多聲部音樂創作研究 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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方新佩 編

圖書標籤:

• 音樂創作
• 多聲部音樂
• 和聲學
• 作麯技法
• 音樂理論
• 音樂分析
• 對位法
• 復調音樂
• 音樂史
• 音樂研究

店鋪： 木垛圖書旗艦店

齣版社： 蘇州大學

ISBN：9787567221284

商品編碼：29776590760

開本：16

齣版時間：2018-04-01

基本信息

• 商品名稱：多聲部音樂創作研究
• 作者：方新佩
• 定價：45
• 齣版社：蘇州大學
• ISBN號：9787567221284

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2018-04-01
• 印刷時間：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：16開
• 包裝：平裝
• 頁數：227
• 字數：300韆字

內容提要

從20世紀以來，隨著人類音樂思維、音樂觀念、 作麯技術以及音樂錶演形式的不斷發展，音樂的構成 形式也日趨多樣化，從音樂錶現手段方麵來看，主要 以調性的動搖和功能和聲的解體、麯式結構的變異為 標誌；從音樂錶演形式方麵來看，主要錶現為音樂劇 、聲樂與器樂重組一體的“聲器室內樂”（聲樂器樂 化），自然音響的過分追求，標新立異詮釋音樂的方 式等等。由方新佩著的《多聲部音樂創作研究》正是 在這樣的新音樂語境下創作而成的，體現瞭一定的時 代性，緊密結閤當下的音樂創作實踐，旨在通過復調 音樂的分析與研究、閤唱音樂的分析與研究、配器法 的分析與研究、電聲樂隊的寫作與研究四個方麵，對 多聲部音樂理論進行係統而全麵的分析研究，總結齣 多聲部音樂作品的分析方法和寫作技法，以*好地服 務於普通高校音樂學專業多聲部寫作課程的教學。
    

作者簡介

方新佩，男，講師，白俄羅斯國立文化藝術大學藝術學碩士，主修作麯技術理論。湖南科技學院僑聯委員。湖南科技學院音樂與舞蹈學院黨總支宣傳委員。主要講授樂理與視唱練耳、麯式與作品分析、歌麯寫作等課程。 2006年任職以來主編視唱練耳教材兩部，主持校級科研課題兩項、校級教學改革課題一項、校級閤格課程一項。指導大學生創新課題省級、校級各一項。研究方嚮主要是民族音樂素材在音樂創作中的運用，在核心期刊發錶學術文章與音樂作品多篇：音樂創作體裁主要涉及民族管弦樂、閤唱、弦樂四重奏、民族歌麯作品等，代錶作品有男中音獨唱《一步一步》、無伴奏女聲閤唱《桃花謠》、弦樂四重奏《中州韻》、領唱與閤唱《南風歌》、民族管弦樂《豫鄉情》等。

目錄

前言
**部分 二聲部復調音樂創作研究
第一章 對比式二聲部
第一節 對位中的音程關係
第二節 對位中的節奏型與聲部進行方式
第三節 對位中聲部的對比
第四節 對比式二聲部的織體類型
第五節 對比式二聲部寫作的注意事項
第二章 對比式二聲部的變化形式
第一節 八度(十五度)復對位
第二節 倒影對位
第三節 復對位
第三章 模仿式二聲部
第一節 模仿條件與寫作形式
第二節 模仿式二聲部復對位
第四章 復調手法在主調音樂中的運用
第一節 裝飾
第二節 補充
第三節 豐富
第四節 對比
第二部分 閤唱分析與研究
第五章 閤唱中的人聲
第一節 人聲的特點
第二節 人聲的類型和音域
第三節 兩種特殊的歌唱發聲方法及循環吸氣
第六章 閤唱的聲部
第一節 閤唱的基本聲部
第二節 閤唱聲部的記譜
第三節 閤唱隊的常用音域
第四節 各聲部的錶現性能與性格特色
第七章 同聲閤唱
第一節 同聲二部閤唱
第二節 同聲三部閤唱
第三節 同聲四部閤唱
第八章 混聲閤唱
第一節 混聲二部閤唱
第二節 混閤二部閤唱
第三節 混聲四部閤唱
第四節 閤唱聲部的再分部
第五節 混聲四部閤唱中的齊唱
第九章 主調音樂風格的閤唱寫作
第一節 同節奏和聲式織體
第二節 聲部進行方式及其運用
第三節 主鏇律與伴唱
第十章 復調音樂風格的閤唱寫作
第一節 模仿式閤唱
第二節 對比式閤唱
第三部分 配器法分析與研究
第十一章 管弦樂隊常用樂器及樂隊組閤形式
第一節 管弦樂隊中常用的樂器

好的，這是一份關於一本名為《音畫交響：二十世紀管弦樂配器法的演進與實踐》的圖書簡介，內容力求詳實，避免涉及“多聲部音樂創作研究”的相關主題，並力求自然流暢： --- 音畫交響：二十世紀管弦樂配器法的演進與實踐 本書導言：管弦樂的色彩革命 管弦樂隊，作為西方古典音樂傳統中最龐大、最富於錶現力的樂器群體，其內部的組閤與平衡始終是作麯傢們探究的核心課題。進入二十世紀，隨著科技的發展、新樂器的齣現以及音樂思潮的劇變，管弦樂的配器法經曆瞭一場深刻的革命。傳統的“均衡”概念被打破，色彩、質感和音響的獨立性被提升到前所未有的高度。 《音畫交響：二十世紀管弦樂配器法的演進與實踐》正是聚焦於這一關鍵時期的配器藝術的深度考察。本書並非一部籠統的樂器學手冊，而是通過對不同曆史階段、不同流派大師作品的細緻解剖，描摹齣二十世紀管弦樂配器技藝從印象主義的細膩過渡到現代主義的尖銳，再到後現代的試驗性探索的全景圖景。 第一部分：印象主義的色彩浸染與木管組的解放（約1900-1920年代） 本部分追溯瞭德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）如何徹底改變瞭樂隊的“音響畫布”。我們詳細分析瞭他們如何運用木管樂器——特彆是長笛、雙簧管、單簧管和巴鬆管——的獨特音色來創造微妙的色彩變化，而非僅僅作為和聲的承載者。 長笛與短笛的清澈點綴： 探討瞭如何在高音區利用快速的音型和顫音（Tremolo）來模擬水波或光綫的閃爍效果。重點分析瞭拉威爾《圓舞麯》中木管組交織的復調織體如何實現聲部之間的獨立發光。 木管的“融閤”與“分離”： 深入研究瞭印象派配器法中，如何通過巧妙的移調和弱奏（Sotto Voce）技巧，使得不同木管樂器彼此融閤，形成一種半透明的音響效果；反之，也分析瞭如何通過突兀的重音（Staccato）將特定木管樂器從整體中剝離齣來，使其承擔獨立的“獨奏”功能。 銅管的剋製與音色轉變： 這一階段的銅管（圓號、小號、長號）不再是絕對力量的象徵，而是被用於製造柔和、模糊的背景和弦，或通過弱音器（Mute）實現獨特的“金屬質感”。本書通過對德彪西《海》的分析，展示瞭銅管組如何支撐起廣闊的音響空間。 第二部分：新古典主義與對“透明度”的追求（約1920-1940年代） 隨著斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）等作麯傢轉嚮新古典主義，配器法也隨之迴歸到對清晰度、精確性和機械性節奏的強調。這要求樂器組的配置更加“分明”，避免印象派的過度模糊。 打擊樂組的地位提升： 打擊樂不再僅僅是增加轟鳴感，而是成為節奏和結構的關鍵驅動力。我們詳細考察瞭斯特拉文斯基作品中，定音鼓、小軍鼓以及新引入的木琴、鋼片琴如何被用於精確標記節奏切分點，甚至充當鏇律的骨架。 弦樂組的“去浪漫化”： 弦樂組的演奏技巧被重新審視。弓法強調乾燥的跳弓（Sautillé）、強烈的撥弦（Pizzicato）以及不加揉飾的直綫型綫條，以實現“清晰的棱角感”，削弱瞭晚期浪漫主義中那種連綿不絕的“肉感”。 小樂隊的實驗： 探討瞭小型、緊湊的樂團配置（如雙管編製或僅限木管）如何迫使作麯傢探索音色組閤的極緻密度，而非依靠龐大的規模取勝。 第三部分：序列主義、電子技術與音色矩陣的構建（約1950-1970年代） 中期的現代主義將配器法的焦點從傳統的“樂器傢族”轉移到瞭“音高、時值、力度”的參數控製上。序列音樂的嚴謹性對配器提齣瞭前所未有的挑戰。 “點描”配器法與微觀分析： 重點分析瞭韋伯恩（Anton Webern）及其追隨者如何使用極簡的樂器配置來演奏極其分散的鏇律片段。每一件樂器往往隻負責一個音符或一個短暫的音型，從而創造齣一種聲音的“點狀分布”，極度依賴聽眾對音色細微差彆的捕捉。 新樂器與拓展技巧的融入： 這一部分詳細記錄瞭作麯傢如何係統地將擴音設備引入管弦樂，以及對傳統樂器演奏法的大膽擴展，例如：使用超高音區（Altissimo）、空氣聲（Air Sounds）、或利用金屬摩擦産生噪音。我們分析瞭布列茲（Pierre Boulez）如何利用對樂器性能的極限挖掘來構建復雜的聲學結構。 弦樂的“噪音化”處理： 深入研究瞭如利蓋蒂（György Ligeti）的微觀復調（Micropolyphony）中，弦樂組如何被指示演奏密集的、無法分辨單個音高的集群音響（Cluster），從而營造齣如同聲學“雲霧”或“物質實體”般的聽覺體驗。 第四部分：後現代的並置與對“聽覺記憶”的調用（約1970年代至今） 隨著後現代思潮的興起，配器法開始展現齣極大的兼容性和引用性，作麯傢們開始有意識地“藉用”曆史音色。 極簡主義的重復與疊加： 分析瞭薩蒂（Erik Satie）的影響如何通過極簡主義的重復結構，重新定義瞭管弦樂隊的“時間感”。在配器層麵，這意味著長時間的樂器組維持同一種力度和音色，使聽眾的注意力從“發展”轉移到“存在”本身。 風格的拼貼與引用： 探討瞭作麯傢如何運用配器法來喚起聽眾對特定曆史時期（如浪漫主義的豐滿、巴洛剋的清晰）的記憶。這通常涉及對特定樂器組閤的精確模仿或故意錯位。 電聲與聲場設計： 現代配器實踐中，聲學空間本身成為配器的一部分。本書討論瞭如何通過分區（Dividing）樂團，利用不同區域的聲學特性來塑造聽覺的立體感和移動感，使管弦樂團的“音畫”不僅限於內部組閤，更延伸至演奏廳的物理空間。 結語：麵嚮未來的調色闆 《音畫交響》總結瞭二十世紀配器法從關注“和聲的平衡”到追求“音色的獨立性”的根本轉變。它揭示瞭技術進步和觀念革新如何共同作用，將管弦樂隊從一個固定的實體，塑造成一個無限可塑的、能夠錶達最復雜現代思想的聽覺實驗室。本書為學習和研究管弦樂配器的專業人士提供瞭一套清晰的、以實例為基礎的演進路綫圖。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計很有心思，封麵選用瞭一種沉穩的墨綠色，配上燙金的書名，透露齣一種古典而嚴謹的氣質，讓人一拿到手裏就感受到它分量不凡。內頁的紙張質感也相當好，閱讀起來非常舒適，即便是長時間翻閱也不會感到眼睛疲勞。裝幀的細節處理得非常到位，從書脊的裝訂到扉頁的排版，都體現齣齣版方在製作上的匠心獨運。尤其是字體選擇，既保持瞭學術書籍的清晰易讀，又在一些需要強調的地方使用瞭略帶變化的字體樣式，使得整體閱讀體驗更加流暢。這本書的版式設計也頗為講究，行間距和頁邊距的留白處理恰到好處，為讀者提供瞭一個非常開闊的閱讀視野。整體來說，光是翻閱這本書，本身就是一種享受，讓人對即將展開的內容充滿期待。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對音樂理論有基礎的實踐者，我最關心的就是書中的案例分析部分是否足夠“接地氣”。這本書在這方麵做得非常齣色。它並沒有停留在純粹的抽象推演，而是大量引用瞭曆史上那些經典作品的片段進行詳盡的剖析。這些案例的選擇非常巧妙，涵蓋瞭不同的風格時期和不同的作麯技法，展現瞭理論在實際創作中的生命力。分析時，作者的筆觸極其細膩，能夠捕捉到那些肉耳不易察覺的微小結構變化，並將其與背後的原理清晰地勾連起來。這種將理論與實踐緊密結閤的寫作方式，極大地增強瞭我的學習興趣，感覺自己仿佛是和作麯傢本人在進行一場跨越時空的對話，共同探討音樂的奧秘。

評分☆☆☆☆☆

這本書的論述邏輯可謂是層層遞進，簡直就像在進行一場結構嚴謹的學術辯論。作者似乎非常擅長將宏大的理論框架，拆解成一個個可以被精準把握的小單元，然後逐步搭建起完整的知識體係。我尤其欣賞它處理復雜概念時的那種耐心和清晰度，不像有些專業書籍那樣動輒堆砌晦澀的術語，而是總能找到一個恰當的比喻或者一個清晰的路徑，引導讀者理解深層的原理。它沒有那種故作高深的腔調，而是保持瞭一種謙遜而求實的學風。讀完某個章節後，你不會覺得隻是記住瞭幾個零散的知識點，而是感覺自己對整個領域的宏觀結構有瞭更深一層的洞察，這對於建立穩固的理論基礎至關重要。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格是相當獨特的，它既有學術著作應有的那種精準和嚴謹，卻又穿插著一種近乎於文學性的流暢與優美。讀起來完全沒有那種枯燥乏味的“學術腔”，反而像是在聽一位學識淵博的長者娓娓道來。作者在構建句子結構時，常常使用一些富有節奏感的句式，使得冗長的論述也變得引人入勝。這種文采的運用，極大地降低瞭閱讀的門檻，讓一些原本可能被視為高深莫測的議題，變得平易近人。它成功地平衡瞭知識的深度和錶達的易讀性，這在同類專業書籍中是相當難得的。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到驚喜的是它對於“跨界”思考的兼容並蓄。它似乎不滿足於僅僅停留在既定的音樂學範疇內進行探討，而是巧妙地引入瞭其他學科，比如心理學對聽覺認知的闡述，以及數學模型對結構對稱性的量化分析。這種多元的視角，極大地拓寬瞭我對音樂本體的理解邊界。它提醒我們，任何藝術形式都不是孤立存在的，而是與人類的認知、結構思維乃至審美經驗緊密交織在一起的。這種開闊的視野，使得全書的論述立體而豐滿，讓人在學習具體技法之餘，還能對音樂創作的本質産生更深層次的哲學思考。