艺术与设计色彩专业教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 卡伦·特里德曼 著，杨健，王玲 译

图书标签:

• 艺术设计
• 色彩学
• 专业教程
• 设计原理
• 色彩搭配
• 视觉传达
• 绘画
• 艺术教育
• 平面设计
• 室内设计

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787517906568

版次：1

商品编码：12279924

包装：平装

开本：12

出版时间：2018-01-01

用纸：铜版纸

页数：254

字数：191000

编辑推荐

全方位的色彩教育，推荐给各种风格的设计师

超过300 幅精美插图实例展示

多学科领域一流专家的色彩探索

色彩工作者的参考书和必备读物

内容简介

色彩是设计中ZUI复杂的元素之一，观众对色彩的反应首先表现在情感层面：因此理解它的作用机制就成为所有视觉专业人士的必修课。本书针对设计师的每一个需要，以实用的技术、经典的案例和绝妙的解决方案，使设计师对色彩领域有一个真正全面的了解，同时激发设计师的灵感，使其在实践中获得信心。书中内容涵盖色彩理论、视知觉、色彩组合、数字色彩等领域，能够为准备成为一名真正的、自信的色彩工作者的你提供所需的一切。

作者简介

凯伦·特里德曼（Karen Tridman）在色彩设计和视觉营销领域担任设计师和教育工作者。她曾在罗德岛设计学院证书课程班（Rhode Island School of Design CertificatePrograms）教授色彩理论、色彩心理学、色彩趋势和色彩咨询等各种课程。凯伦曾为许多报纸和设计杂志撰写色彩与设计类的文章，并与人合著出版两本著作：《彩色图形》（Color Graphics ）和《冲破设计的阻碍》（Breaking Designer’s Block ）。她和丈夫罗恩（Ron）以及3 个孩子住在罗德岛州的普罗维登斯（Providence）。

内页插图

精彩书评

1. “色彩的首要驱动力是给光以生命。但光线是变动不定的，也是难以捉摸的。我运用这种流动的能量是因为它为我的创作提供了巨大的可塑性。色彩体验是抽象的、普遍的，然而又是个人的、私密的。它主要影响我们的情感，而不是像实体事物那样影响我们的逻辑。”

2. 我想通过颜料之间的互动大声疾呼或窃窃私语，创造出比它们本身更丰富的体验。这就是视觉诗歌得以实现的原因。

3. 在自然界中，光线产生色彩；在绘画中，色彩创造光线。

目录

前言/序言

深度解析西方建筑史上的色彩应用与象征意义 一部关于光影、材料与人文精神的建筑色彩编年史 本书将带您踏上一段跨越数千年的旅程，探索西方建筑史上色彩的演变、功能及其深刻的文化内涵。我们聚焦于色彩如何在建筑中被理解、运用，并最终成为传达权力、信仰、情感乃至社会阶层的关键媒介。本书并非聚焦于现代设计或平面视觉艺术，而是扎根于物质世界，深入探讨石材、颜料、金属、木材等真实材料在不同历史时期的色彩特性及其哲学基础。 第一部分：古典的秩序与自然的调和（古希腊至古罗马） 我们将从古希腊和古罗马的遗迹开始，挑战“古典建筑是纯白”的传统观念。通过对考古发现的新解读和对古文献的细致梳理，本书揭示了这些宏伟建筑群落最初是如何被大胆且富有逻辑地着色的。 多利克式的“化妆”： 探讨神庙、剧场中的彩绘如何在功能上起到区分构件、增强雕塑感的作用。重点分析矿物颜料（如朱砂、群青）在当时的技术限制下的应用策略。 罗马的帝国宣言： 分析罗马帝国如何利用色彩来表达其疆域的辽阔与权力的不可侵犯性。红色的陶土、大理石的自然纹理、以及在公共浴场和别墅中使用的湿壁画（Fresco）技法，如何共同构建出一种宏大叙事。讨论色彩在市政建筑和陵墓中的象征转换。 材料的本色： 深入剖析当地石材（如廷达罗斯石灰岩、普罗科内索斯大理石）在不同光照条件下的“固有色”，及其与环境色彩的融合关系。 第二部分：神性的光芒与中世纪的象征体系（早期基督教至哥特式） 中世纪的建筑是“石头上的神学”。本书将阐释色彩如何从物质的属性转变为纯粹的象征语言，服务于宗教教义和精神启迪。 拜占庭的穹顶与马赛克： 重点分析黄金背景（象征永恒与神性）的运用，以及蓝、绿、红的层级划分。研究玻璃马赛克在光线过滤下产生的“非物质化”色彩效果，这是对世俗色彩的一种彻底超越。 罗马式教堂的厚重与内敛： 探讨在光线受限的环境下，建筑内部色彩的低饱和度处理，以及如何通过彩绘壁画讲述圣经故事，实现“非识字者之书”的功能。 哥特式光之教堂： 细致解析彩色玻璃窗的制作工艺（如铅条的组织方式、玻璃的厚度变化）如何精确控制室内光线的色温与饱和度。探讨玫瑰窗中对“上帝之光”的几何化、色彩化表达，以及不同色彩（如深红、宝蓝）在神学中的特定指代。 第三部分：文艺复兴的回归与色彩的理性化（文艺复兴至巴洛克早期） 随着人文主义的兴起，色彩的应用重新回归到对古典比例和人体美学的关注中，但同时，色彩的科学性研究也悄然兴起。 透视与色彩的协调： 研究阿尔伯蒂、达·芬奇等思想家对“空气透视法”的论述，以及这如何影响建筑外立面色彩的渐变处理，以增强空间的深度感和体积感。 拉斐尔的色彩遗产： 分析文艺复兴时期建筑师如何借鉴绘画中的色彩和谐理论，在庭院、柱廊等空间中运用柔和、均衡的色彩搭配，追求一种“理想化的自然”。 祭坛与光线的戏剧性： 巴洛克初期对色彩和光线的融合探索。研究如何在教堂内部利用大理石的拼花、镀金装饰以及隐藏光源，制造出令人屏息的视觉震撼效果，引导观者进行情感上的臣服。 第四部分：宏大的装饰与色彩的张力（巴洛克晚期至洛可可） 这一时期是建筑装饰色彩运用最为大胆和复杂的阶段，色彩不再仅仅是辅助元素，而是成为表达社会地位和情感宣泄的主体。 凡尔赛的奢靡： 剖析法国宫廷建筑中对柔和粉彩、象牙白、金箔的狂热运用。讨论洛可可风格中“C”形与“S”形曲线如何被色彩的流动性所强化，以及这种色彩语汇如何服务于绝对君主的审美和政治需求。 地中海的对比： 考察意大利与西班牙巴洛克建筑在色彩运用上的地域差异，例如使用深色火山岩与鲜艳的灰泥（Stucco）形成的强烈视觉张力。 室内外色彩的断裂与联系： 探讨当时建筑师如何处理建筑体外部的坚实色彩与内部轻盈、柔和的装饰色彩之间的过渡问题。 第五部分：工业时代的冲击与色彩的复兴（19世纪中叶至20世纪初） 工业革命带来了新材料（铸铁、玻璃）和标准化生产，这直接挑战了传统建筑色彩的生成逻辑。 哥特复兴与色彩的道德： 论述普金（Pugin）等建筑师如何将特定色彩与“真正的基督教道德”联系起来，批判古典建筑的“虚假”色彩，主张回归中世纪的材料本色与朴素色彩。 维也纳分离派与色彩的几何抽象： 考察奥托·瓦格纳等先驱如何开始将色彩视为结构清晰化的工具，而非仅仅是装饰。分析他们如何利用砖石的本色和金属的冷光来定义体量。 学院派的色彩规范： 梳理19世纪末期建筑学院对立面色彩搭配的僵硬规定，以及这些规定在面对城市化进程时的局限性。 本书通过详实的案例分析和对历史文献的深入挖掘，为读者提供了一个理解西方建筑色彩历史的全新视角，强调了色彩作为一种文化符号、技术限制与哲学表达的复杂交织体。它关注的是历史的肌理，而非当代的潮流。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书时，我原本以为它会是那种充斥着大量印刷精美的图例，但内容上却比较空泛的“设计范本”集合。然而，事实完全出乎我的意料。《艺术与设计色彩专业教程》在实操层面的指导性极强，尤其是在探讨“色彩和谐”和“对比度”的应用时，简直是工具书级别的存在。它提供了一套非常清晰的步骤来分析现有作品的色彩构成，并指导读者如何根据设计目标（比如是追求视觉冲击力还是宁静感）来主动构建自己的色彩方案。我尤其欣赏它对“限制性调色板”的讲解。在实际工作中，我们常常面临品牌色、印刷限制等诸多约束，这本书没有回避这些现实问题，而是提供了如何在有限的色彩资源内达到最佳视觉效果的策略。书中大量的对比图例，清晰地展示了仅仅改变一个次要颜色的明度或纯度，会对整体氛围产生多么巨大的变化。这比那些只教你“怎么调出好看的颜色”的书籍，要实用和深刻得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它不是简单地按照色环顺序来讲解，而是以“问题导向”的方式展开的。比如，有一章节专门讨论了“信息层级中的色彩应用”，这对我这个经常需要设计界面和图表的人来说，简直是雪中送炭。它详细分析了如何利用饱和度和明度来区分信息的优先级，避免了信息过载或关键点被忽略的窘境。书中对“跨媒介色彩转换”的讨论也十分前沿和实用，考虑到现在设计工作经常需要在屏幕显示（RGB）和印刷输出（CMYK/Pantone）之间切换，如何预见和控制色彩在不同介质上的变化，这本书给出了非常细致的建议和校准方法。我感觉作者不仅仅是一位理论家，更是一位在设计一线摸爬滚打了多年的实践者，他深知设计师在项目推进过程中会遇到的真实痛点，并提供了切实可行的解决方案，而不是空谈理论。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和排版来看，《艺术与设计色彩专业教程》也体现出一种对“美学”本身的尊重。纸张的质感和油墨的印刷质量都非常考究，这对于一本探讨视觉艺术的书籍来说至关重要，因为你无法用低劣的印刷来讨论高品质的色彩呈现。内容组织上，书中加入了大量的思考题和自检清单，这迫使读者不能只是被动地接收信息，而必须主动地将书中的理论投射到自己的实际创作中去验证和修正。例如，书中有一个练习是要求读者在不同强度的光源下观察并记录同一组色彩的视觉变化，这个看似简单的练习，却极大地提升了我对光照条件敏感度。整体而言，这本书的价值远远超出了其定价，它更像是一份长期的设计伙伴，会伴随我职业生涯中的不同阶段，不断提供新的启发和检验标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格可以说是严谨中带着一种沉静的激情。它不像某些学术著作那样晦涩难懂，但其学术的深度和广度绝对是毋庸置疑的。我特别喜欢它在讨论“色彩与文化”这部分时的细腻笔触。它没有采取简单粗暴的文化归类，而是通过对历史案例的剖析，展示了色彩意义是如何在历史长河中被不断地重新定义和赋予新的内涵。例如，它对中世纪哥特式教堂玻璃色彩的分析，让我重新认识了光线、色彩和精神体验之间的微妙关联。这种将艺术史、社会学与色彩理论熔于一炉的写作方式，极大地拓宽了我对“色彩设计”的边界感。它让我明白，设计色彩不仅仅是为了“好看”，更是为了与观众进行深层次的、甚至是无声的文化对话。这种层次感，是很多只关注软件操作的书籍所无法企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术与设计色彩专业教程》真是让我大开眼界，它不仅仅是一本教科书，更像是一本系统性的色彩哲学指南。我记得在翻阅前几章的时候，作者对色彩心理学的阐述，简直是鞭辟入里。他没有停留在“红色代表热情，蓝色代表忧郁”这种肤浅的标签化认知上，而是深入挖掘了不同文化背景、个体经历乃至生理反应是如何共同构建我们对色彩的主观感知。比如，书中探讨了“冷暖”的相对性，通过大量的实例证明了在特定光照条件下，原本被认为是冷色的色相如何能被周围环境衬托出暖意。这对我理解和运用色彩的复杂性提供了全新的视角。更让我惊喜的是，它还涉及了色彩的物理学基础，比如光的波长、颜料的混色原理，这些硬核知识的讲解却一点也不枯燥，反而像是在揭示自然界隐藏的规律。很多设计中的“直觉”其实都有科学依据，这本书把这些依据清晰地展示了出来，让我对“感觉”的背后逻辑有了更坚实的把握。阅读过程中，我常常需要停下来，对照手头的色卡或设计稿进行思考，这种强烈的互动性让学习过程充满了乐趣和反思。