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杨易禾著 著

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出版社： 江苏文艺出版社

ISBN：9787539981383

商品编码：19001359994

出版时间：2017-10-01

作  者:杨易禾 著 定  价:42 出 版 社:江苏文艺出版社 出版日期:2017年10月01日 页  数:285 装  帧:平装 ISBN:9787539981383 ● 音乐表演美学学科建设
●一、学科性质
●二、研究领域
●三、研究方法
●四、研究者的知识结构
●第二章 从音乐作品的存在方式看表演的二度创作基础
●一、前人的启示
●二、观察存在方式的不同维度
●三、音乐作品的本体构成
●四、古代作品的二度创作是怎么可能的
●五、如何判别音乐表演的质量
●关于正误之分
●关于质量高低
●第三章 音乐表演艺术中的文本与型号
●一、众说纷纭的“文本”
●二、关于型号的思考
●三、家族相似式的同一性
●第四章 音乐表演艺术中的个性与共性
●一、个性与共性
●二、现象与本质
●部分目录

内容简介

杨易禾著的《音乐表演美学》立足于中国古代美学思想研究成果，对音乐表演艺术的本质和所涉及到的各种现象进行了深刻阐述。同时，作者思维视角深入，另辟蹊径从三个维度来观察音乐作品的存在方式，对有关心理学观点勇敢大胆地提出了自己的见地，著作对于表演艺术的操作具有实际指导意义。 杨易禾 著 杨易禾，男(1958-)
有名二胡演奏家、教育家、音乐理论家、教授、博士生导师，创建我国音乐表演艺术理论研究博士点。
现为浙江音乐学院二级教授、教育部学位与研究生教育中心评审专家、中国民族管弦乐学会常务理事、中国音协刘天华研究会副秘书长等。曾任南京艺术学院音乐学院副院长、高校不错职称评审委员及音乐学科组组长，学刊《音乐与表演》《中国二胡》副主编、浙江音乐学院国乐系筹建组长等。
出版演奏专辑《江河水》《二胡名曲》等5辑；发表获奖作品《淮乡曲》等多首。
发表学术论文、译文等50余篇，其中五篇被收录《20世纪中国音乐美学？文献卷》，并获靠前很好论文奖、靠前教学论文一等等

好的，这里为您创作一份关于一本假想图书的详细简介，该书名为《声音的结构与意义：非传统音乐语汇的探索》。 --- 图书简介：《声音的结构与意义：非传统音乐语汇的探索》 作者： 艾拉·范德林（Elias Vandermeer） 出版社： 启明之声出版社 页数： 480页 装帧： 精装，附带多媒体资源索引 导言：听觉认知的边缘地带 《声音的结构与意义：非传统音乐语汇的探索》是一部深入研究当代听觉文化和声音实践的学术专著。本书聚焦于那些游离于传统音乐理论框架之外的声音现象——从工业噪音到自然环境声的采样，再到纯粹的电子合成波形——探讨它们如何被人类感知、结构化，并最终被赋予文化意义。作者艾拉·范德林，一位在声景研究与后结构主义音乐分析领域享有盛誉的学者，挑战了“音乐”的既有定义，引导读者进入一个由频率、纹理、空间感和时间序列构筑的复杂认知迷宫。 本书的核心论点是：在高度技术化和信息泛滥的时代，声音的“意义”不再仅仅来源于旋律、和声或节奏的排列，而是更多地植根于声音的物理属性、感知上下文以及社会建构。 第一部分：声音的物理本体论与感知神经学 本部分奠定了研究的基础，即声音在被理解为“音乐”之前，它首先是一种纯粹的物理现象。 第一章：超越十二平均律的频率光谱 范德林首先对传统西方音乐的音高系统进行了批判性解构。他详细分析了傅里叶变换在声音分析中的应用，并引入了“频谱密度图”（Spectral Density Mapping）作为一种新的可视化工具，用以揭示复杂音色内部的非线性变化。本章深入探讨了微音程（microtones）、非谐振频率（inharmonic frequencies）以及噪音成分在构建听觉张力中的作用。 第二章：听觉的建构性与记忆的共振 本章转向感知心理学。作者引用了最新的神经声学研究，解释了大脑如何将无序的声波信息组织成可识别的“模式”。重点讨论了“声音图标”（Sound Icons）——即那些不依赖于传统旋律框架，却能立刻唤起强烈情感和记忆的特定音色或声学事件（如老式打字机声、特定型号的引擎轰鸣声）。范德林提出，对这些声音的理解，往往比对古典奏鸣曲的理解更具即时性和文化穿透力。 第三章：时间性、运动感与听觉的“流” 在本章中，时间不再被视为节拍或拍号的刻度，而是被视为一种内在的“流动性”（Flux）。作者分析了如“慢速音乐”（Drone Music）和极简主义声场作品中，时间如何被拉伸、暂停或异化。他引入了“听觉黏性”（Auditory Viscosity）的概念，描述听众在长时间沉浸于持续性声景中时，对时间流逝的感知发生的变化。 第二部分：语汇的拓扑学：环境、技术与符号 本书的第二部分将研究视野扩展到声音发生的具体语境，探讨技术和环境如何重塑了声音的“词汇表”。 第四章：城市声景的语法：从噪音到文本 范德林将城市环境视为一个巨大的、未被充分解析的“声学文本”。他借鉴了城市学和符号学的理论，对不同类型的城市噪音（交通、施工、人群活动）进行分类和符号学解读。本书详述了“声景入侵”（Acoustic Incursion）的概念，即在某一固定声景中，一个突兀的新声音如何立即改变了整个场域的意义，从背景噪音一跃成为焦点叙事元素。 第五章：合成与异化：电子波形的非人类意义 电子音乐和合成器技术为声音带来了前所未有的自由，但也带来了意义的“悬置”。本章分析了振荡器（Oscillators）、滤波器的运用，以及如何通过算法生成人类无法通过传统乐器自然发出的声音。重点探讨了早期合成器音乐对“未来感”的构建，以及当代电子乐如何通过对模拟失真和数字损坏的模仿，表达对技术异化的反思。 第六章：采样悖论：真实与虚构的声学叠加 采样技术是对声音历史的直接挪用。本章探讨了将一段既有声音（无论音乐性高低）植入新语境时，它携带的“声学残余”——即原有的文化联想和历史重量。作者分析了“声音的鬼魂”现象，即当一个熟悉的声音被突然抽离其原始背景时，它所产生的意义断裂和新的解读可能性。 第三部分：实践与批判：非线性叙事与身体反应 最后一部分将理论与新兴的实践相结合，探讨声音如何被用于构建新的叙事结构和引发深层的身体共鸣。 第七章：非线性声音叙事与“破碎的剧本” 与传统音乐基于叙事逻辑的结构不同，许多当代声音艺术追求的是“空间化”或“碎片化”的叙事。本章分析了沉浸式声场装置和多通道声音作品，它们如何通过声音的定位和运动来引导听众的注意力，创造出多重焦点、相互冲突的意义层次，而非单一的故事情节。 第八章：身体的接收器：超声波、次声波与潜意识的调频 本书的结论性章节聚焦于听觉的生理限制和边缘感知。作者探讨了人类听觉范围之外的声波（如次声波和超声波）对情绪和生理状态的潜在影响。虽然这些声波不被传统意义上的“听到”，但它们被身体感知，并可能影响我们的感知框架。范德林认为，对这些“隐形”声音的研究，是理解声音艺术全部潜力的关键一步。 结语：听觉的未来形态 《声音的结构与意义》不仅仅是对边缘声音现象的记录，更是一份宣言：它呼吁听众和研究者摆脱对“悦耳”的盲目崇拜，转而拥抱声音的全部复杂性、陌生感和挑战性。这本书为下一代声学研究者、声音设计师和实验艺术家提供了一个严谨而富有启发性的框架，用以剖析和重构我们与周围世界的听觉对话。 推荐读者： 声音艺术、声景研究、当代音乐理论、感知心理学、媒体考古学及实验电子乐研究者与爱好者。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述风格非常具有个人特色，它不像教科书那样追求绝对的客观中立，而是坦诚地流露出作者强烈的个人审美倾向和哲学立场。这反而让阅读体验更加亲切，仿佛在和一个志同道合但又极富洞察力的朋友进行深度对话。我尤其欣赏作者在探讨“时间感”处理上的独到见解。书中详细剖析了慢板乐章如何通过对微小节奏变化的夸张处理，实现对主观时间的拉伸，让听众体验到一种“凝固的流动”。这种对时间维度的精妙操控，是区分平庸表演与伟大艺术的关键。这本书成功地将音乐理论中抽象的“时值”概念，转化为了读者可以切身感受到的心理体验。虽然我不是科班出身，但读完这部分后，我发现自己在聆听古典音乐时，对指挥家如何掌控乐队的呼吸节奏，产生了前所未有的敏感度。它重塑了我对“耐心”在艺术中价值的评估。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和纸张质感堪称一流，拿在手里沉甸甸的，这本身就是一种对阅读体验的尊重。内容上，我最喜欢的是它处理“即兴”与“结构”之间张力的那几个章节。作者并没有将它们视为对立面，而是巧妙地论证了完美的即兴往往建立在对既有框架的了如指掌之上。这种辩证的视角非常启发人。比如，书中分析某一著名爵士乐手的独奏片段时，用了一种类似音乐符号学的分析方法，将看似随性的旋律线还原成了基于特定调式和和声进行的精密运算。这种从“感性涌现”到“理性分析”的过渡是如此自然流畅，让人不得不佩服作者深厚的专业功底。它不是在教你如何“弹奏得好”，而是在教你如何“听得更明白”。读完相关章节后，再去听那些音乐作品，仿佛打开了多维的滤镜，原本听来只是热闹的片段，此刻都能辨识出其中的逻辑脉络和情感轨迹。这对于任何试图提升自我鉴赏水平的爱好者来说，都是一本不可多得的宝典。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的某些部分读起来确实需要集中精力，因为它探讨的主题并非那种浮光掠影的娱乐八卦，而是直指艺术创作的核心困境。我特别关注了其中关于“身体性”在表演中的作用这一论述。作者没有停留在传统的肢体语言分析层面，而是深入挖掘了表演者心流状态下，身体如何成为意义的直接载体，超越了语言和符号的限制。书中引用的案例非常多元，横跨了戏剧、舞蹈乃至某种形式的体育竞技，拓宽了我对“表演”概念的理解边界。这种跨学科的引用，使得论证既坚实又富有活力，避免了陷入单一艺术门类的窠臼。我个人认为，理解了“身体如何述说”这一点，对于理解任何一种现场艺术的感染力至关重要。这本书的价值在于，它提供了一套强大的思维工具，让你能更深刻地解析那些震撼人心的瞬间，探究其背后的“为什么”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常有匠心，它并非线性的从A到Z的展开，而是采取了一种螺旋上升的讨论方式，每一章都在前一章的基础上深化和扩展了对“美学”的理解。其中关于“观众参与”和“期待管理”的部分对我触动最大。作者论证了表演的完成，一半依赖于舞台上的呈现，另一半则依赖于观众预设的知识结构和即时的情绪投射。它挑战了那种认为美学只存在于创作者一端的传统观念，强调了接收环节在构成最终审美经验中的决定性地位。这种互动论的观点，让我重新审视了自己在观看演出时的角色——我不再是一个纯粹的旁观者，而是一个主动的共创者。读完此书，我感到自己不仅对艺术有了更宏观的理解，更重要的是，它激发了我想要更积极地投入到每一次艺术接触中的欲望。这本书带来的不仅仅是知识的增长，更是一种积极主动的生命姿态的转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深沉的靛蓝色背景与烫金的书名相互映衬，散发出一种古典而又现代的韵味。我一拿到手，就迫不及待地翻开了扉页。初读几页，我立刻被作者那娓娓道来的叙事笔调所吸引，它不像那种刻板的学术论著，而是像一位经验丰富的老者，带着你缓缓步入一个充满灵性的殿堂。书中的文字密度恰到好处，既有足够的深度去探讨那些看似虚无缥缈的“美感”来源，又不至于让人在晦涩的理论中迷失方向。它似乎在试图解构我们日常生活中那些无意识的审美体验，将那些转瞬即逝的感动用精确却不失诗意的语言捕捉下来。我特别欣赏作者在描述那些具体的艺术现象时所展现出的那种细腻入微的观察力，每一个音符、每一次停顿、每一次舞台调度，都被赋予了值得玩味的意义。读这本书的过程，就像是在进行一次精妙的艺术考古，不断挖掘出潜藏在表演之下的深层结构。我感觉自己对“欣赏”这件事有了全新的认识，不再只是被动接受，而是开始主动参与到意义的建构之中。