乔托的几何学遗产：科学革命前夕的美术与科学/何香凝美术馆·艺术史名著译丛 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 小塞缪尔·Y.埃杰顿 著，杨贤宗，张茜 译

图书标签:

• 乔托
• 艺术史
• 科学史
• 文艺复兴
• 几何学
• 美术
• 科学
• 何香凝美术馆
• 艺术译丛
• 中世纪艺术

出版社： 商务印书馆

ISBN：9787100156042

版次：1

商品编码：12315298

品牌：商务印书馆（The Commercial Press）

包装：精装

丛书名： 何香凝美术馆·艺术史名著译丛

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：304

正文语种：中文

内容简介

本书是小塞缪尔·Y. 埃杰顿教授在美术史领域多年研究的成果，探讨了西方发端于17世纪伽利略的“科学革命”与距之300年前由乔托开启的文艺复兴“艺术革命”之间的传承关系，揭示了文艺复兴时期绘画、雕塑和建筑在“现代科学”中所发挥的决定性作用。

作者认为，早在莱奥纳尔多之前，不知名的“工匠－工程师”塔科拉和马丁尼已构想出一种描述性几何图语言，而文艺复兴重现自然的艺术方法则有助于发展伽利略、哈维以及笛卡尔的科学想象力，因此熟悉以透视和明暗法描绘图像的伽利略才会即刻判断出他通过望远镜观察到的月球光暗领域为山峰和陨石坑。他强调，西方在观看方式上的独特成就是现代科学兴盛的前提。同时，他还将文艺复兴时期欧洲的科学和美术与明代中国相比较，认为当时的中国对“现实”的认知受制于另一套艺术体系。

本书包含了近150张丰富生动的精美插图，相信会受到美术史家、科学史家以及其他对文化史有兴趣者的喜爱。

作者简介

小塞缪尔·Y. 埃杰顿（Samuel Y. Edgerton，Jr.，1926— ），宾夕法尼亚大学博士，曾执教于波士顿大学多年，现为威廉姆斯学院美术史荣休教授。主要研究领域为文艺复兴时期美术，尤其专注于美术与科学关系的研究，主要著作有《图画与惩罚：意大利文艺复兴时期的美术与刑事诉讼》《文艺复兴时期线性透视的重新发现》等。

译者简介：杨贤宗，1969年出生，南京师范大学美术史博士，曾在英国伦敦大学瓦尔堡研究院从事博士后研究，现任教于华中师范大学美术学院。主要著作有《西方学者文艺复兴研究三论》《建筑与象征》《西方美术史学史与方法论研究前沿》，译作有《画家生涯》《文艺复兴时期的历史意识》等。

张茜，1989年出生，华中师范大学美术学硕士，现就职于湖北美术馆，三级美术师。曾在《世界美术》《天津美术学院学报》《湖北美术学院学报》和《美术文献》等刊物发表专业论文多篇。

内页插图

目录

目 录：

001 序 言　几何学、文艺复兴美术与西方文化

021 第一章　 如图所示：中世纪初期制图中第三维的概念化

043 第二章　 图画空间的几何化：阿西西教堂第二飞檐边饰大师

077 第三章　 超自然的几何化：利波·利皮修士的伦敦《圣母领报》

097 第四章　 地面空间的几何化：创造绘画传统

131 第五章　 16 世纪印刷的技术书籍中的图像与文字

171 第六章　 天国空间的几何化：拉斐尔的《圣典辩论》

199 第七章　 天文空间的几何化：伽利略、佛罗伦萨“绘图术”与月球的“奇怪斑点”

225 第八章　 几何学与远东地区的耶稣会士

251 结 语

255 致 谢

259 参考书目

285 图片目录

295 索 引

精彩书摘

为何资本主义欧洲1500年后在世界上所有文明中第一个发展起通常所理解的现代科学，快速领先于先前高度发展的东方文明？为何西方艺术革命与科学革命两方面最为显著的成就产生于同一个地方——托斯卡纳的佛罗伦萨城？仅仅因为文艺复兴美术的奠基者乔托与现代科学的创始人伽利略都是托斯卡纳人这一巧合？

对于所有这些问题，至少有一个答案存在于文艺复兴时期欧洲与同时期东方绘画艺术之间的差异。只需将普通的西方文艺复兴风格的科学插图与传统中国和伊斯兰国家的示例做一比较即可。如将罗伯特·胡克1667年巨著《显微术》中所刊印的绿头苍蝇版画与归于中国元代画家钱选名下的《草虫早秋图》中所描绘的类似主题的局部做比较。

我们即刻看出中国画家以罕见的敏感性表现出飞行中昆虫的轻盈特性，而胡克（他可能仅仅为版画制作底稿）只是强调苍蝇翅膀固定的几何结构，而没有表明它们实际的飞行状态。当然，胡克是在观察一只死的苍蝇。在西方，我们认为这是理所当然的，要是想了解有机物或无机物的构造，我们首先必须将其想象为静物（如同一幅夏尔丹的静物），将所有组成部分转化为客观固定的几何关系。在这些图画中，正如亚瑟·韦利的嘲讽，“本丢·彼拉多与咖啡罐都是垂直的圆柱体”。对于传统的中国人而言，这种方法在科学与审美两方面都是荒谬的。

为何我敢于将一位大画家的杰作与一位普通版画家的纯说教图联系起来？毕竟，许多优秀的西方画家如雅各布·利戈齐和扬·凡·海苏姆等，都创作过精美的飞虫图。这里做此对比，是因为我想从一开始就强调欧洲文艺复兴美术的几何透视法与明暗对照法传统，不论是否具有美学上的风格特征，已证明对于现代科学极其有用。

前言/序言

　　几何学、文艺复兴美术与西方文化
　　仅仅对自然有兴趣是不够的，有限的实验行为是不够的，经验性的教育是不够的，预测日食月食与历法计算也是不够的——所有这些中国人都具备。显而易见，唯有商业文化能够为农业官僚政治文化所不能为——使得以往分离的数学学科与自然知识相融合。
　　——李约瑟[ Joseph Needham]
　　《文明的滴定》[ The Grand Titration]（1969）
　　为何资本主义欧洲1500年后在世界上所有文明中第一个发展起通常所理解的现代科学，快速领先于先前高度发展的东方文明？1为何西方艺术革命与科学革命两方面最为显著的成就产生于同一个地方——托斯卡纳的佛罗伦萨城？仅仅因为文艺复兴美术的奠基者乔托[ Giotto]与现代科学的创始人伽利略[ Galileo]都是托斯卡纳入这一巧合？
　　对于所有这些问题，至少有一个答案存在于文艺复兴时期欧洲与同时期东方绘画艺术之间的差异。只需将普通的西方文艺复兴风格的科学插图与传统中国和伊斯兰国家的示例做一比较即可。如将罗伯特-胡克[ RobertHooke] 1667年巨著《显微术》[Micrographia]中所刊印的绿头苍蝇版画（图I-I）与归于中国元代画家钱选名下的《草虫早秋图》中所描绘的类似主题的局部（图1-2）做比较。
　　我们即刻看出中国画家以罕见的敏感性表现出飞行中昆虫的轻盈特性，而胡克（他可能仅仅为版画制作底稿）只是强调苍蝇翅膀固定的几何结构，而没有表明它们实际的飞行状态。当然，胡克是在观察一只死的苍蝇。在西方，我们认为这是理所当然的，要是想了解有机物或无机物的构造，我们首先必须将其想象为静物[ nature mort]（如同一幅夏尔丹的静物）将所有组成部分转化为客观固定的几何关系。在这些图画中，正如亚瑟·韦利[ ArthurWaley]的嘲讽，“本丢·彼拉多[Pontius Pilate]与咖啡罐都是垂直的圆柱体”对于传统的中国人而言，这种方法在科学与审美两方面都是荒谬的。
　　为何我敢于将一位大画家的杰作与一位普通版画家的纯说教图联系起来？毕竟，许多优秀的西方画家如雅各布-利戈齐[ Jacopo Ligozzi]和扬·凡·海苏姆[ Jan van Huysum]等，都创作过精美的飞虫图。

好的，以下是一部关于文艺复兴时期艺术与科学交叉领域的图书简介，其内容完全不涉及“乔托的几何学遗产：科学革命前夕的美术与科学”一书的任何具体主题或论述。 --- 《透视的诞生：从阿尔伯蒂到达·芬奇的视觉科学与艺术实践》 一部深入探索文艺复兴初期欧洲艺术观念革新与光学认知演变的里程碑式著作。 导言：光影、空间与认知革命 本书旨在追溯十五世纪意大利半岛，特别是佛罗伦萨与罗马，在艺术创作中对“可见世界”的理解是如何被彻底重塑的。我们关注的焦点，并非仅仅是技法层面的革新，而是深植于人文主义哲学与早期光学实验之中的思维转变。文艺复兴早期的艺术家们，不再满足于中世纪程式化的空间表现，而是积极投身于对自然界运行规律的探究。他们将艺术视为一种精确的知识形式，一种能够揭示宇宙秩序的工具。 本书将结构化地分析这一时期知识分子如何跨越学科藩篱，将数学、几何学、解剖学乃至心理学引入绘画和雕塑的创作过程。我们探究的核心议题是：“如何通过理性的、可测量的手段，在二维平面上构建出可信的三维幻觉？” 这一问题的解决，不仅确立了西方绘画的基本范式，更标志着一个将感性经验与逻辑分析相结合的新时代的开启。 第一部分：奠基之石——人文主义视野下的空间重建 在文艺复兴的黎明，艺术家的工作坊逐渐演变为早期科学研究的场所。本部分将重点考察在达·芬奇之前，对“科学入画”产生决定性影响的几位关键人物的实践与理论。 一、菲利波·布鲁内莱斯基与“发现”的偶然性 虽然布鲁内莱斯基以建筑成就著称，但他对精确测量的执着，直接催生了线性透视法的理论基础。我们将分析其著名的佛罗伦萨洗礼堂实验——利用镜子和画板来验证观察者视线中心点（视点）的唯一性与稳定性。这不仅是一项艺术技术，更是一种关于主体与客体关系的哲学宣言：世界可以被一个固定、理性的观察者所捕获和组织。本章将区分布鲁内莱斯基实践中的“几何法则”与后世理论化中的“视觉幻觉”。 二、莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂：《论绘画》的理论框架 阿尔伯蒂的著作是第一部系统阐述绘画科学性的文本。我们不再将透视视为魔术或秘密技艺，而是将其提升为一种可教授、可复制的理性方法。本书将细致梳理阿尔伯蒂如何将“建筑的交会线”（orthogonals）概念引入二维平面，并阐释他所倡导的“历史画”（historia）的构图原则，强调场景中人物的叙事逻辑与空间结构之间的不可分割性。重点将放在他对“可见的比例”（proportio visibilis）的定义，以及如何用几何网格来组织复杂的叙事场景。 三、皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡：数学的极致与冥想性的空间 皮耶罗的工作代表了文艺复兴早期透视体系的巅峰与某种极致化的倾向。他的作品往往呈现出一种近乎于超验的静谧感，空间逻辑的严密性压倒了瞬间的动态性。本书将分析他如何在理论著作中，将欧几里得几何学与透视法整合，探讨他如何处理多个消失点（或说，复杂场景中的次级视点）的问题，以及这种“冰冷的精确性”如何服务于其宗教主题的内涵。我们将研究他如何通过严格的几何分割来营造神圣的秩序感。 第二部分：解剖学、光影与视觉的心理学 文艺复兴的艺术家对“可见世界”的探索并未止步于线性结构。他们深知，仅仅有骨架般的透视是不够的，光线、阴影和人体的内在结构才是赋予图像生命力的关键。 一、维特鲁威的回归与理想化的人体结构 人文主义的复兴带来了对古典人体标准的重新关注。本书将考察艺术家们如何通过直接的或间接的方式（例如，对解剖学的早期观察记录，尽管系统解剖学尚未成熟），来修正中世纪对人体比例的教条化理解。重点分析艺术家们如何将人体视为一个可测量的、具有内在平衡的构造，而非仅仅是承载灵魂的容器。探讨理想化的人体比例在艺术作品中如何与所构建的空间环境形成张力或和谐。 二、明暗对比（Chiaroscuro）的物质性：从光线的描述到光线的塑造 光线是构建空间深度和赋予形体体积感的核心要素。本部分将追踪艺术家们对“阴影”理解的演变。从早期作品中较为平面化的阴影处理，到十五世纪末期对光线来源的明确界定，再到对光影过渡区（半影）的细腻捕捉。我们将分析这一技术进步如何使物体获得“物质感”（corporeality），并探讨在早期油画媒介尚未完全普及时，艺术家们如何利用蛋彩或湿壁画的特性来模拟光影的微妙变化。 三、动态与感知：瞬间的捕捉 除了对永恒的、静态的几何结构的追求，艺术家们也开始尝试捕捉运动的瞬间。本书将考察早期艺术家在表现奔跑、投掷或情感爆发等动态场景时，所面临的几何学难题。他们如何通过肢体透视（即对身体各部分的相对大小进行校正）来处理运动中的形体，以及这种对“瞬间”的几何化记录，如何预示了后世对于时间与运动的科学研究。 第三部分：走出佛罗伦萨——从经验到普遍法则的传播与修正 当透视和空间理论从佛罗伦萨的精英圈层向威尼斯、米兰乃至北方传播时，其应用和侧重点也随之发生变化。 一、威尼斯画派对“大气透视”的直觉运用 威尼斯画家们对色彩和光线的敏感度，使他们开始关注到空气媒介对远处景物的影响——即色彩的饱和度随距离的衰减。本书将对比佛罗伦萨的“线性精确性”与威尼斯画派对“大气透视”（Aerial Perspective）的强调。这是一种对“可见世界”更全面的、受环境影响的理解，它承认了光线传播的物理特性对视觉效果的决定性作用。 二、印刷术与知识的扩散：理论的普及与变异 随着印刷术的发展，艺术理论不再是口耳相传的秘密。理论书籍的流通使得外省的艺术家得以接触到阿尔伯蒂和皮耶罗的原则。然而，这种传播也带来了误解和本土化的修正。本章将分析不同地区（如德国或尼德兰）的艺术家如何将这些意大利的数学原则，与他们自身对油画媒介的精湛掌握以及对自然细节的执着观察相结合，从而形成了独特的视觉语言。 结论：理性之眼与艺术的现代性 《透视的诞生》最终将论证，文艺复兴早期对空间、光影和比例的系统性研究，并非仅仅是艺术技巧的改进，而是人类认知史上的一个关键转折点。通过将数学的确定性强加于变幻莫测的视觉经验之上，艺术家们实际上是在构建一个基于人类主体经验的、可被量化的、新的世界模型。这一模型为后世的科学革命提供了视觉和方法论上的先导，深刻塑造了我们理解和描绘现实的方式。本书试图揭示，在文艺复兴的画布上，科学的探究精神早已先行一步。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是视觉上的盛宴，从封面到内页的排版都透露出一种古典与现代交织的独特美感。我尤其欣赏它在细节上的打磨，比如纸张的选择，那种略带粗粝却又触感温润的质地，让人在捧读时便能感受到一种仪式感。装帧的色彩搭配也十分考究，深沉的色调与精致的插图形成鲜明对比，使得整体视觉效果既庄重又不失活泼。对于我这样一个对艺术品本身抱有很高期待的读者来说，这种高品质的呈现无疑极大地提升了阅读体验，让我觉得这不仅仅是一本书，更像是一件值得珍藏的艺术品。每次翻开它，都能感受到编辑团队在视觉呈现上倾注的心血，这无疑是为内容增添了极佳的序曲。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大收获在于，它重新定义了我对“理性之美”的理解。过去，我倾向于将艺术视为感性的极致表达，而将科学视为理性的冷酷求证。但通过这本书的阐述，我清晰地认识到，在科学革命的前夜，对几何学原理的掌握，本身就是一种至高的审美追求。艺术家们对精确透视和和谐构图的执着，与数学家对简洁优雅公式的迷恋，其内在的精神内核是高度一致的。阅读此书后，我再看那些文艺复兴时期的绘画作品时，视角完全变了——我不再仅仅关注色彩和主题，而是开始在画面中“寻找”那些隐藏的数学骨架和几何逻辑。这是一种智识上的升华，让艺术欣赏不再停留在表面，而是深入到了其构造的底层逻辑。

评分☆☆☆☆☆

从阅读的沉浸感和情感共鸣的角度来看，这本书成功地构建了一种强烈的“在场感”。作者对于早期文艺复兴时期艺术家们在工作室里的工作状态，以及他们面对理论困境时的挣扎与突破，描绘得入木三分。我仿佛能闻到油彩和松节油的味道，能感受到那些匠人如何在昏暗的灯光下，用尺规和圆规反复丈量理想中的完美比例。这种细腻入微的场景再现，绝非空泛的描述，而是建立在对大量一手资料的精细解读之上的。它唤醒了我内心深处对“创造过程”的那份敬畏感，让我意识到，那些看似光辉灿烂的艺术成就背后，其实是无数次严谨的计算和不懈的实验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术价值和它所展现出的跨学科视野，绝对是令人震撼的。我以前总觉得艺术史和纯粹的科学史之间存在着一道难以逾越的鸿沟，但这本书彻底颠覆了我的固有认知。它有力地论证了在那个特定历史时期，艺术家和科学家们是如何在同一个思想的熔炉中进行对话和相互启发。我特别佩服作者在引用原始文献时的广度和深度，那些来自不同语种、横跨多个学科领域的引文，被娴熟地整合进流畅的中文语境中，显示出作者深厚的学养和扎实的田野调查基础。这本书不仅仅是对特定人物或事件的梳理，更像是一部关于“知识如何流动”的宏大史诗，它强迫读者跳出单一学科的框架，去重新审视那个伟大时代的知识全貌。

评分☆☆☆☆☆

当我初次接触这本书的叙事风格时，我立刻被它那种近乎于“侦探小说”般的严谨和抽丝剥茧的逻辑所吸引。作者在处理复杂的历史材料时，展现了惊人的组织能力，他并没有简单地堆砌史实，而是像一位高明的建筑师，巧妙地构建起一条清晰的脉络，引导读者从纷繁的线索中逐步揭示出隐藏在历史表象之下的深层结构。尤其是在阐述那些晦涩难懂的数学概念与艺术实践之间的关联时，作者没有采取说教式的灌输，而是通过一系列精妙的论证和生动的案例，让原本高高在上的理论变得触手可及。这种叙事上的张力，让阅读过程充满了发现的乐趣，让人忍不住想要一口气读完，去追寻下一个隐藏的“秘密”。