，極大地拓寬瞭我對“色彩設計”的邊界感。它讓我明白，設計色彩不僅僅是為瞭“好看”，更是為瞭與觀眾進行深層次的、甚至是無聲的文化對話。這種層次感，是很多隻關注軟件操作的書籍所無法企及的。