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方新佩 编

图书标签:

• 音乐创作
• 多声部音乐
• 和声学
• 作曲技法
• 音乐理论
• 音乐分析
• 对位法
• 复调音乐
• 音乐史
• 音乐研究

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 苏州大学

ISBN：9787567221284

商品编码：29776590760

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：多声部音乐创作研究
• 作者：方新佩
• 定价：45
• 出版社：苏州大学
• ISBN号：9787567221284

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：227
• 字数：300千字

内容提要

从20世纪以来，随着人类音乐思维、音乐观念、 作曲技术以及音乐表演形式的不断发展，音乐的构成 形式也日趋多样化，从音乐表现手段方面来看，主要 以调性的动摇和功能和声的解体、曲式结构的变异为 标志；从音乐表演形式方面来看，主要表现为音乐剧 、声乐与器乐重组一体的“声器室内乐”（声乐器乐 化），自然音响的过分追求，标新立异诠释音乐的方 式等等。由方新佩著的《多声部音乐创作研究》正是 在这样的新音乐语境下创作而成的，体现了一定的时 代性，紧密结合当下的音乐创作实践，旨在通过复调 音乐的分析与研究、合唱音乐的分析与研究、配器法 的分析与研究、电声乐队的写作与研究四个方面，对 多声部音乐理论进行系统而全面的分析研究，总结出 多声部音乐作品的分析方法和写作技法，以*好地服 务于普通高校音乐学专业多声部写作课程的教学。
    

作者简介

方新佩，男，讲师，白俄罗斯国立文化艺术大学艺术学硕士，主修作曲技术理论。湖南科技学院侨联委员。湖南科技学院音乐与舞蹈学院党总支宣传委员。主要讲授乐理与视唱练耳、曲式与作品分析、歌曲写作等课程。 2006年任职以来主编视唱练耳教材两部，主持校级科研课题两项、校级教学改革课题一项、校级合格课程一项。指导大学生创新课题省级、校级各一项。研究方向主要是民族音乐素材在音乐创作中的运用，在核心期刊发表学术文章与音乐作品多篇：音乐创作体裁主要涉及民族管弦乐、合唱、弦乐四重奏、民族歌曲作品等，代表作品有男中音独唱《一步一步》、无伴奏女声合唱《桃花谣》、弦乐四重奏《中州韵》、领唱与合唱《南风歌》、民族管弦乐《豫乡情》等。

目录

前言
**部分 二声部复调音乐创作研究
第一章 对比式二声部
第一节 对位中的音程关系
第二节 对位中的节奏型与声部进行方式
第三节 对位中声部的对比
第四节 对比式二声部的织体类型
第五节 对比式二声部写作的注意事项
第二章 对比式二声部的变化形式
第一节 八度(十五度)复对位
第二节 倒影对位
第三节 复对位
第三章 模仿式二声部
第一节 模仿条件与写作形式
第二节 模仿式二声部复对位
第四章 复调手法在主调音乐中的运用
第一节 装饰
第二节 补充
第三节 丰富
第四节 对比
第二部分 合唱分析与研究
第五章 合唱中的人声
第一节 人声的特点
第二节 人声的类型和音域
第三节 两种特殊的歌唱发声方法及循环吸气
第六章 合唱的声部
第一节 合唱的基本声部
第二节 合唱声部的记谱
第三节 合唱队的常用音域
第四节 各声部的表现性能与性格特色
第七章 同声合唱
第一节 同声二部合唱
第二节 同声三部合唱
第三节 同声四部合唱
第八章 混声合唱
第一节 混声二部合唱
第二节 混合二部合唱
第三节 混声四部合唱
第四节 合唱声部的再分部
第五节 混声四部合唱中的齐唱
第九章 主调音乐风格的合唱写作
第一节 同节奏和声式织体
第二节 声部进行方式及其运用
第三节 主旋律与伴唱
第十章 复调音乐风格的合唱写作
第一节 模仿式合唱
第二节 对比式合唱
第三部分 配器法分析与研究
第十一章 管弦乐队常用乐器及乐队组合形式
第一节 管弦乐队中常用的乐器

好的，这是一份关于一本名为《音画交响：二十世纪管弦乐配器法的演进与实践》的图书简介，内容力求详实，避免涉及“多声部音乐创作研究”的相关主题，并力求自然流畅： --- 音画交响：二十世纪管弦乐配器法的演进与实践 本书导言：管弦乐的色彩革命 管弦乐队，作为西方古典音乐传统中最庞大、最富于表现力的乐器群体，其内部的组合与平衡始终是作曲家们探究的核心课题。进入二十世纪，随着科技的发展、新乐器的出现以及音乐思潮的剧变，管弦乐的配器法经历了一场深刻的革命。传统的“均衡”概念被打破，色彩、质感和音响的独立性被提升到前所未有的高度。 《音画交响：二十世纪管弦乐配器法的演进与实践》正是聚焦于这一关键时期的配器艺术的深度考察。本书并非一部笼统的乐器学手册，而是通过对不同历史阶段、不同流派大师作品的细致解剖，描摹出二十世纪管弦乐配器技艺从印象主义的细腻过渡到现代主义的尖锐，再到后现代的试验性探索的全景图景。 第一部分：印象主义的色彩浸染与木管组的解放（约1900-1920年代） 本部分追溯了德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）如何彻底改变了乐队的“音响画布”。我们详细分析了他们如何运用木管乐器——特别是长笛、双簧管、单簧管和巴松管——的独特音色来创造微妙的色彩变化，而非仅仅作为和声的承载者。 长笛与短笛的清澈点缀： 探讨了如何在高音区利用快速的音型和颤音（Tremolo）来模拟水波或光线的闪烁效果。重点分析了拉威尔《圆舞曲》中木管组交织的复调织体如何实现声部之间的独立发光。 木管的“融合”与“分离”： 深入研究了印象派配器法中，如何通过巧妙的移调和弱奏（Sotto Voce）技巧，使得不同木管乐器彼此融合，形成一种半透明的音响效果；反之，也分析了如何通过突兀的重音（Staccato）将特定木管乐器从整体中剥离出来，使其承担独立的“独奏”功能。 铜管的克制与音色转变： 这一阶段的铜管（圆号、小号、长号）不再是绝对力量的象征，而是被用于制造柔和、模糊的背景和弦，或通过弱音器（Mute）实现独特的“金属质感”。本书通过对德彪西《海》的分析，展示了铜管组如何支撑起广阔的音响空间。 第二部分：新古典主义与对“透明度”的追求（约1920-1940年代） 随着斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）等作曲家转向新古典主义，配器法也随之回归到对清晰度、精确性和机械性节奏的强调。这要求乐器组的配置更加“分明”，避免印象派的过度模糊。 打击乐组的地位提升： 打击乐不再仅仅是增加轰鸣感，而是成为节奏和结构的关键驱动力。我们详细考察了斯特拉文斯基作品中，定音鼓、小军鼓以及新引入的木琴、钢片琴如何被用于精确标记节奏切分点，甚至充当旋律的骨架。 弦乐组的“去浪漫化”： 弦乐组的演奏技巧被重新审视。弓法强调干燥的跳弓（Sautillé）、强烈的拨弦（Pizzicato）以及不加揉饰的直线型线条，以实现“清晰的棱角感”，削弱了晚期浪漫主义中那种连绵不绝的“肉感”。 小乐队的实验： 探讨了小型、紧凑的乐团配置（如双管编制或仅限木管）如何迫使作曲家探索音色组合的极致密度，而非依靠庞大的规模取胜。 第三部分：序列主义、电子技术与音色矩阵的构建（约1950-1970年代） 中期的现代主义将配器法的焦点从传统的“乐器家族”转移到了“音高、时值、力度”的参数控制上。序列音乐的严谨性对配器提出了前所未有的挑战。 “点描”配器法与微观分析： 重点分析了韦伯恩（Anton Webern）及其追随者如何使用极简的乐器配置来演奏极其分散的旋律片段。每一件乐器往往只负责一个音符或一个短暂的音型，从而创造出一种声音的“点状分布”，极度依赖听众对音色细微差别的捕捉。 新乐器与拓展技巧的融入： 这一部分详细记录了作曲家如何系统地将扩音设备引入管弦乐，以及对传统乐器演奏法的大胆扩展，例如：使用超高音区（Altissimo）、空气声（Air Sounds）、或利用金属摩擦产生噪音。我们分析了布列兹（Pierre Boulez）如何利用对乐器性能的极限挖掘来构建复杂的声学结构。 弦乐的“噪音化”处理： 深入研究了如利盖蒂（György Ligeti）的微观复调（Micropolyphony）中，弦乐组如何被指示演奏密集的、无法分辨单个音高的集群音响（Cluster），从而营造出如同声学“云雾”或“物质实体”般的听觉体验。 第四部分：后现代的并置与对“听觉记忆”的调用（约1970年代至今） 随着后现代思潮的兴起，配器法开始展现出极大的兼容性和引用性，作曲家们开始有意识地“借用”历史音色。 极简主义的重复与叠加： 分析了萨蒂（Erik Satie）的影响如何通过极简主义的重复结构，重新定义了管弦乐队的“时间感”。在配器层面，这意味着长时间的乐器组维持同一种力度和音色，使听众的注意力从“发展”转移到“存在”本身。 风格的拼贴与引用： 探讨了作曲家如何运用配器法来唤起听众对特定历史时期（如浪漫主义的丰满、巴洛克的清晰）的记忆。这通常涉及对特定乐器组合的精确模仿或故意错位。 电声与声场设计： 现代配器实践中，声学空间本身成为配器的一部分。本书讨论了如何通过分区（Dividing）乐团，利用不同区域的声学特性来塑造听觉的立体感和移动感，使管弦乐团的“音画”不仅限于内部组合，更延伸至演奏厅的物理空间。 结语：面向未来的调色板 《音画交响》总结了二十世纪配器法从关注“和声的平衡”到追求“音色的独立性”的根本转变。它揭示了技术进步和观念革新如何共同作用，将管弦乐队从一个固定的实体，塑造成一个无限可塑的、能够表达最复杂现代思想的听觉实验室。本书为学习和研究管弦乐配器的专业人士提供了一套清晰的、以实例为基础的演进路线图。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对于“跨界”思考的兼容并蓄。它似乎不满足于仅仅停留在既定的音乐学范畴内进行探讨，而是巧妙地引入了其他学科，比如心理学对听觉认知的阐述，以及数学模型对结构对称性的量化分析。这种多元的视角，极大地拓宽了我对音乐本体的理解边界。它提醒我们，任何艺术形式都不是孤立存在的，而是与人类的认知、结构思维乃至审美经验紧密交织在一起的。这种开阔的视野，使得全书的论述立体而丰满，让人在学习具体技法之余，还能对音乐创作的本质产生更深层次的哲学思考。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐理论有基础的实践者，我最关心的就是书中的案例分析部分是否足够“接地气”。这本书在这方面做得非常出色。它并没有停留在纯粹的抽象推演，而是大量引用了历史上那些经典作品的片段进行详尽的剖析。这些案例的选择非常巧妙，涵盖了不同的风格时期和不同的作曲技法，展现了理论在实际创作中的生命力。分析时，作者的笔触极其细腻，能够捕捉到那些肉耳不易察觉的微小结构变化，并将其与背后的原理清晰地勾连起来。这种将理论与实践紧密结合的写作方式，极大地增强了我的学习兴趣，感觉自己仿佛是和作曲家本人在进行一场跨越时空的对话，共同探讨音乐的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计很有心思，封面选用了一种沉稳的墨绿色，配上烫金的书名，透露出一种古典而严谨的气质，让人一拿到手里就感受到它分量不凡。内页的纸张质感也相当好，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅也不会感到眼睛疲劳。装帧的细节处理得非常到位，从书脊的装订到扉页的排版，都体现出出版方在制作上的匠心独运。尤其是字体选择，既保持了学术书籍的清晰易读，又在一些需要强调的地方使用了略带变化的字体样式，使得整体阅读体验更加流畅。这本书的版式设计也颇为讲究，行间距和页边距的留白处理恰到好处，为读者提供了一个非常开阔的阅读视野。整体来说，光是翻阅这本书，本身就是一种享受，让人对即将展开的内容充满期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述逻辑可谓是层层递进，简直就像在进行一场结构严谨的学术辩论。作者似乎非常擅长将宏大的理论框架，拆解成一个个可以被精准把握的小单元，然后逐步搭建起完整的知识体系。我尤其欣赏它处理复杂概念时的那种耐心和清晰度，不像有些专业书籍那样动辄堆砌晦涩的术语，而是总能找到一个恰当的比喻或者一个清晰的路径，引导读者理解深层的原理。它没有那种故作高深的腔调，而是保持了一种谦逊而求实的学风。读完某个章节后，你不会觉得只是记住了几个零散的知识点，而是感觉自己对整个领域的宏观结构有了更深一层的洞察，这对于建立稳固的理论基础至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格是相当独特的，它既有学术著作应有的那种精准和严谨，却又穿插着一种近乎于文学性的流畅与优美。读起来完全没有那种枯燥乏味的“学术腔”，反而像是在听一位学识渊博的长者娓娓道来。作者在构建句子结构时，常常使用一些富有节奏感的句式，使得冗长的论述也变得引人入胜。这种文采的运用，极大地降低了阅读的门槛，让一些原本可能被视为高深莫测的议题，变得平易近人。它成功地平衡了知识的深度和表达的易读性，这在同类专业书籍中是相当难得的。