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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 现代出版社

ISBN：9787514367232

商品编码：29728034240

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	基本乐理 音乐 书籍
作者：	崔宪 主
定价：	39.8
出版社：	现代出版社
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787514367232
印次：	1
版次：	1
装帧：	平装
开本：	16开

内容简介

高职(高等职业学校)和高专(高等专科学校)是我国高等教育体系中不可或缺的重要组成部分。 针对我国现有高职高专院校音乐系科的学制与教学特点，本套教材（共4册）聘请了我国音乐理论界的中国音乐史、西方音乐史、基本乐理，以及视唱练耳等学科专家担任主编，并在本科教材的基础上做了大幅度的内容精简和压缩，具有逻辑清晰、突出、简明实用、易学易懂等特点，为我国迄今为止高职高专音乐系科不可或缺的教材。  《基本乐理》按照音乐的基本产生到律制，用十二讲讲述，包括了十二律制、五声、七声音阶民族乐制。便于学生能够在短期内掌握音乐理论的相关知识。

编辑

难度适宜，实用易学。填补空缺。

音乐的奥秘与实践：一部探索声音世界的综合指南 书籍名称：乐境探源：从音符到和声的音乐结构解析 书籍简介： 《乐境探源：从音符到和声的音乐结构解析》并非一本基础乐理的入门教材，它是一部深入剖析西方音乐传统核心构架、探究声音组织规律的专业参考书。本书的目标读者是已经掌握基础乐理知识（如五线谱识读、基本节奏划分、大小调概念）的音乐学习者、进阶演奏者、作曲系学生以及热衷于深度理解音乐逻辑的音乐爱好者。 本书摒弃了对“什么是音高”“什么是拍号”这类基础概念的冗余阐述，而是将焦点集中于 “为什么是这样组织” 和 “如何有效运用这些组织方式” 上。我们相信，真正的音乐理解始于对结构背后原理的洞察。 全书共分为七大部分，层层递进，构建了一个从微观粒子到宏观布局的完整音乐认知体系： 第一部分：音高体系的深度解构与微调 本部分将超越十二平均律的表面认知，深入探讨音律的演变历史及其对音乐美学的影响。 纯律与中庸全音的辩证关系： 详细分析毕达哥拉斯音律、纯律（Just Intonation）在不同历史时期（如文艺复兴早期）的应用场景，以及它们与现代十二平均律在泛音列和声响上的差异。这部分包含了大量的声学实验数据和历史案例分析，帮助读者理解为什么巴赫需要平均律来完成《平均律钢琴曲集》。 微分音与非传统音高系统： 简要介绍二十四平均律、五度相乘系统（Solfège system）在当代音乐创作中的尝试，探讨如何用数学模型描述音高之间的微妙张力。 音高的心理声学基础： 结合最新的听觉神经科学研究，解析人耳如何感知音高、泛音列如何决定音色以及“缺失的基频”现象对和声听觉的影响。 第二部分：节奏的复杂性与时间感知的建构 本章不再满足于讲解4/4拍和3/4拍，而是深入探讨节奏的层次结构、复节奏的分析方法以及时间在音乐中的弹性处理。 复合拍号与多重计量： 详细拆解如11/8、17/16等复杂拍号的内部结构（如波尔卡式的3+3+3+2），并分析它们在巴尔干民间音乐和当代前卫爵士乐中的应用。 复节奏（Polyrhythm）与复对位（Polymeter）的精确划分： 提供矩阵分析法，用于解析复杂的复节奏交织，例如3对4、5对7的精确对位点计算，以及如何通过对位法构建清晰的节奏层次。 时值的不确定性与弹性节奏： 探讨“自由速度”与“自由拍号”在浪漫主义晚期（如德彪西）和后现代音乐中的表达手法，分析“自由拍”与“节拍器化”的张力。 第三部分：和声的逻辑演进：从功能到色彩 这是本书的核心篇章之一，聚焦于西方和声体系的内在逻辑及其发展轨迹，特别是超越传统功能和声的领域。 三和弦结构与替代和弦的深入应用： 不仅介绍降五级替代（SubV7/V），更详细探讨了不同位置的属七和弦（如V7/IV，V7/ii）在长乐句中的功能转换，以及如何利用Neapolitan六和弦（拿坡里六和弦）与增六和弦（Augmented Sixth Chords）构建强烈的色彩对比。 拓展和声语汇： 深度解析九和弦、十一和弦、十三和弦的内声部配置原则，以及如何利用和弦的“层叠”与“分解”来创造更丰富的织体密度。 调式与非功能性和声： 详述各种中古调式（如弗里吉亚、利迪亚）在浪漫主义后期音乐中的“色彩化”应用，并系统介绍非功能性和声体系，如： 音高类集合（Pitch Class Sets）理论的初步引入。 轴心理论（Axis Theory）与音高关系理论在分析后浪漫主义（如斯克里亚宾、勋伯格早期）作品中的实践。 第四部分：对位法与织体构建的精妙技艺 本部分专注于音乐的横向逻辑，即声部间的独立性与相互作用，将理论与巴赫的复调艺术紧密结合。 严格对位法的深入剖析： 针对第一、第二对位法（含反向对位、增减速对位）的严格规则进行细致讲解，强调声部进行中的平行、隐藏、回避等禁忌的深层原因（声学与美学）。 赋格曲结构与主题发展策略： 详细拆解赋格曲的呈示部、展开部、再现部的结构划分，并分析主题在不同声部、不同调性中的模写、扩展与插入技巧。 织体密度与声部平衡： 研究不同织体（如单音、主调、复调）在不同乐器组中的听觉感知差异，以及如何通过声部高低位置的安排来实现清晰的层次感，避免“声部混浊”。 第五部分：曲式结构的高级分析与重构 本书将曲式视为一种逻辑框架，而非僵硬的模板，侧重于分析作曲家如何“打破”和“重塑”这些框架。 奏鸣曲式的深层结构： 详细分析呈示部、展开部、再现部的内在冲突与解决机制，特别是展开部中主题材料的“碎片化处理”与“调性探索”技巧。 回旋曲与三部曲式的变体： 分析A-B-A结构中的过渡段、连接段的写作目的，以及如何通过节奏或和声的细微变化来区分看似重复的主部材料（A组段）。 自由曲式与组曲的逻辑： 探讨浪漫主义时期（如肖邦夜曲、李斯特狂想曲）的自由曲式，以及组曲中各乐章间在材料、调性或情感上的内在联系。 第六部分：配器法的声学与人文视角 本章超越了“小提琴奏高音”“圆号奏中音区”的基础知识，探讨配器背后的声学原理和审美选择。 音色融合与分离的声学基础： 分析不同乐器泛音列的相似性与差异性，如何利用泛音的相互作用（如包络效应）来创造新的音色，或利用对比来增强清晰度。 木管乐器的“伪装”与“突出”： 探讨木管乐器在不同气流和指法下的动态变化，以及如何通过叠置木管声部来模仿弦乐的连贯性。 打击乐的节奏色彩学： 探讨非固定音高打击乐器（如镲、鼓组）在节奏结构中的功能定位，以及如何通过它们的音色变化来标记曲式段落或情绪转折。 第七部分：音乐的分析方法论与批判性思维 本书的收尾部分提供了一套系统的、可操作的音乐分析框架，旨在培养读者独立解读复杂作品的能力。 结构分析的层次化： 介绍从宏观形式（曲式）、中观结构（和声进程）到微观细节（动机发展）的逐步深入分析路径。 风格识别与历史语境： 探讨如何通过特定的和声语言、节奏模式和织体倾向来快速判断一首无标题作品的可能创作时期和风格流派。 理论工具的局限性讨论： 引导读者认识到任何理论体系（包括本书所介绍的）都是对音乐现象的简化和模型化，鼓励批判性地使用和超越既有框架进行创作与欣赏。 《乐境探源》旨在为那些寻求超越“弹奏”与“模仿”的音乐求知者，提供一把深入探索音乐世界深层结构与内在逻辑的钥匙。它要求读者投入时间与精力，但所获得的回报将是更加深刻、立体和富有洞察力的音乐理解。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这本乐理书会是一部枯燥乏味的理论大全，毕竟乐理这东西听起来就跟背诵公式差不多。但翻开内页后，我的看法完全被颠覆了。这本书的作者显然非常懂得如何与读者“对话”。他/她没有采用那种冷冰冰的教科书腔调，而是用了一种非常富有引导性和启发性的语言，仿佛一位经验丰富的老师在你耳边细细讲解。比如在解释“三和弦转位”时，书中不仅给出了标准的结构图，还配上了不同声部在实际演奏中听感上的细微差别，甚至探讨了特定转位在巴赫对位中常用的“倾向性”。这种从“是什么”到“为什么”再到“怎么用”的深入挖掘，让学习过程充满了探索的乐趣。我印象最深的是关于节奏复杂性的章节，很多教材对此一带而过，但这本书花了整整十几页的篇幅，通过大量的例子来剖析复合拍号下的重音变化和切分音的审美价值，甚至还联系到了20世纪初期的音乐实践。阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是在进行一场深度的音乐思维训练，它迫使你去思考每一个音符背后蕴含的结构逻辑和情感表达。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最开始对这本书持有一种观望态度，因为市面上乐理书太多了，很多都大同小异，要么过于偏向作曲，要么过于侧重演奏。但《基本乐理 音乐 书籍》真正吸引我的是它在“乐理”与“音乐实践”之间找到的那种微妙的平衡点。它没有强迫你去成为一个理论家，但它提供了你成为一个更深刻的音乐人所必需的“工具箱”。比如在讲解旋律写作时，它不仅仅停留在音程关系上，而是引入了“乐汇”的概念，分析了如何利用节奏的顿挫来塑造乐句的呼吸感，这在以往的乐理书中是很少见到的深度。当我按照书中的建议去分析一些简单的民歌或进行简单的视唱练习时，我发现我对于音高的感知能力有了显著的提高，不再只是机械地找到音符的位置，而是能更清晰地感受到音符之间的“功能关系”和“空间距离”。这本书让我明白了，乐理不是束缚音乐创造力的枷锁，而是理解和表达音乐内涵的钥匙。它成功地将冰冷的规则转化成了富有生命力的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常简洁大气，纯白的背景上只有书名和作者的名字，散发着一种沉稳又专业的学术气息。我是在一个朋友的推荐下购入的，当时他告诉我这本书是音乐学院入门课程的指定教材之一。拿到手后，首先映入眼帘的是其装帧的质感，纸张的厚度适中，印刷的油墨均匀，即便是细小的五线谱符号也清晰可见，这对于需要长期翻阅和学习的乐理书籍来说至关重要。我特别留意了目录结构，发现它不是那种简单罗列规则的堆砌，而是遵循了由浅入深的逻辑线索，从最基础的音高、节奏概念讲起，逐步过渡到和声功能、调式分析，最后甚至涉及到了配器法的一些基础概念，这种循序渐进的编排方式，极大地降低了初学者的心理门槛。我个人对这本书的排版布局非常赞赏，大量的图例和实例被巧妙地穿插在文字说明之中，使得抽象的乐理知识变得直观易懂，不像有些教材那样全是密密麻麻的文字，让人望而却步。总的来说，从这本书的第一印象来看，它无疑是一本为严肃学习者准备的、用心打磨过的专业教材，充满了对知识的尊重和对读者的关怀。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经学习了几年钢琴的业余爱好者，我购买这本书的初衷是想系统地梳理一下那些过去“似懂非懂”的乐理知识点，特别是对于功能和声理论的理解一直比较模糊。这本书在这方面表现得尤为出色。它没有满足于仅仅罗列“属和弦解决到主和弦”这样的基本规则，而是深入剖析了不同和弦在特定调性环境中产生的色彩变化和张力构建。作者在讲解如何构建一个完整的和声进行时，非常强调“声部进行”的连贯性，反复提醒读者要注意声部之间的平行关系和避免不协和音程的错误处理。这一点对于提高演奏的音乐性和准确性至关重要。我尝试着运用书中学到的分析方法，重新审视了几首自己正在练习的肖邦练习曲的伴奏织体，赫然发现过去只关注旋律和触键的我，完全忽略了下方和声的精妙布局。这种醍醐灌顶的感觉，让我对这本书的价值有了更深层次的认识——它不仅仅是教你规则，更是教你如何“听懂”音乐的骨架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源和排版细节，也体现了出版方和作者对读者的尊重。我特别喜欢书后附带的那部分“实践练习与分析示例”的索引。这些练习不是那种机械的、纯粹考察记忆力的题目，而是设计得很有音乐性，比如要求听辨不同调性之间转调的听觉辨识，或者要求根据给定的旋律线自行创作一个符合特定和声功能的三声部和弦。更重要的是，书中的每一个乐理概念，几乎都配上了清晰的五线谱示例，而且这些示例片段的选择非常讲究，涵盖了从巴洛克到浪漫主义时期的典型范例，这让读者在学习理论的同时，也接触到了大量高质量的音乐语汇。我注意到，即使是讲解非常细微的休止符的书写规范，作者也提供了图示说明，丝毫没有敷衍了事的感觉。这种对细节的极致追求，确保了读者在学习过程中不会因为格式不统一或示例模糊而产生困惑，是真正注重学习体验的体现。