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钟山，史林平 著

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• 摄影
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• 曝光
• 摄影教学
• 摄影基础
• 数码摄影
• 摄影指南

店铺： 诗书雅韵图书专营店

出版社： 化学工业出版社

ISBN：9787122233882

商品编码：29481350968

包装：平装

出版时间：2015-06-01

基本信息

书名：摄影必修课(上)

定价：89.00元

作者：钟山、史林平

出版社：化学工业出版社

出版日期：2015-06-01

ISBN：9787122233882

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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《摄影必修课》是一套为摄影爱好者量身打造的摄影教材，其中用大量的篇幅系统地讲解了学习摄影必须掌握的镜头、滤镜、三脚架、闪光灯、光圈、快门速度、感光度、景深、测光、曝光控制、画幅、主体与陪体、光影、色彩、构图、表现手法、画面布局等摄影基础知识，并结合实际图例深入解读了其在实际拍摄过程中如何应用，同时还对风光、动物、人物、纪实这四大摄影题材的拍摄方法进行了综合讲述，目的是让读者对摄影有一个较为全面和系统的了解，从而更好地学习摄影。
照片解读是《摄影必修课》的一大特色，书中对大量照片进行了全面解读，告诉读者什么是好照片，好照片是如何拍摄出来的，这对于摄影爱好者开阔眼界，少走弯路，从根本上提升摄影水平有极强的指导作用。

内容提要

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《摄影必修课》是一套为摄影爱好者量身打造的摄影教材。本书为《摄影必修课》的上册，对镜头、滤镜、三脚架、闪光灯、光圈、快门速度、感光度、景深、测光、曝光控制、画幅、主体与陪体、光影、色彩、构图等摄影基础知识进行了详实、系统的梳理，并通过对具有代表性的摄影作品的解读，清晰、透彻地讲解了这些知识点及其作用，以及它们之间的相互关系和如何运用等，目的是使读者对摄影以及相关基础知识有一个全面的了解，并能在拍摄过程中灵活、正确地应用，从而在摄影的道路上走得更远。
本书内容丰富、详尽、实用，图文并茂，通俗易懂，既可作为摄影爱好者从入门到精通的自学用书，也可作为摄影培训机构、大专院校、成人教育等相关专业的教材。

目录

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章
摄影的魅力
1.1 摄影的内容：万事万物
1.2 摄影的作用：表达情感
1.3 摄影的学习：循序渐进
1.4 摄影作品应具备三个基本要素
1.4.1 主题鲜明
1.4.2 主体突出
1.4.3 画面简洁
1.5 学摄影首先要学会欣赏作品
1.5.1 作品解读一：夜海
1.5.2 作品解读二：垂而不死——胡杨魂
1.5.3 作品解读三：春到赛里木湖
1.5.4 作品解读四：牵手
1.5.5 作品解读五：开心一刻
1.5.6 作品解读六：冬天的
1.5.7 作品解读七：猎豹
1.5.8 作品解读八：圣徒
1.5.9 作品解读九：塔吉克人

第2章
镜头及滤镜
2.1 镜头的使命
2.2 镜头的焦距
2.2.1 焦距的定义及作用
2.2.2 焦距与影像大小的关系
小贴士 什么是镜头视角
2.2.3 按焦距的长短分类镜头
2.3 广角镜头
2.3.1 广角镜头的特点及适用范围
2.3.2 鱼眼镜头的特点及适用范围
2.4 中焦镜头
2.4.1 认识中焦镜头
2.4.2 标准镜头
2.4.3 微距镜头
2.5 长焦镜头
小贴士 微距镜头上的1∶1、1∶2标记表示什么意思
2.6 定焦镜头与变焦镜头的优劣
2.6.1 定焦镜头
2.6.2 变焦镜头
小贴士 如何拍摄一张全景都清晰的照片
2.7 特殊镜头
2.7.1 防抖镜头
小贴士 是否可以“一镜走天下”
2.7.2 移轴镜头
2.7.3 折返镜头
小贴士 如何正确擦拭镜头
2.8 常见品牌镜头标识解读
小贴士 镜头上通用的字母标识
2.8.1 佳能镜头标识解读
2.8.2 尼康镜头标识解读
2.8.3 宾得镜头标识解读
2.8.4 适马镜头标识解读
2.8.5 腾龙镜头标识解读
2.8.6 图丽镜头标识解读
2.8.7 奥林巴斯/松下镜头标识解读
2.8.8 美能达/索尼镜头标识解读
2.9 常用滤镜
2.9.1 UV镜
2.9.2 偏振镜
2.9.3 中灰密度镜
2.9.4 渐变镜
2.10 好照片是这样诞生的
2.10.1 作品解读一：宏村的菜农
2.10.2 作品解读二：鱼眼的魅力——大学运动场纪实
小贴士 什么是眩光
小贴士 遮光罩的作用

第3章
光圈、快门速度、感光度
3.1 光圈
3.1.1 光圈的概念及作用
3.1.2 光圈的表示方法
3.1.3 大光圈与小光圈对画面的影响
3.1.4 尽量使用佳光圈
画幅不同，佳光圈也不同
佳光圈能让被摄对象更清晰
3.1.5 光圈影响景深大小
景深的定义
影响景深的主要因素
小贴士 被摄对象与背景之间的距离能影响景深吗
3.2 快门速度
3.2.1 快门速度的概念
3.2.2 快门速度的表示方法
3.2.3 快门速度的主要作用
3.2.4 安全快门速度
3.2.5 高速快门
小贴士 什么是高速连拍
3.2.6 慢门
慢门的两种拍摄方法
小贴士 什么是追随拍摄
适合慢门拍摄的题材
慢门拍摄的关键
小贴士 如何选择三脚架
小贴士 B门、T门的区别
3.2.7 高速、低速快门表现动体的形态大不同
小贴士 达到寿命的相机快门还能继续使用吗
3.3 感光度
3.3.1 感光度影响画质
3.3.2 提高感光度能提高快门速度
3.4 光圈、快门速度和感光度三者之间具有互易关系
小贴士 数码相机存在互易率失效的情况吗
小贴士 决定光圈大小的因素有哪些
3.5 好照片是这样诞生的
3.5.1 作品解读一：采花的小精灵
3.5.2 作品解读二：雨中郁金香
3.5.3 作品解读三：四只火烈鸟

第4章
对焦、测光与曝光控制
4.1 对焦模式
4.1.1 自动对焦（AF）
小贴士 自动对焦难以合焦时怎么办
4.1.2 手动对焦（MF）
4.2 常用测光模式
4.2.1 评价测光
4.2.2 中央重点平均测光
4.2.3 局部测光
4.2.4 点测光
4.2.5 根据主体和明暗层次选择测光方式
4.3 常见曝光模式
4.3.1 程序自动模式
4.3.2 光圈优先模式
小贴士 大光圈、小光圈画面有哪些特点
4.3.3 快门优先模式
4.3.4 手动曝光模式
4.4 直方图
4.5 曝光补偿
4.5.1 正确理解曝光补偿
4.5.2 白加黑减——曝光补偿的原则
小贴士 什么是曝光EV值
4.5.3 曝光补偿受测光方式的影响
4.6 包围曝光

第5章
闪光灯的妙用
5.1 闪光灯的作用
小贴士 什么是闪光指数
5.2 闪光灯的种类
5.3 内置、外接闪光灯的区别
5.4 用闪光灯打造魅力画面
5.4.1 减小或加大画面的明暗反差
5.4.2 为人物添加眼神光
5.4.3 减弱被摄体阴影并改善画面色彩
5.4.4 调节色温拍摄富有韵味的画面
5.4.5 利用反射光线避免破坏现场氛围
小贴士 反光板及其作用
5.4.6 照亮镜头前的雨或雪使其更显轻盈
5.5 不适合用闪光灯拍摄的两种情况
5.6 如何防止人物出现“红眼”

第6章
画幅
6.1 相机的7种画幅形式
6.1.1 全画幅
小贴士 135相机（35mm相机）名称的由来
6.1.2 APS-C画幅
6.1.3 APS-H画幅
6.1.4 4/3画幅
6.1.5 CX画幅
6.1.6 中画幅
6.1.7 大画幅
小贴士 感光元件CCD与CMOS的优劣
6.2 画幅主要影响什么
6.2.1 影响画质
6.2.2 影响景深控制范围
6.2.3 影响机身体积
6.2.4 影响镜头的视角范围
小贴士 等效焦距及等效系数
小贴士 数码镜头
6.3 横画幅、竖画幅、正方形画幅
6.3.1 横画幅
6.3.2 竖画幅
6.3.3 正方形画幅
6.3.4 用画幅形式加强主体动势或画面气氛的表达

第7章
主体与陪体
7.1 主题依赖主体的表现，主体需要陪体的衬托
7.1.1 主题要有恰当的主体作为载体
7.1.2 陪体围绕主体来安排
陪体必须遵循的原则：不能喧宾夺主
隐藏对主题表达无益的陪体
前景、背景的取舍与其作用相关
陪体的间接表现
7.2 巧用点、线、面、体积突出主体
7.2.1 点——点亮整个画面
用色彩对比突出点
通过大光比强化亮点
利用虚实对比彰显点
利用差异体现点
7.2.2 线——明确的指向性
7.2.3 面——整理画面及增强形式感
7.2.4 体积——显现厚重感
7.3 好照片是这样诞生的
7.3.1 作品解读一：冬语
7.3.2 作品解读二：雪夜的二胡声
7.3.3 作品解读三：凝望
7.3.4 作品解读四：执着
7.3.5 作品解读五：月光下的现代舞

第8章
光影性格
8.1 摄影用光离不开的六大基本因素
8.1.1 光度
8.1.2 光色
8.1.3 光质
硬光
软光
阳光的光质特点
8.1.4 光比
光比的定义
如何计算光比
利用光比控制光影效果
8.1.5 光型
小贴士 相机的宽容度对照片的影响
主光
辅光
背景光
修饰光
轮廓光
模拟光
8.1.6 光位
顺光
侧光
前侧光
逆光
侧逆光
顶光
底光
8.2 影子随光而来
8.2.1 影子的形成
8.2.2 影子反映光的信息
8.2.3 影子的作用
参与构图
影响造型
净化画面
渲染气氛、表达情绪
8.3 好照片是这样诞生的
8.3.1 作品解读一：远山的呼唤
8.3.2 作品解读二：乡间
8.3.3 作品解读三：过界的游客
8.3.4 作品解读四：草原马群

第9章
五颜六色
9.1 三原色
9.2 色彩的三个属性
9.2.1 色相
9.2.2 饱和度
9.2.3 明度
9.3 色彩的三个属性相互影响
9.4 消色
9.5 色相环
9.5.1 色相环里的秘密
同一色系的颜色放在一起时和谐
90°以内的颜色放在一起时同样会显得和谐
180°两端的颜色对比效果强烈
9.5.2 对比色调与和谐色调
对比色调
小贴士 色彩的情感
和谐色调
对比色调与和谐色调的关系
9.6 色彩的作用
9.6.1 营造气氛
9.6.2 增强空间感
9.6.3 色调直抒情感
对比色调的情感传递
和谐色调的情感传递
9.7 如何用色彩成就主题
9.7.1 确立主色
9.7.2 明度、饱和度是表达情感的利器
9.8 物体颜色不是一成不变的
9.9 色温改变色彩
9.9.1 色温
9.9.2 白平衡
小贴士 RAW格式的优势在哪里
9.10 好照片是这样诞生的
9.10.1 作品解读一：经幡
9.10.2 作品解读二：雪野马厩
小贴士 什么是空气透视现象
9.10.3 作品解读三：雨后二月兰
9.10.4 作品解读四：卧佛寺的红墙

0章
构图形式
10.1 什么是构图
10.2 20种常见的构图形式
10.2.1 三分法构图
10.2.2 横线构图
10.2.3 斜线构图
10.2.4 对角线构图
10.2.5 曲线构图
10.2.6 平衡式构图
10.2.7 对称构图
10.2.8 三角形构图
10.2.9 框式构图
10.2.10 隧道式构图
10.2.11 十字形构图
10.2.12 垂直构图
10.2.13 散点构图
10.2.14 放射式构图
10.2.15 向心式构图
10.2.16 变化式构图
10.2.17 A字形构图
10.2.18 L形构图
10.2.19 C形构图
10.2.20 中心式构图
10.3 运用恰当的构图形式成就精彩画面
10.3.1 多角度取景
10.3.2 后期“再构图”——剪裁
10.4 构图形式灵活多变
10.4.1 几种构图形式的结合运用
10.4.2 将照片倒过来看
10.4.3 必要时打破常规
10.5 好照片是这样诞生的
10.5.1 作品解读一：雨·花
10.5.2 作品解读二：梦中白天鹅
10.5.3 作品解读三：“上香的女人”
10.5.4 作品解读四：风中的小白杨

作者介绍

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钟山
中国民俗摄影协会会员，北京雅趣摄影学院讲师，曾供职《中国摄影家》杂志社，任编辑、记者，长期致力于摄影美学理论的梳理、研究，在各级报刊、杂志发表各类摄影评论、摄影作品赏析、摄影人物访谈、新闻报道等文字逾百万。近年来出版了《构图决定一切》《摄影之魂——破解光影密码》（荣获2013年度“中国影响力图书”奖）等摄影著作。

史林平
中国摄影家协会会员，中国摄影家协会图片产业委员会委员，北京紫金城影像工作室艺术总监，搜狐数码频道特聘专家，北京中艺影像学校、北京雅趣摄影学院客座教授。2001年～2007年任《中国摄影家》杂志编辑、记者。近年来出版了《话说风光——图解风光摄影四大秘诀》《构图决定一切》《摄影师的眼力》《拍出好照片——数码相机设置与拍摄全方位解析》等摄影著作。

文摘

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序言

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光影的语言：捕捉瞬间的艺术与技术 在这纷繁复杂的世界里，我们用双眼去感知、去记录，而摄影，无疑是其中最富表现力的手段之一。它不仅仅是按下快门这样一个简单的动作，更是对光线、色彩、构图、情感乃至时间维度的深刻理解与巧妙运用。摄影，是一种语言，一种无需言说的故事，它通过静态的画面，传递出无数可能的情感与信息。 本书将带领你踏入摄影的殿堂，从最基础的原理到进阶的技巧，为你构建起一个坚实的知识体系。我们不再将目光局限于堆砌冰冷的技术参数，而是深入探究这些技术如何服务于艺术的表达，如何帮助你更好地讲述你的故事，捕捉你内心的触动。 第一章：打开相机的眼睛——认识你的摄影伙伴 在开始任何摄影旅程之前，了解你的相机至关重要。这一章，我们将卸下对相机的神秘感，像一个老朋友一样去认识它。 相机的基本构造与功能： 镜头、机身、传感器、取景器……这些看似复杂的部件，实际上都遵循着简洁而强大的逻辑。我们会逐一解析它们的作用，让你知道每一部分在成像过程中扮演的角色。 手动模式的奥秘：光圈、快门、ISO——曝光铁三角的和谐共舞。 这是摄影的核心，也是最具挑战性的部分。我们将深入剖析光圈如何控制景深，让你的画面拥有虚实相生的美感；快门速度如何凝固或模糊运动，创造出动态的视觉冲击力；ISO感光度又如何影响画面噪点与亮度。理解这三者之间的联动关系，是摆脱“傻瓜模式”的第一步，也是获得控制力的开始。我们会通过大量的实例，让你直观地感受不同参数组合下画面呈现出的差异。 白平衡的魔力：捕捉真实的色彩，或是创造氛围。 色彩是画面的灵魂。白平衡不仅仅是修正偏色，更是营造画面情绪的关键。我们将学习如何设定正确的白平衡，以及如何利用它来增强画面的艺术感染力，比如在日落时分，选择偏暖的白平衡，能将天空渲染得更加瑰丽。 对焦的艺术：清晰的焦点，清晰的故事。 焦点是观众目光的落点。我们将探讨不同的对焦模式，如何精确地对焦在主体上，以及如何利用浅景深和深景深来引导观众的视线，突出画面想要传达的主体。 文件格式的选择：RAW与JPEG的考量。 这是照片后期处理的基础。我们会详细讲解RAW格式的无限可能，以及JPEG格式的便捷性，帮助你根据自己的需求做出最明智的选择，为后期创作留出最大的空间。 第二章：构图的语言——画面的秩序与灵魂 摄影，本质上是一场关于如何“看”的艺术。构图，就是将你看到的，用一种更具吸引力、更富信息量的方式呈现在画面中。 黄金法则与三分法：经典的引导线。 这些流传已久的构图法则，并非僵化的教条，而是基于人类视觉习惯的经验总结。我们将学习如何运用它们来创造和谐、均衡的画面，让你的照片更具视觉冲击力。 引导线、框架、对称与留白：丰富画面的视觉元素。 画面中的线条、形状、空白，都是构图的语言。引导线如何将观众的目光引向主体？框架如何为画面增添层次感？对称的构图为何能带来稳定感？留白又如何赋予画面呼吸的空间？我们会一一解析这些构图技巧，并提供大量的范例。 视角的力量：仰视、俯视、平视的视角转换。 同一个景物，不同的视角能带来截然不同的感受。仰视能使主体显得高大雄伟，俯视能展现全局的概貌，平视则更贴近生活。我们将鼓励你跳出舒适区，尝试不同的视角，发掘景物的全新魅力。 主体与背景的协调：突出你想要表达的一切。 如何让你的主体在纷繁的背景中脱颖而出？背景的干扰是否会影响画面的信息传达？我们将学习如何通过对焦、构图、甚至是后期处理，来优化主体与背景的关系，让画面更具条理和重点。 动态构图与静态构图：捕捉运动与宁静。 不同的画面需要不同的构图方式。如何用画面语言表现运动的轨迹？如何用静止的画面传递出宁静致远的感觉？我们将探讨如何在构图中融入时间的概念。 第三章：光影的魔法——点亮你的画面 光，是摄影的灵魂。没有光，就没有影像。理解光、驾驭光，是摄影师最核心的技能之一。 自然光的运用：黄金时段与蓝色时段。 清晨的柔和阳光，傍晚的温暖余晖，都蕴含着无穷的摄影魅力。我们将学习如何抓住这些“黄金时段”和“蓝色时段”，捕捉最美的自然光线。 侧光、顺光、逆光、顶光、底光：探索光的质感与方向。 不同的光线方向，会赋予画面截然不同的质感和立体感。侧光能塑造立体感，逆光能勾勒轮廓，顺光则能展现细节。我们会通过实例，深入理解每一种光线的特点，以及如何根据拍摄对象和想要表达的情感来选择和运用。 人造光的入门：闪光灯与补光。 即使在光线不足的环境下，人造光也能成为你的得力助手。我们将介绍相机内置闪光灯的限制，以及外接闪光灯的灵活运用，学习如何通过控制光线的方向、强度和柔和度，来弥补自然光的不足，甚至创造出戏剧性的光影效果。 光与影的对话：创造画面的深度与氛围。 光影的对比，是画面层次感的来源。我们不仅要会“用光”，更要学会“避光”，懂得利用阴影来塑造立体感，来增强画面的戏剧性。 理解光的“硬”与“软”：如何控制光的品质。 柔和的光线能使画面显得温暖、细腻，而硬光则能带来强烈的对比和戏剧性。我们将学习如何通过改变光源的距离、大小，或是使用柔光罩等附件，来控制光线的品质，达到预期的视觉效果。 第四章：色彩的旋律——为画面注入生命 色彩，能唤醒情感，能传递情绪，能让画面瞬间“活”过来。 色彩心理学浅析：色彩的情感联想。 不同的颜色会引发人们不同的情感反应。红色代表热情与危险，蓝色象征冷静与忧郁。我们将探讨色彩的心理学原理，帮助你更好地运用色彩来表达情感。 色彩的搭配原则：冷暖色调、互补色、邻近色。 如何在画面中创造和谐的色彩关系？冷暖色调的对比，互补色的碰撞，邻近色的融合，都能为画面带来不同的视觉感受。我们将学习基本的色彩搭配原则，让你的照片在色彩上更加赏心悦目。 色彩的饱和度与明度：控制色彩的力度。 色彩的饱和度越高，越鲜艳夺目；明度越高，越显得轻盈。我们将学习如何通过调整色彩的饱和度和明度，来突出画面重点，或是营造特定的氛围。 打破色彩的束缚：单色与黑白摄影的魅力。 有时候，褪去色彩的纷扰，更能聚焦于画面的线条、光影和情感。我们将探索黑白摄影的独特韵味，以及如何通过单色来强调画面的情绪和意境。 利用环境色：发现身边的色彩宝藏。 我们的生活充满了各种色彩，善于发现和利用环境中的色彩，能为你的摄影作品增添意想不到的惊喜。 第五章：主题与表达——你的故事，由你讲述 摄影最终的目的是表达。你想要通过画面传达什么？是喜悦、是忧伤、是宁静，还是震撼？ 寻找你的拍摄主题：从日常到非凡。 摄影可以记录生活的点滴，也可以探索宏大的世界。我们将引导你思考自己的兴趣所在，找到自己想要拍摄的主题，并学习如何围绕主题进行创作。 故事性的构建：一个画面，一个故事。 优秀的摄影作品，往往能讲述一个引人入胜的故事。我们将学习如何通过构图、光影、色彩以及捕捉瞬间的表情和动作，来构建画面的叙事性。 情感的传递：触动人心的力量。 摄影最动人的力量，在于它能触动观众的情感。我们将学习如何通过观察、捕捉和表现，将人物的情感，自然的氛围，或是抽象的意念，转化为画面上能引起共鸣的元素。 纪实摄影的视角：记录真实，传递力量。 纪实摄影以其真实性而著称，它能记录下社会的变迁，人性的光辉与阴影。我们将探讨纪实摄影的拍摄原则和伦理。 创作性摄影的尝试：打破常规，表达自我。 除了记录，摄影更是一种创造。我们将鼓励你跳出固有的思维模式，大胆尝试不同的拍摄手法和表达方式，用你的镜头，构建出独一无二的世界。 这本书，如同一个开放的起点，为你打开摄影的无数扇门。我们希望它能点燃你对摄影的热情，激发你探索未知的勇气，更重要的是，帮助你找到属于自己的光影语言，用镜头讲述属于你的精彩故事。请拿起你的相机，跟随我们一起，去捕捉生命中最动人的瞬间，去创造属于你自己的视觉奇迹。

评分☆☆☆☆☆

我对摄影的热情，很大程度上源于对“光影”的痴迷。我总觉得，光与影的交织，能够赋予景物无限的生命力。然而，在实际拍摄中，我却常常无法捕捉到那种我脑海中理想的光影效果。《摄影必修课(上)》这本书，在这方面给了我巨大的启发。作者在书中，深入浅出地讲解了光线的各种特性，以及如何巧妙地运用它们来塑造画面。我尤其喜欢书中关于“高光与阴影”的运用。他不仅仅讲解了如何利用光线来勾勒景物的轮廓，营造出戏剧性的光影对比，更深入地探讨了如何通过对光影的细致把握，来营造画面的空间感和立体感。我最受益的部分是关于“利用自然光”的章节。作者详细介绍了不同时段、不同天气下自然光的特点，以及如何根据这些特点来选择最佳的拍摄时机和角度。他会告诉你，清晨的柔光适合拍摄风光，傍晚的暖阳能够为人像增添温馨的氛围。更让我惊喜的是，作者还分享了许多关于“黑白摄影”的技巧。他解释了在黑白摄影中，光影的作用是如何被放大，以及如何通过调整对比度和明暗关系，来创造出更具艺术感染力的画面。这本书让我明白，光影不仅仅是照亮景物的工具，更是构建画面、表达情感的强大力量。

评分☆☆☆☆☆

在学习摄影的过程中，我常常会感到迷茫，不知道自己的风格是什么，也不知道如何去发展自己的特色。《摄影必修课(上)》这本书，在这方面给予了我非常宝贵的启示。作者在书中并没有直接告诉你“你应该拍什么”，而是引导你去探索自己的兴趣和视角。他通过分析不同摄影流派和大师的作品，展示了摄影艺术的多样性，也鼓励读者在学习借鉴的基础上，形成自己的独特风格。我特别欣赏书中关于“情感表达”的论述。作者强调，好的摄影作品，不仅仅是技术上的精湛，更重要的是能够传达出摄影师的情感和思考。他鼓励读者在拍摄时，用心去感受，去思考，将自己的情感注入到画面之中。这本书让我明白，摄影风格的形成，并非一蹴而就，而是通过不断地实践、反思和积累。它需要摄影师对世界有自己的独特见解，也需要摄影师不断地挑战自我，尝试新的拍摄方式。读了这本书，我不再盲目地模仿他人，而是开始认真思考，我真正想通过摄影表达的是什么。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，摄影就是瞬间的艺术，捕捉到决定性的那一刻，就能拍出好照片。然而，《摄影必修课(上)》这本书，让我对“决定性瞬间”有了更深刻的理解。它不仅仅是物理上的“瞬间”，更是情感上的、意义上的“瞬间”。作者在书中花了大量篇幅来探讨“故事性”在摄影中的重要性。他认为，一张好的照片，不仅仅是记录，更是讲述。它应该能够引起观众的共鸣，让他们通过画面去思考，去感受。我尤其喜欢书中关于“人物摄影”的章节。作者没有停留在教你如何摆拍pose，而是深入挖掘了如何通过与被摄者建立连接，去捕捉他们最真实的情感和状态。他强调了摄影师的观察力和同理心，认为只有真正理解了被摄者，才能拍出打动人心的作品。书中那些生动的案例分析，让我看到了摄影师是如何通过巧妙的构图、精准的曝光和恰当的光线运用，将一个普通的人物瞬间，升华为一个富有深度的故事。这让我开始反思自己过去拍摄人物时的浮于表面，我意识到，要拍好人物，关键在于“人”。这本书，让我从一个单纯的“快门手”，逐渐走向一个“故事讲述者”。

评分☆☆☆☆☆

在我的摄影经历中，曾经一度陷入了对器材的过度追求。总觉得只要拥有了最先进的相机和镜头，就能拍出顶级的照片。然而，《摄影必修课(上)》这本书，让我意识到，器材只是工具，真正决定照片好坏的，是摄影师的“眼睛”和“头脑”。作者在书中花了很多篇幅来强调“观察力”的重要性。他鼓励读者要用“摄影师的眼光”去审视世界，去发现那些被常人忽略的美。我尤其喜欢书中关于“细节”的论述。他会引导我们去留意纹理、质感、光影的微妙变化，这些细微之处往往能为照片增添独特的魅力。他让我明白，好的摄影作品，不在于多么宏大的场景，也不在于多么复杂的技巧，而在于摄影师能否捕捉到那些最能打动人心的细节。通过阅读这本书，我开始重新审视自己与相机的关系。我不再把相机当作一个冰冷的机器，而是把它看作我延伸的眼睛，一个与我一同感受世界的伙伴。这种心态的转变，让我在拍摄时更加专注，也更加有创造力。这本书，让我学会了如何“看”，如何“发现”，这比任何昂贵的器材都更加宝贵。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对摄影的理解都停留在“拍清楚”的层面，总觉得只要焦距准确，光线充足，就能拍出好照片。然而，《摄影必修课(上)》彻底颠覆了我的这一认知。这本书的内容，远比我最初预期的要深刻得多。它不仅仅是关于相机操作的指南，更像是一次关于“如何用视觉语言表达”的启蒙。作者在讲解曝光三角的时候，并没有像其他教材那样简单地罗列光圈、快门速度和ISO之间的关系，而是通过大量生动的实例，解释了每一个参数背后所蕴含的艺术意义。他会告诉你，在某些情况下，宁愿牺牲一点点清晰度，也要保留那一刻的光影变化；在另一些情况下，为了捕捉主体清晰的瞬间，才需要果断提高ISO。这种对“权衡”的强调，让我意识到摄影创作并非一成不变的公式，而是充满着选择与取舍的艺术。我尤其对书中关于“景深”的讲解印象深刻。过去，我只知道大光圈可以虚化背景，让主体突出，但作者深入浅出地分析了不同景深对画面氛围的影响。他解释了如何通过控制景深来引导观众的视线，如何利用背景的模糊来营造梦幻感，或者如何保持前后景的清晰来展现宏大的场景。读到这里，我仿佛被打通了任督二脉，瞬间理解了许多优秀摄影作品的奥秘。这本书让我明白，每一个参数的选择，都是在为照片注入情感和故事，而不仅仅是技术指标的堆砌。

评分☆☆☆☆☆

长期以来，我一直对摄影中的“光线”问题感到困惑。我知道光线很重要，但总是不知道如何去“运用”它。大部分时候，我都是在“被光线利用”，而不是“利用光线”。《摄影 त्यांची课(上)》这本书，彻底改变了我对光线的认知。作者在书中对光线的讲解，堪称教科书级别的。他不仅仅介绍了自然光和人造光的区别，更深入分析了不同光线条件下，光线的质感、方向和强度对画面所产生的巨大影响。我最受益的部分是关于“顺光、侧光、逆光”的讲解。作者通过大量的实拍照片，清晰地展示了不同光线角度下，景物所呈现出的不同立体感和质感。他解释了如何利用侧光来塑造立体感，如何利用逆光来勾勒轮廓，营造出唯美的光晕效果。更让我感到惊喜的是，作者还分享了许多关于“利用阴影”的技巧。我以前总是想着如何避开阴影，而作者却告诉我，阴影同样是画面构成的重要元素，它可以增加画面的层次感，突出主体，甚至营造出神秘、戏剧性的氛围。这本书让我明白，光线不是简单的明暗对比，而是一种可以被主动塑造和利用的创作工具，它能够赋予照片生命和灵魂。

评分☆☆☆☆☆

我对摄影的热情，很大程度上源于对色彩的迷恋。我总是被那些色彩斑斓的画面所吸引，但当我自己尝试去还原那些色彩的时候，却常常力不从心。不是偏色严重，就是色彩饱和度不协调。《摄影必修课(上)》这本书，在这方面给了我巨大的帮助。作者在书中关于色彩的论述，非常系统且富有深度。他没有简单地停留在RGB和CMYK这些基本概念上，而是深入探讨了色彩的心理学效应，以及不同色彩组合所能传达的情感。我特别欣赏他对“色彩搭配”的讲解。他通过分析大量经典摄影作品，揭示了单色、互补色、邻近色等不同色彩搭配方式所产生的视觉冲击力，以及它们如何影响观者的情绪。例如，他会解释为什么冷色调的画面往往给人一种宁静、忧郁的感觉，而暖色调则能带来温暖、活泼的氛围。更重要的是，作者还提供了许多实用的技巧，教我们如何在拍摄过程中就考虑到色彩的运用，如何在后期处理中调整色彩的平衡，使其更加和谐统一。这本书让我明白，色彩不仅仅是照片的装饰，更是表达情感、营造氛围的重要工具。它帮助我学会了如何“看见”色彩，如何“驾驭”色彩，让我的照片从视觉上获得了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

关于摄影的“后期处理”，我一直持有一种模棱两可的态度。一方面，我承认后期能够弥补前期的一些不足，另一方面，我又担心过度处理会让照片失去真实感，变得“假”。《摄影必修课(上)》这本书，在这方面给了我清晰的指引。《摄影必修课(上)》的作者，在后期处理的部分，展现了一种非常成熟和理性的态度。他并没有鼓吹那些“化腐朽为神奇”的极端后期技巧，而是强调“恰到好处”的原则。他认为，后期处理应该是对前期创作的“锦上添花”，而不是“画蛇添足”。我最喜欢的部分是关于“色彩校正”和“锐化”的讲解。作者详细介绍了如何通过调整白平衡、曝光、对比度等参数，来还原照片真实的色彩和细节，同时又不会让画面显得过于失真。他分享的许多实用小技巧，比如如何使用蒙版来局部调整，如何避免出现不自然的色块，都让我受益匪浅。这本书让我明白，后期处理并不是一个神秘的黑箱操作，而是一种可以被学习和掌握的技艺。它能够帮助我更好地表达自己的创作意图，让我的照片更具艺术感染力。

评分☆☆☆☆☆

这本书，坦白讲，我拿到它的时候，内心是怀揣着一丝忐忑的。毕竟“必修课”这三个字，总是带着一种不容置疑的严肃性，让我不禁联想到那些枯燥乏味的理论讲座和必须死记硬背的公式。我是一名摄影爱好者，更准确地说，是那种在周末拿着相机，试图捕捉生活中稍纵即逝的美好瞬间，却常常因为技术上的瓶颈而感到沮丧的人。我拍出来的照片，要么噪点严重，要么虚焦，要么色彩失真，总之，就是离我脑海中理想的画面差了十万八千里。所以，当我翻开《摄影必修课(上)》的扉页时，我的期望值是矛盾的：既希望它能像一位经验丰富的导师，为我拨开迷雾，传授实用的技巧，又担心它会充斥着晦涩难懂的术语，让我望而却步。然而，随着我深入阅读，这种担忧被一种逐渐升腾的兴奋感所取代。作者并非那种高高在上的理论家，他以一种非常接地气的方式，循序渐进地引导着读者。他没有一开始就抛出那些令人头晕的参数组合，而是从摄影最基础的“为什么”开始。他探讨了光线的重要性，不仅仅是方向和强度，更重要的是如何去“感知”光线，如何利用它来塑造画面，赋予景物生命。我特别喜欢其中关于“观看”的部分，作者反复强调，摄影不仅仅是按下快门，更是一种观察世界的方式。他鼓励读者去留意身边的细节，去发掘那些被忽略的美。这让我开始重新审视自己是如何使用相机的，我发现自己过去很大程度上是被动的，只是机械地记录，而没有主动去思考和表达。这本书，就像一把钥匙，为我打开了另一扇看待世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

拿到《摄影必修课(上)》的时候，我正经历着摄影的瓶颈期。我尝试过各种不同的拍摄题材，也购买了各种滤镜和附件，但拍出来的照片总觉得少了点什么。那种“灵气”或者说“灵魂”，我总是抓不住。这本书的内容，恰恰弥补了我在这方面的不足。作者在书中花了很大篇幅来谈论“构图”。这并不是那种枯燥乏味的几何分割法则，而是深入探讨了如何通过构图来引导观众的情绪，如何利用画面中的线条、形状和空间来讲述故事。我最喜欢的部分是关于“引导线”的运用。以前我总是凭感觉去安排画面，不知道为什么有时候看起来很舒服，有时候却显得杂乱无章。读了这本书，我才恍然大悟，原来那些自然形成的线条，比如道路、河流、建筑的边缘，都可以成为引导观众视线的“通道”，将目光牢牢地吸引到主体身上。作者还详细讲解了“三分法”、“黄金分割”等构图原则，但更重要的是，他强调了这些原则的灵活运用，而非死板套用。他鼓励读者在理解规则的基础上，大胆尝试打破规则，创造出属于自己的独特风格。这本书的价值在于，它不仅仅教会了你“怎么拍”，更教会了你“为什么要这么拍”，让我的摄影创作上升到了一个全新的高度。