具体描述
编辑推荐
在书中看尽美术馆的前世与今生；在美术馆中领悟艺术的表与里。让一切与艺术有关的行为更有意思，更有意识，更有意味。
内容简介
《美术馆十讲》是作者唐克扬作为对现当代艺术理论颇有功底的建筑设计师，在过去的数年中搜集大量有关中外美术馆资料的基础上，对美术馆这一“文化实体”所进行的鞭辟入里的解析。《美术馆十讲》可以作为当代美术馆建筑的一本入门读物，它并非就美术馆的建筑作品本身泛泛而谈，也不试图定义美术馆是什么。相反，本书将视角对准作为一种文化意象美术馆，提出了十个与美术馆相关的话题，细述其在当下中国语境、艺术史、现代城市文明乃至中西文化比较等题域中的独特意涵。通过对美术馆建筑与城市文明的互动关系，切入现代艺术思想史的核心——个体创作与公共生活之间的关联、艺术与自然的互动，时间与空间的交错。本书将为美术馆的策划，建设与使用提供有益的参考。
作者简介
唐克扬，北京大学比较文学硕士，芝加哥大学获艺术史硕士，哈佛大学设计学院获设计学博士。他既从事策展和学术研究，也是一位建筑设计师。主要展览包括在故宫举办的的“典藏与文明之光”特展，2010年威尼斯建筑双年展中国馆，以及在奥古斯都的夏宫举办的“活的中国园林”特展等。作为一位有着跨学科背景的实践者，他的作品从展览策划、博物馆空间设计到建筑史和文学写作，有着别具一格的多样性。他目前主持着中国美术馆的建筑与艺术研究项目，并在数所大学任教。已出版《从废园到燕园》《纽约变形记》等。目录
缘起美术馆之路
1 “潜影”
中国美术馆的前生今世
2 从市场到庙堂
西方展出空间小史
3 美术馆的建筑类型学
“高等建筑”和大众艺术的啼笑因缘
4 “看”的艺术
空间里的美术和图像
5 行动的艺术
心，眼，手，腿
6 当大师遇见大师
建筑和艺术的遭遇战
7 轻如泰山，重于鸿毛
展览空间的物质性和非物质性
8 自然中的艺术，自然中的建筑
是世界展览了我们，还是我们展览了世界
9 美术馆和记忆
时光是无尽的展线
10 去美术馆吃早餐
城市中的特殊空间
尾声
中国明天的美术馆
前言/序言
缘起美术馆之路
缘起：美术馆之路
似乎任何和“文化”紧扣的事体，都免不了一方面充满魅惑，一方面又需要冷静的眼光和反思的头脑，“美术馆”这样事物在二十世纪末中国的兴起也是这样。
人们总想赋予美术馆明确的定义。可是，变成一个经意构造的文化场后，它不仅赋予人群某种共识，籍此也彰显了他们分歧的世界观——就像结晶的过程，一旦晶体从饱和溶液中析出了，它看上去就和它的环境显得如此的格格不入。当代中国艺术的理论声称让文化植根于它生长的土壤，在实践中却时时将它带离这个星球。在西文世界里，“博物馆”似乎并不是什么了不起的事物，人们的心目中，“museum”和“fine art museum”也并没有什么特殊的区分，但是中国现下的“美术馆”相系的确实是一类特殊的人群和特殊的风尚，就算是古代文物，一旦成为“美术”和“艺术”，放在“museum”里面陈列之后，它也断然染上了别样的色彩。
在“艺术圈”的忙碌人群中是看不到美术馆之外的世界的，因为他们的眼光免不了还是种孤芳自赏，套用那句大俗话，他们“不在美术馆，就在通往美术馆的路上”。
我在生平的第二十二个年头才有机会走在这样的路上，那是在如此的文化方兴未艾的时节。我还记得那是校尉胡同的老中央美院，一个寒冷的冬天，从北京大学所在的海淀区到王府井，需要搭乘公共汽车，转换2号线地铁，然后再步行一段，才能找到我所想要去的展厅。中央美术学院毗邻美国传教士在二十世纪初叶设计建成的协和医院，由张开济在三十多年后设计建成的校舍的风格与之类似，它折衷中西的空间和美术展览的功能似乎并不完全匹配，但是跨进展厅的那一瞬间，必须说，我着实感受到了后来我在各种“museum”中体验到的东西。空间里的气氛是我不熟悉的：外省青年和优雅的艺术家“女主人”的短暂目光交接，是好奇心和好奇心的碰撞，但是其中并没有什么交流的可能性，不时有路边的过客掀开棉布帘子进来，却很少有熟人间的对话，人们沉默地进入，又沉默地离开，我翻开展厅的留言簿，并没有看到什么针对作品本身的只言片语。
通往美术馆的路是会是有前提的——这样的造访不太可能仅仅是偶然，在我们与它相约之前，我们必须问自己这样的问题：美术馆在哪儿？我们究竟要在美术馆中看到什么？大多数美术馆并不“事先”存在，在它们匆忙地建成之前，或者在与它们不期而遇之前，大多数人对这类文化空间的功能并无太多心理预期——至少对于大多数非专业的观众而言，观摩“原作”的现场并不如身临“艺术”的现境更重要，因为很少“原作”的意象会在他们心中牢牢扎根，他们来到美术馆其实是看人，而不是看作品。尤其是在当代中国，美术馆已经成了一种混杂的主题公园样式，或者，套用德斯蒙德·莫里斯（Desmond Morris）评论纽约的话说，在此美术馆是一个圈养着人类的动物园。
对一个来到陌生城市的访客而言，美术馆首先是一个显赫的地点，它占据着大多数西方城市的中心地位。20世纪，当中央公园在1817年纽约规划中的密仄格栅中卓然自立的时候，这块特殊的城市预留地里唯一的大体量建筑物就是大都会博物馆；芝加哥有类似情况，“中环”（loop）湖滨的密歇根大道以东没有任何建设，只有芝加哥艺术学院的陈列馆（芝加哥艺术馆）。更不用说那些年代更为久远的欧洲美术馆，在柏林的老城城址上建成的老国家画廊得之于弗里德里希大帝的直接授意。建成较晚的美术馆不一定能挤进寸土寸金的市中心，但即使如此，它们依然被当成都市复兴或是缙绅化（urban gentrification）的重要手段：从一开始，由妹岛和世设计的纽约新美术馆就被当成改造向来破敝的包厘街（Bowery Street)地区的关键环节。
但是这个地点是一个模糊的地点，美术馆只有成为一种形象（image）之后才能更清晰地在城市中存在，也方便访客的识途。西方建筑学之中，建筑物的形象首先是指它的外部“立面”（fa?ade）。这种外在的“形象”和我们在艺术史中所说的“具象”（figure）是有区别的，建筑和艺术——自然主义或非自然主义的艺术——的很大不同，在于它不以“相似”为意，对于凯文·林奇（Kevin Lynch）而言形象就是“个性，结构和意蕴”的综合体。形象，是因特定意涵的“观看”才从懵懵懂懂的环境之中脱离出来的，由于某种“如画”（picturesque）的品质和内涵使得观看的主体和客体彼此脱离，城市不再均质。在这个意义上的美术馆不仅和当代艺术也和古典艺术有关，后者更强烈地表达了“框外”和“框内”的不同涵义，暗示了凝视（gaze）的文化根基所在。
自然，当代的美术馆设计已经不拘于静态的、二元的“观看”了，比如瑞士建筑师彼得·卒姆托的名作布列根茨美术馆，在那里建筑被有意识地遮蔽，却又并不完全封闭，由于半透的，滤镜式的建筑表皮，它的形象现在是一种介于有和没有之间的存在，虽然不能使你看到什么却的的确确改变了你的“看法”，这点和古典建筑并无二致。所以有形的“框景”（framing）之后紧随着无处不在的“成像”（imaging），它们都是当代美术馆的核心观念。
由于这种确凿无疑的形象的魅惑，美术馆本身成为美术“作品”的一种形式——也许从此开始，我们应该更加考究我们的用词了，除了“美术馆”和“博物馆”的区分，到底是“美术馆”还是“艺术馆”？每种表述都有特定时空的前提，它们使得“看见”和“看到”成为不同的“看法”——对于一个造访者而言，仅仅是“看见”是没有意义的。
在中国，只是最近人们才更多地提到“艺术”（art）而不仅仅是“美”术（fine art）。就像英文里博物馆不易和美术馆区分一样，“美术”领先“艺术”率先出场，反映出中国美术馆内向、远离的原初语境。现代教育家蔡元培主张“以美育代宗教”，在解说了“美育”比“美术”更宏阔的基础上，他提到起教化作用的美育“使参与的人有超出尘世的感想”——就像反对此说的吕澂所言，如此的“美术”观是“人生的反面”，是现世中的孤岛；相信“美术是上流社会的宗教”（王国维）的人们，一开始就让美术馆中的公共性有些匮乏。于是，中国的“美术馆”听起来就是演奏室内乐的音乐厅，而不是奥林匹斯神庙露天的半圆形剧场；更有甚者，由于中国传统建筑和城市特点的习染，它既缺乏清晰可见的“立面”，也没有内部的空间层次而导致的截然的“透明性”。在不知当代艺术为何的前提下，大多数中国建筑师笔下的当代美术馆是孤悬于城市中的封闭的堡垒。
现代城市中的美术馆不再是独立的飞地，它和城市的联系值得细究。首先，“城市”是复数的系统，美术馆辐射周边区域，它们既是人心的海洋中的离岛，也是城市文化交通中的经停站。不用说华盛顿的mall，柏林的博物馆岛，即使在纽约这样的私人城市，大都会博物馆的周边也有星罗棋布的画廊。这也就是为何艺术总喜欢在“艺术区”中存在，强调个性的艺术家们却总爱“一起孤独”——除了“城市中的美术馆”也可能是“美术馆即城市”，除了由众多单体凑成的大型“系统”（SoHo，798），在自身规模也日益膨胀的当代城市中新建的大型“艺术综合体”也越来越多了，按照库哈斯的说法，当代空间中的“大”（bigness）既是必要的也是必然的，在其中艺术展示并不一定是唯一的、最主要的功能。对于我们篇首所提到的那种“人工文化”而言，传统欧洲城市的小型城市组织已经不敷使用了，新的“大”并不追求和它的环境协同，因为它自身就构成了自身的情境。只要自身的规模容量足够，美术馆成为“析出的晶体”并不是什么坏事，它的形象越饱满鲜明，它对于城市的贡献就越大。
如此，在大都会的茫茫九衢中，一个来访者找到这样的美术馆也许并不算难，难在如何得其门而“进入”。无论如何，对于每个个体而言，美术馆不仅是一个地点，一种公共形象，一个场域——以上都是以“集体”的面貌出现的——也是一个具体的“终极的空间”，而且是一类“私人空间”，需要落实到单数的眼睛和心灵。这样的空间并不排斥其它的属性，例如它也自有它的“形象”，也许是某种隐约其辞的“私人形象”——但是“私人形象”这个说法听起来又是不易成立的。它揭示着美术馆与生俱来的自我矛盾性，甚至大多数人所鼓吹的“公共性”的滋生也莫过于此：公共性恰恰产生于当代社会对于个性的承认，但是艺术对人们心智的系统催化却又不能不籍由某种体制化的方式来完成。由集体和个性之间的摇摆，当代美术馆既是大街上的响亮宣言，也是一个陶冶性情、沁润其中的容器，它最终的包容性难免隐藏了它着力揭示的社会矛盾和冲突。
除了它显见的庄严和喧嚣，美术馆的深处其实有个不可见的虚空，那是一类静默的、思考的空间，这是不太引人注目的方面。从初次跨进校尉胡同的老美院展厅的那刻，我就发现了这个秘密；表面上“公共”的当代艺术，其实又立即是羞涩的和“私人”的，在艺术和观众之间有些话未便当面提起，需要转过头去交代。
于是，美术馆自身也是一条引领人们心智的道路——我们谈到的“道路”不仅仅关于长途跋涉到它门前的那条。在传统的想象中美术馆是一座万水千山外的圣殿，贝聿铭设计的美秀美术馆，需要换乘好几种交通工具才能到达，最终还只能步行进入，它便是如此圣殿的典型事例；可是，在当代城市中，为了打破静态的展示和动态的生活之间的壁垒，人们不能不时刻“穿行”在美术馆所创造的思想领域之中，不光是专程去那里朝圣。这种貌似不可思议的“穿行”有那么几个办法：
——美术馆不仅是一个抽象的地点（locale）也可以是一个有其广度的场域（field）（如此就可以把“点”和“面”合为一体）；
——美术馆的“形象”不仅是外在的也可以是内在的（如此就打破了集体和个人之间的樊篱）；
——美术馆不仅是一种特别的文化空间，也是一种文化事件的统称（如此，既可以在美术馆，也可以同时在去美术馆的路上）
大众心目中的美术馆似乎和“画”绑定，它本身的建筑类型甚至被称为“画廊”（gallery，准确地说，英文的“galleria”，暂且翻译成“艺廊”，并没有“画”这个字面含义，把它和“画”拉上关系又体现了中文的情境），可是，和通常想象的类型学不同，“画廊”其实并不能导致一种“画”的至上地位，当代的美术馆不再是一种“静观”，观众观看的方向和行进的方向总是互相垂直，使得传统的自然主义艺术的幻觉性再现失效。美术馆不再是一座“私人的万神庙”，一座充满而盈溢的容器，不断曲折导引的道路，让这容器的意义出漏了。
“路”可能是艺术史最青睐的题材之一，罗马人的早期壁画或是达芬奇的明暗风景里通常画不出清晰连贯的小径，当“空间”在“运动”中浮现时，古典绘画的主题就为观众可以追随的幻觉性道路所锁定——无论是霍贝玛的《杨树林荫道》 列维坦的《弗拉基米尔之路》还是我们熟悉的《毛主席去安源》。可是恰恰是展示这些作品的“画廊”把观众的身心拖离了这些道路——两条路，一条是眼前，还有一条是现实中的，一条是冥思之路，另一条则是不得不面对的当代文化的事实：人工的“艺术”所营就的特殊的仪式性场所，已经和世俗性的人生走向分离了——随性而聚，亦随风而散。
这就是篇首我们提到的那种情形的意义，人们并不是因为走向美术馆才变得“文艺”，在开始这条追寻之路之前，他们的生活已为另一种更大的情境所锁定，你可以说这种情境是“非”美术馆的部分，但你也可以说，美术馆之路从那里就已经开始。
除了展览之外，一个大型美术馆的功能至少包括以下的部分：沉思（最“高级”的选项），教谕（最“民主”的美术馆也不会去除这一项），教育（平等的“教育”和“教谕”往往相反），交流——最后这一项被看做当代美术馆的最新发展。就在可见的将来，或许会有和今天完全不一样的风尚，在美术馆吃个“知性的晚餐”和“在蒂芬妮吃早餐”一样通俗。用不着特别惊奇，这些“逛美术馆者”（museum goer）根本用不着去“看展览”。
对大多数走进美术馆的人们而言，他们只是不停地走过某些作品，最终将它们统统遗忘。
用户评价
我是一个习惯于快速获取信息，但又追求深度理解的读者，这本书的阅读体验恰恰满足了我这种矛盾的需求。它的语言风格在保持学术严谨性的同时，做到了惊人的流畅和易懂。很多关于美学理论的书籍，往往会在深入探讨“形式美学”或“现象学阐释”时，用上大量的哲学术语，让人读得气喘吁吁。然而，这本书的作者似乎有一套独到的“翻译”能力，他能用最朴素的语言，精准地传达出那些复杂的艺术理论内核。比如，当他谈及“非物质性”在抽象表现主义中的体现时，他没有陷入无休止的定义之中，而是通过描述观众面对一幅巨大画布时产生的身体感受和心理反应，让“非物质”的概念变得可触可感。这种将抽象概念具象化的能力，极大地降低了阅读门槛，让更多对高深理论望而却步的人也能从中获益，真正实现了知识的普及与升华的统一。
评分这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那硬挺的布面材质，带着一种沉静的历史感，触手可及的质感让人爱不释手。封面那幅抽象的色彩构成，大胆而又和谐，初见时如同迷雾中的灯塔，引人深思。内页的纸张选用也颇为考究，米白色的纸张不仅保护了视力，更衬托出其中印刷的那些精美图片，即便是最细微的笔触也能清晰可见，这对于需要细致观察的艺术书籍来说，无疑是加分项。更值得称赞的是，它的开本设计得恰到好处，既方便手持阅读，又能在展开时提供足够的空间来展示那些鸿篇巨制，那种将艺术品“请”进书页的用心，可见一斑。我特意翻阅了它关于色彩理论的那几个章节，作者似乎对不同时期画家对光影的处理有着独到的见解，尤其对比了印象派和后印象派在捕捉瞬间光线时的手法差异，文字间的张力似乎也模拟了画面本身的动感，让人仿佛能透过文字感受到莫奈花园里那湿润的空气和塞尚画作中坚实的结构感。整体而言，它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件经过精心打磨的艺术品，值得收藏和细品。
评分我是一个对艺术史抱有强烈好奇心，但又时常被晦涩的学术术语劝退的“伪门外汉”，这本书的叙事方式简直是为我量身定做的解药。作者的笔触轻盈而富有洞察力，他并没有将艺术史变成一个枯燥的年代事件串联，而是将每一件重要的艺术作品视为一个独立的“故事”来讲述。例如，在描述文艺复兴时期的人体解剖学进步时，他巧妙地融入了当时佛罗伦萨的社会风貌，解释了为什么“完美的人体”会成为艺术的中心主题，这种深挖背景的叙述，让冰冷的雕塑和画作瞬间有了温度和呼吸感。特别是对那些传世名作的分析，作者总能提供一些非常规的解读角度，而不是简单地重复教科书上的标准答案。他会引导读者去关注那些被忽略的细节——比如某幅宗教画背景中一朵不起眼的花的象征意义，或是画家如何通过调整透视线来暗示人物的社会地位。读起来，完全没有那种“被教育”的感觉，更像是一位博学的、健谈的朋友，带着你漫步在历史的长廊中，随走随聊，收获颇丰。
评分这本书的结构编排处理得非常精妙，它不像传统艺术史那样严格按照时间线索死板推进，而是采取了一种主题性的、流动的视角。我发现它在探讨“空间与透视”时，将跨越了中世纪到现代的案例进行并置对比，这种跨越时空的对话，极大地拓宽了我对艺术语言演变的理解。比如，他如何将早期文艺复兴的线性透视法，与后来立体主义对二维平面的回归进行对比，这种纵横交错的梳理，让学习的脉络更加清晰，避免了知识点的碎片化。更让我惊喜的是，作者似乎非常注重艺术与科技发展的关联性。他用一段篇幅详尽地分析了油画媒介的革新如何直接影响了巴洛克时期光影的戏剧性处理，以及后来摄影术的诞生对写实主义绘画产生的颠覆性冲击。这种宏观与微观结合、艺术与技术相互作用的分析框架，使得整本书的论述体系异常坚实和具有启发性，读完后，你对艺术史的理解不再是孤立的，而是一个相互影响、不断迭代的动态过程。
评分这本书在处理不同文化背景下的艺术表现时，展现出了极高的包容性和对比性。我尤其欣赏它没有将西方艺术史作为唯一的标准范本，而是穿插了大量关于东方，特别是早期亚洲艺术的精彩论述。它在比较日本浮世绘对十九世纪欧洲版画的影响时，不仅仅是简单地指出“借用”，而是深入分析了浮世绘中那种独特的“空气感”和边缘线的使用，如何契合了当时欧洲艺术家对打破古典束缚的渴望。这种平视的、跨文化的视角，使得全书的视野变得极为开阔。在探讨“象征主义”的章节里，作者将欧洲的象征主义与中国文人画中的“写意”精神进行了巧妙的对接，指出两者在追求“言不尽意”这一共同美学目标上的殊途同归。这种全球化的视野，让阅读不再局限于某一个地理区域的艺术演变，而是变成了一场关于人类共同美学追求的探索之旅，极大地丰富了我的认知地图。
评分还没看，送货是很及时的
评分还没看，送货是很及时的
评分希望京东多搞一些活动 多给一些京豆
评分希望京东多搞一些活动 多给一些京豆
评分美术馆十讲
评分这书看看对美术馆会有基本了解，不错
评分真写的着实太飘了，翻译体
评分好吃
评分美术馆十讲
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