心画 中国文人画五百年 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 卜寿珊（SusanBush）著皮佳佳译 著

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出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301287699

商品编码：20175090312

出版时间：2017-11-01

作  者:(美)卜寿珊(Susan Bush) 著；皮佳佳 译 定  价:58 出 版 社:北京大学出版社 出版日期:2017年11月01日 页  数:319 装  帧:精装 ISBN:9787301287699 ●中文版序言
●序言
●第二版序言
●北宋
●文人画的定义
●宋及宋以前的再现观
●诗画之较
●第二章北宋文人的观点
●苏轼
●黄庭坚
●董逌
●米芾和米友仁
●《宣和画谱》
●第三章
●金和南宋
●文人对中国南北方的影响
●传统文人主题
●赵希鹄
●第四章元
●文人艺术理论
●部分目录

内容简介

《心画：中国文人画五百年》是研究中国文人画的经典之作。《心画：中国文人画五百年》重要的贡献是还原了文人画的真实含义及其产生的社会环境。文人画在北宋产生之时，主要指的并非是一种鲜明的绘画风格，而是士大夫阶层对自身创作活动的一种认同和期许，并以此和那些职业画家划清界限。之后，经过南宋、元代、明代，文人画的概念不断变化发展，文人画与院画、画师作品之间的关系变得愈加复杂微妙。苏轼对于士人阶层的推崇，在董其昌的南宗北宗论中得到一种新的回响。本书以纵横开合、明暗相照的叙述结构展开，切入中国画的生成原境，以广阔而宏大的历史视角、对思想体系的社会历史背景的细腻分析、饱含思辨力和理论穿透力的笔触，清晰呈现了中国文人画理论的生发、演变与成熟的发展全貌。本书一经出版，在海外学界引起广泛关注,美国有名艺术史家谢伯轲、方闻、高居翰都曾引用其观点。本书成为海外美术史学生了解中国文人画理论的推荐阅读书。 (美)卜寿珊(Susan Bush) 著；皮佳佳 译 卜寿姗，美国有名艺术史家，现为哈佛大学费正清研究中心研究员。自上世纪60年代开始就一直致力于中国文人画研究。她的主要著作还有与孟克文（Christian Murck）合著的《中国艺术理论》。 第二版序言我感谢香港大学出版社再版这本书。这本书是在我1968年哈佛大学的博士学位论文基础上写就的。在中国艺术理论这一重要领域里，这本书过去一直作为有用的入门书，现在这本书依然能对学生们有所裨益，这让我倍感欣慰。我希望此书能激发人们对这一迷人领域的研究兴趣。按理我应该说这一切似乎都是奇迹般的存在。五十年前，我对13世纪早期金代绘画着迷，并以此作为论文题目，对这一时期的绘画理论著作进行研究，但未能通过论文答辩，我于是开始研究宋代文人艺术和理论，因为这些艺术和理论影响了金代的作者。到第二次论文答辩的时候，我已经完成了这本书前三章的翻译，同时，我被告知要就这一艺术理论继续写作，并拓展到明代。明代的材料卷帙浩繁，我无所适从，于是选择概述不同的流派，并分析艺术史的开端。我确实认为，我已经理清了中国绘画的历史发展进程。然而，评审并不太认同论文的这个部分，他们评价说这个部分缺乏诗意。承蒙恩惠，他们告知准等

好的，这是一本名为《心画：中国文人画五百年》的书籍的简介，内容详实，不含任何不应出现的信息。 --- 《心画：中国文人画五百年》内容简介 一、 导论：文人画的缘起与精神内核 本书旨在为读者构建一幅清晰的“中国文人画五百年”的宏大图景。文人画，作为中国艺术史中一个独特而辉煌的领域，其核心精神在于“抒写胸臆，不求形似”。它并非单纯的绘画技法探讨，而是士大夫阶层精神生活、哲学思想、审美取向与社会角色变迁的集中体现。 本章首先追溯文人画的源头，从魏晋时期的士人风骨，到唐代对“格物致知”的超越，明确界定文人画与彼时的“院体画”或“匠人画”在创作动机、艺术目标和身份认同上的根本区别。我们将深入探讨“逸品”观念如何在中国艺术批评体系中确立其崇高地位，以及“书画同源”的理论基础如何为文人画的笔墨语言奠定了基石。五百年的历史跨度，是以“心”为核心的艺术表达的不断深化与演变。 二、 早期形态的奠基：宋代的萌芽与元代的成熟（约1000年—1400年） 宋代，尤其是在苏轼、米芾等人的倡导下，文人画开始形成其明确的理论框架。他们批判院体画的过度写实与拘谨，提倡绘画应是“文人”的副产品，是“无意”之作。本部分将聚焦于苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫俗子同”的观点，以及米芾在山水画中对“墨戏”的探索，这些都是文人画精神内涵的早期显现。 然而，元代的“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙，才真正将文人画推向成熟的高峰。面对异族统治下的政治失意，他们将山水视为寄托，将笔墨视为精神的避难所。倪瓒的“聊为逸笔”，以极简的笔墨和疏朗的构图，展现了对世俗的疏离与内心的洁净。本章将细致剖析这四位大师的风格差异及其对后世文人画图式的影响，揭示元代文人如何通过水墨的“写”性，完成了对个体精神世界的构建。 三、 明代的流变与流派纷呈：复古、创新与地域性 明代文人画的格局更为复杂，既有对元代传统的继承与发扬，也出现了重要的流派分野。 （一）吴门画派的鼎盛：以沈周、文徵明为代表的集大成者。 沈周的浑厚、文徵明的雅正，构成了明代初期文人画的“正统”面貌。他们融合了南宋院体与元代笔墨的优点，使之更具可观赏性和规范性，但同时也面临着艺术生命力是否被“程式化”的风险。 （二）晚明的“奇肆”与个性解放。 以董其昌为理论核心，晚明文人画进入了对笔墨游戏和形式探索的新阶段。董其昌提出的“南北宗论”，虽然带有强烈的时代局限性，却深刻地影响了后世对文人画历史的梳理与评价。他提倡“以书入画”，强调墨色的层次变化和笔法的意趣，使得文人画的抽象性和表现性达到了新的高度。同时，徐渭的“狂放派”以其强烈的个性和颠覆性的笔触，挑战了传统文人画的儒雅界限，预示了未来艺术的张力。 四、 清代的哲学回归与集古之大成 清初，文人画面临着“故国之思”和新的学术思潮的挑战。 （一）“四僧”的叛逆与超越： 弘仁、髡残、八大山人、石涛等人，是明清易代之际士人精神的极端体现。八大山人的“笔墨皆我”，以极端简练和象征性的形象（如白眼鱼、空花鸟）表达了对时代巨变的深刻体验。石涛则高举“我自家笔墨”的大旗，批判僵化的“古人成法”，强调“搜尽奇峰打草稿”，将文人画的创造性推向了新的高峰。 （二）正统的再确认： 以“金陵画派”和“扬州画派”为代表，清代中晚期对文人画的理论梳理和技法总结达到了历史的顶峰。评论家如笪重光、邹一 কেনার等人，对笔墨结构进行了精密的分析。这一时期的特点在于，对元明时期经典范式的学习和消化达到了极致，许多画家致力于在传统中寻找新的平衡点，使得文人画的技法体系臻于完备。 五、 走向近现代：文人画的现代转型与挑战 进入晚清至民国时期，在西方现代艺术思潮的冲击下，传统文人画面临生存与转型的困境。 （一）海派的融合与世俗化： 以吴昌硕为代表的海派画家，以篆刻的刀法入画，将金石入画的传统推向极致，色彩也趋于厚重和明丽，显示出对传统水墨的革新和对市井趣味的吸收。 （二）“南张北齐”的坚守与变革： 张大千对传统笔墨的全面继承与创新，以及齐白石对民间艺术和写意精神的回归，标志着传统文人画在世纪之交的最后一次辉煌。他们一方面坚守了文人画的抒情本质，另一方面也开始尝试应对新的审美需求，为文人画的未来探索了方向。 结语：永恒的“心画” 五百年的文人画史，是一部关于中国士人如何通过水墨、笔法、留白来构建精神家园的历史。它记录了从哲思冥想到政治失意，从隐逸情怀到艺术探索的全部历程。本书将通过详尽的图像分析和理论梳理，展现文人画如何从一种技艺，升华为一种深刻的东方人文精神的载体，其核心价值——对自然、人性与艺术本真的不懈追求，至今仍具有强大的生命力。

评分☆☆☆☆☆

我最近接触到一本关于明清时期江南士绅阶层物质文化变迁的史学著作，这本书的侧重点在于探讨“尚雅”风气如何从精英阶层渗透到市民阶层，并最终催生了精致的日常生活美学。作者从一把紫砂壶、一套昆曲的服饰、甚至是一份食谱的记载中，都能抽丝剥茧地还原出当时社会阶层之间的微妙互动和文化消费心理。特别有趣的是，书中有一段专门分析了“收藏癖”的兴起，指出这背后隐藏着对士绅身份焦虑的补偿机制。这种细致入微的研究方法，彻底颠覆了我过去对“富裕”与“品味”之间关系的刻板印象。它告诉我，审美从来都不是孤立存在的，而是紧密镶嵌在经济基础、社会结构和身份认同之中的复杂产物。读完后，我对日常生活中那些看似不经意的器物，都多了一层历史的敬畏感。

评分☆☆☆☆☆

这部画册的装帧设计实在让人眼前一亮，那种低调的奢华感，纸张的质感拿在手里沉甸甸的，完全不同于市面上那些流水线产品。内页的印刷水准更是没得说，色彩还原度高得惊人，即便是放大细节去看那些墨色的浓淡变化和皴法的细腻之处，也丝毫没有失真。我尤其欣赏他们对于留白的处理，那种恰到好处的空白，仿佛能让人感受到空气的流动和画中意境的呼吸。每一次翻阅，都像是在进行一场安静的仪式，心绪也随之沉淀下来。装帧的布局设计也很有章法，每一幅作品前的引言或者题跋，都经过精心排版，既不会喧宾夺主，又能起到很好的导读作用。这套书的制作工艺，无疑是为中国传统艺术的展示，树立了一个新的标杆。光是摆在书架上，它本身就是一件值得品味的艺术品，散发着一种经得起时间考验的厚重感。那种对细节的执着，让人深切体会到出版方对于“美”的追求，绝非仅仅停留在内容层面，而是贯穿到了材质、工艺的方方面面。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了一种非常小众的古代文学研究方法，专门探讨宋代文人士大夫在日常书信中对“闲适”状态的哲学建构。这本书（指我正在读的另一本书）的作者，对于当时士人阶层如何通过对园林艺术的鉴赏来实践“出世与入世”之间的微妙平衡，有着非常独到的见解。他引用的史料极为丰富，比如从苏轼的尺牍到米芾的笔记，描绘出一种在权力中心挣扎却又渴望精神自由的复杂心境。书里关于“清谈”的章节尤其精彩，细致剖析了那些士人如何在雅集上，通过诗词唱和来确立自己的审美标准和社会地位。这种对日常行为的深度挖掘，远比单纯的文本解读要来得生动和立体。它让我重新审视了那个时代知识分子的生存状态，不再是扁平化的标签，而是充满矛盾和张力的个体群像。对我个人而言，这本书提供了一个全新的视角，去理解“文人”这一身份背后的文化重量和实践困境。

评分☆☆☆☆☆

说起我最近在听的一套关于欧洲古典音乐鉴赏的系列讲座，那简直是打开了我对巴洛克时期复调音乐的全新理解。主讲人是一位功底深厚的音乐史学家，他摒弃了传统的作曲家传记模式，而是着重从当时的宗教改革、宫廷赞助制度和乐器制造技术的进步这三个维度来解构音乐的产生机制。他用非常生动的语言描述了赋格曲的结构，那种层层递进、相互缠绕的旋律线索，被他解析得如同观看一场精密的外科手术，逻辑清晰却又不失艺术的灵动。最让我受益的是他对“装饰音”的阐释，指出那并非多余的点缀，而是作曲家与演奏者之间即兴对话的契约。听完这个系列，我再回头去听巴赫的《哥德堡变奏曲》，感受已经完全不同了，不再是单纯的旋律享受，而是一种对理性与情感完美融合的深刻体悟。

评分☆☆☆☆☆

购买的这本关于西方现代主义建筑思潮的译著，读起来感觉像是在攀登一座知识的迷宫，结构之复杂精妙，让人不得不佩服译者和原作者的思维能力。它没有停留在对柯布西耶或密斯·凡德罗的生平介绍上，而是深入剖析了“功能主义”如何在社会变迁的压力下，一步步走向自身的反思与突破。书中对“包豪斯”理念的介绍，尤其令人印象深刻，它不仅仅是关于设计美学的革新，更是一场社会乌托邦理想的实践尝试。作者极其擅长用辩证的眼光去看待历史事件，比如“国际风格”在不同文化语境中的水土不服，被阐述得淋漓尽致。阅读过程中，我需要频繁地查阅交叉引用和注释，但这并不是负担，反而是被引导着去探索更广阔的知识领域。这本书的阅读体验是高强度的脑力激荡，每一次读完一个小章节，都感觉自己的认知边界被拓展了一圈。