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店铺： 东润堂图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103036334

商品编码：27693900055

出版时间：2013-07-01

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讲 立式钢琴的结构
第二讲 常用音乐术语
第三讲 音高和频率
第四讲 琴弦振动和泛音列
第五讲 拍音和音分
第六讲 调律工具
第七讲 调律的姿式和握扳子的方法
第八讲 运扳技巧——如何转动和控制扳子
第九讲 中音同度练习
第十讲 高音同度练习
第十一讲 低音同度练习——泛音列的应用
第十二讲 音同度练习——假拍的消除
第十三讲 练习用“五度相生律分律法”
第十四讲 中音八度练习F4—E5)
第十五讲 高音八度练习F5一E6)
第十六讲 低音八度练习F2一E3)
第十七讲 音八度练习A0一E2)
第十八讲 音八度练习F6一C8)
第十九讲 原始的四、五度循环分律方法一)
第二十讲 原始的四、五度循环分律方法二)
第二十一讲 原始的四、五度循环分律方法三)——双向循环方法
第二十二讲 设立两个辅助标准的分组循环分律方法
第二十三讲 刘氏相对分律法
第二十四讲 视觉调律选读)
第二十五讲 调律误差的控制——调律检验
第二十六讲 音板的变形和粗调
第二十七讲 钢琴调律的音准稳定性
第二十八讲 钢琴调律的劳动保护

内容提要

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24.0px;">《钢琴调律与有关技术（修订版）》早成书于1917年，后在多次再版中做了修订补充。中文版译自1971年第五版第13次印刷本。书中内容从基本原理、有关知识和数据，到各种问题的症结及解决方法和操作要领等均有、翔实、准确的阐述，章节布局分明，检索方便。《钢琴调律与有关技术（修订版）》不仅有助于培训和提高调律人员的技术水平，也可为多数钢琴拥有者掌握这门技术提供参考。

好的，这是一本关于音乐理论和实践的综合性书籍的简介，内容涵盖了音乐历史、作曲技巧、演奏指导以及录音工程等多个方面，旨在为音乐学习者、表演者和爱好者提供深入的学习资源。 --- 书名：《和声的织锦：从巴洛克到现代的音乐语言探索》 简介： 本书旨在为音乐学习者、专业乐手和资深爱好者提供一套全面而深入的音乐语言学习指南。我们不再仅仅关注单一乐器或特定技能的培养，而是将视角拓宽至音乐创作、分析与实践的广阔领域，力求构建一座连接历史传统与当代创新的桥梁。本书的编排结构旨在引导读者循序渐进地理解音乐是如何被组织、表达和感知，从而提升其音乐素养和审美能力。 第一部分：西方音乐的基石——历史与理论的交汇 本部分将带领读者穿越音乐史的长河，深入剖析不同历史时期（从中世纪的单音音乐到巴洛克的复调艺术，经由古典主义的结构清晰，直至浪漫主义的情感喷发）音乐风格的演变及其背后的文化驱动力。 1.1 音乐的源头与早期发展： 我们将探讨早期记谱法的出现、格里高利圣咏的特征以及奥尔加农等复调音乐的初步探索。理解早期音乐如何奠定西方音乐理论的基础，特别是调式系统的演变。 1.2 巴洛克时期的辉煌： 重点解析巴赫、亨德尔等大师的作品，深入研究对位法、赋格曲的严谨结构，以及通奏低音（Basso Continuo）在和声进行中的核心作用。本书不仅分析了这些作品的表面结构，更探究了其内在的逻辑与情感张力。 1.3 古典主义的规范与突破： 分析海顿、莫扎特、贝多芬如何将奏鸣曲式推向成熟，如何平衡旋律的优美与结构的平衡感。本节将详细拆解主调音乐的写作原则，以及主题发展（Thematic Development）的精妙手法。 1.4 浪漫主义的个体表达： 探讨音乐如何成为个人情感的载体，和声语言如何变得更加丰富和不协和。从肖邦的室内乐到瓦格纳的戏剧音乐，我们将分析增六和弦、变化和弦以及调性模糊化对听觉体验的影响。 第二部分：深化理解——和声、对位与配器法 这一部分是本书的理论核心，侧重于音乐“构建材料”的精细操作和应用。 2.1 进阶和声学： 超越基础的三和弦与七和弦，本书详尽阐述了九和弦、十一和弦的构成与功能，以及转位和弦在流畅进行中的应用。特别辟出一章专门讨论“不协和音程的处理与解决”，旨在教授读者如何有意识地使用不协和音以增强音乐的表现力，而非仅仅视为需要解决的“错误”。 2.2 对位法的艺术： 本章以严谨的帕莱斯特里那风格对位法为基础，循序渐进地引入更自由的巴赫式对位。我们不仅讲解“模仿”与“自由对位”的规则，更重要的是指导读者如何在复杂的织体中保持声部的独立性与和谐性。 2.3 键盘与管弦乐配器法： 针对器乐的物理特性和音色特点，本书系统介绍了各种乐器的音域、音色特性及其在和声织体中的最佳位置。我们将通过具体范例，指导读者如何为小型合奏团或完整管弦乐队进行有效的配器，确保清晰度与力度平衡。 第三部分：现代音乐的语境与实践 随着二十世纪的到来，音乐语言经历了剧烈的变革。本部分将聚焦于这些新的创作手法及其背后的哲学思考。 3.1 印象主义与世纪之交的和声实验： 德彪西和拉威尔如何利用全音阶、五声音阶以及对调性中心感的削弱，营造出“色彩化”的听觉效果。分析其非功能性和弦的运用。 3.2 结构主义与无调性音乐： 深入解读荀伯格的十二音体系（Dodecaphony）的严密规则，包括音列的组织、转换（Inversion）与逆行（Retrograde）。同时，对比分析了巴托克等作曲家如何从民间音乐中汲取灵感，构建独特的民族现代风格。 3.3 节奏的解放与复调的回归： 斯克里亚宾、斯特拉文斯基等音乐家如何突破传统的拍号限制，引入复节奏（Polyrhythm）和非对称节奏型。探讨在现代音乐中，节奏如何成为独立的、具有结构意义的元素。 第四部分：音乐的记录、再现与分析 理解音乐的创作意图后，下一步便是学习如何准确地记录和高质量地再现这些作品。 4.1 乐谱制作的规范与精确性： 详细指导专业级的打谱技术，包括记谱法在不同复杂情况下的选择（如复杂节奏、特殊记号）。强调清晰的乐谱是有效沟通的必要前提。 4.2 声音的物理学与听觉心理学： 本章简要介绍了声波的基本属性（频率、振幅、泛音），以及人耳如何感知音高、响度和音色。这为理解混响、均衡和动态处理提供了必要的科学背景。 4.3 音乐作品的批判性分析方法： 提供一套结构化的分析框架，指导读者从主题动机、和声句法、曲式结构等多个层面去解构一部音乐作品。重点训练“听觉分析”能力，将听到的声音与抽象的理论概念进行有效连接。 总结： 《和声的织锦》不是一本简单的“食谱式”教程，而是一次对音乐思维的全面重塑。它要求学习者投入时间去聆听、去分析、去实践。通过对历史脉络的把握和对技术细节的精研，本书旨在培养出不仅能演奏、更能深刻理解音乐内涵的全面音乐工作者。无论是希望精进自己作曲技艺的创作者，还是渴望提升演奏理解深度的乐手，都将从本书的广博内容中获得丰厚的滋养。

评分☆☆☆☆☆

我手里有一本关于管弦乐队配器法的参考手册，简直是现代作曲家的“兵器谱”。这本书的结构设计非常清晰，从木管组的音色特点、音域限制，到铜管组的能量爆发点和弱奏的控制难度，再到打击乐器群的色彩运用，分门别类，讲解得丝毫不含糊。它不像有些教材那样空泛地谈论“音色搭配”，而是给出了大量的“如果-那么”的实用建议。比如，它会详细分析长笛在高音区与单簧管中音区交织时可能产生的“空气感”差异，以及如何通过细微的力度变化来消除这种不协调。我尤其欣赏其中关于“层次感构建”的部分，作者用图表的形式展示了不同乐器声部的堆叠逻辑，从根音到填充音，再到色彩装饰音，每一步都有理有据。这本书最大的价值在于，它不是教你“写出什么”，而是教你“如何用现有的乐器组合，最大化你的音乐意图”，对于希望让自己的作品听起来更“饱满”和“专业”的创作者来说，是必备的工具书。

评分☆☆☆☆☆

最近沉迷于一本关于爵士和声学的解析集，它完全颠覆了我对传统大小调体系的认知。这本书没有像传统乐理书那样从基础三和弦讲起，而是直接切入了爵士乐特有的延伸音和替代和弦的复杂世界。作者用非常直观的方式解释了Tritione Subsitution和Chord Scale理论，那些过去看起来像是“随机变化”的和声进行，在作者的笔下立刻变得逻辑严密、有迹可循。书中大量的真实乐曲片段分析，特别是对Miles Davis和Bill Evans的即兴段落的拆解，简直是打开了新世界的大门。它不仅告诉你“这个和弦怎么用”，更重要的是告诉你“为什么用这个和弦”，背后的色彩和情绪暗示是什么。我以前弹奏爵士标准曲时总是感觉“差了点味道”，读完这本书后，我开始明白那种“味道”来源于对和声色彩的精妙驾驭，而不是简单的琶音跑动。这本书的挑战性也很大，需要读者对基础乐理有一定掌握，但回报绝对是巨大的。

评分☆☆☆☆☆

我最近在读一本关于音乐心理学与感知理论的专著，它探讨的视角非常新颖，完全跳脱了传统的音乐技法讨论范畴。这本书深入研究了人类大脑如何处理旋律的“期望”与“实现”之间的关系，以及特定的节奏模式如何引发身体的运动冲动。书中引用了大量的神经科学实验数据，解释了为什么某些音程组合会产生“和谐感”，而另一些则会引发“紧张感”，这让我对听觉经验有了更深层次的理解。它不仅仅是描述现象，更是在探究其背后的生物学机制，读起来既像是在听一堂高阶的认知科学课，又像是在进行一场关于“美”的哲学思辨。特别是关于音乐在不同文化背景下引发的情感共鸣差异的章节，非常有启发性，它让我意识到，音乐的“通用语言”背后，其实隐藏着无数文化特有的编码和解码机制。这本书极大地提升了我对音乐作品的鉴赏深度，让我不再满足于表面的悦耳，而开始追问“好听”的底层逻辑。

评分☆☆☆☆☆

最近翻阅了一本关于小提琴演奏技巧的书籍，真是受益匪浅。作者在书中深入浅出地剖析了弓法与指法的精妙结合，特别是对于高把位换把时那种流畅、无痕的处理方式，简直是教科书级别的示范。我记得有一章专门讲了颤音的运用，不仅讲解了不同风格下颤音的时值和力度变化，还配有大量示范乐谱，让我这个业余爱好者也仿佛能找到一些专业的感觉。书里对于音准的控制也有一套独特的练习方法，它强调的不是机械地重复音阶，而是通过耳朵对和声关系的敏感度来校准，这种从“技术执行”到“听觉理解”的转变，确实拓宽了我的音乐视野。这本书的排版设计也十分人性化，大量的图示和演奏者的身体力学术语解析，使得原本枯燥的技巧训练变得生动起来，我感觉自己不是在“啃书”，而是在与一位经验丰富的导师对话。对于想系统提升小提琴演奏水平的人来说，这本书无疑提供了一个非常扎实的基础框架。

评分☆☆☆☆☆

我最近在读一本关于古代音乐史的著作，内容之详实令人惊叹。这本书的厉害之处在于，它不仅仅罗列了各个时期的作曲家和作品，而是构建了一个宏大的社会文化背景，将音乐的发展与当时的政治变迁、哲学思潮紧密联系起来。比如，书中对中世纪圣咏的起源和演变分析得极其到位，它不仅仅停留在Gregorian Chant的层面，还探讨了吟诵调式与当时教会权力的互动关系，那种史料的厚重感扑面而来。更难得的是，作者的叙述语言兼具学术的严谨性和文学的感染力，即便是像我这样非专业出身的读者，也能被那些失落的旋律和尘封的乐器故事所深深吸引。读完关于文艺复兴时期复调音乐的那几章，我甚至产生了一种冲动，想去寻找那些被遗忘的经文歌来听一听，感受那种多声部织体如何在历史的缝隙中呼吸和发展。这本书的参考书目和注释部分也做得极其专业，体现了作者扎实的学术功底。