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余占友 编

图书标签:

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• 考级
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店铺： 火把图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968584

商品编码：29782851508

开本：16

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：小钟琴考级教程
• 作者：编者:余占友
• 定价：56
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968584

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：120
• 字数：198千字

内容提要

余占友编著的《小钟琴考级教程》遵循由浅入深 、由易到难的原则，分为初级、中级、**3个阶段 ，1～3级为初级阶段；4～6级为中级阶段；7～10级 为**阶段。每级编入2首练习曲和7～8首乐曲，根 据演奏技术与易难程度制订相应考级标准，以体现演 奏水平等级区分，并且在各阶段将乐理知识、演奏技 术、乐曲结构等要求及技巧运用细则加以提示，供考 生和指导教师参考。
     《小钟琴考级教程》是音乐启蒙教育的创新举措 ，是有益尝试，对于儿童而言，小钟琴考级是一种促 进孩子们学习成效的评价措施，通过考级不断提高小 钟琴演奏能力，培养音乐兴趣，开发音乐潜质，为造 就音乐人才打下良好基础。本教程按照1首级习曲和1 首乐曲进行各级别考级，曲目任选。
    

目录

**级
练习曲1
练习曲2
小羊羔
乃哟乃
星星眨眼
泰迪熊
哈巴狗
小星星
母鸡叫咯咯
第2级
练习曲1
练习曲2
小蜜蜂
小雪花
草原上
大象
两只老虎
粉刷匠
理发师
第3级
练习曲1
练习曲2
大树妈妈
四季歌
上学歌
看星
划小船
小红帽
过新年
第4级
练习曲1
练习曲2
小手帕
小乌鸦爱妈妈
小兔乖乖
蹦蹦跳跳
欢乐颂
卖报歌
春天来了
第5级
练习曲1
练习曲2
生日歌
新年好
蜗牛与黄鹂鸟
龙咚锵
法国民歌
十个印第安小朋友
我的家在日喀则
第6级
练习曲1
练习曲2
娃哈哈
小螺号
小白船
噢！苏珊娜
丰收之歌
时间像小马车
故乡的亲人
第7级
练习曲1
练习曲2
动物说话
洋娃娃和小熊跳舞
欢乐的少年
泉水叮咚响
春天举行音乐会
世上只有妈妈好
茉莉花
采蘑菇的小姑娘
第8级
练习曲1
练习曲2
我是草原小牧民
剪羊毛
雪绒花
拔萝卜
小松树
友谊地久天长
春天在哪里
我爱北京天安门
第9级
练习曲1
练习曲2
保卫黄河
金蛇狂舞
内蒙古小调变奏曲
彩云追月
送别
小号小夜曲
草原英雄小姐妹
**0级
练习曲1
练习曲2
铃儿响叮当
大海啊，故乡
猎人进行曲
小城故事
桔梗谣
赛马
欢沁
春节序曲

弦音之韵：现代拨弦乐器演奏技巧深度解析 一部献给所有弦乐爱好者和专业演奏者的里程碑式著作 内容提要： 本书并非对传统键盘或管乐教学体系的简单复述，而是将焦点完全聚焦于现代拨弦乐器——特别是那些以精妙指法和多变音色著称的乐器——的演奏艺术与技术革新。全书共分为六大部分，从拨弦乐器的声学原理与历史演变入手，深入剖析了从基础指法到高级复调织体构建的每一个关键环节。 第一部分：拨弦乐器的声学基础与历史溯源 本部分首先详细阐述了拨弦发声的物理学原理，包括弦的张力、线密度与音高之间的定量关系，以及共振腔体对音色丰富度的影响。我们运用现代声学分析工具，对不同材质琴弦（尼龙、钢丝、肠线）在拨弦瞬间的瞬态响应和衰减特性进行了细致对比，为演奏者理解“声音的源头”提供了坚实的科学基础。 随后，章节回溯了拨弦乐器波澜壮阔的历史。我们探讨了古希腊的里拉琴、中世纪的鲁特琴，直至文艺复兴时期的维厄埃拉琴，以及巴洛克时期鲁特琴的精妙构造。重点分析了这些早期乐器在指板设计、音窗开口以及演奏姿态上的演变，如何直接影响了后世古典吉他、古典曼陀林等乐器的技术规范。我们尤其关注了18世纪欧洲制琴工艺的飞跃，以及这些变革如何为浪漫主义时期的宏大叙事风格铺平了道路。 第二部分：精微指法：拨弦技巧的本体论 本部分是本书的技术核心，着眼于双手配合的精细化训练。对于右手（拨弦手），我们摒弃了模糊的“力度控制”描述，转而引入了“触弦角”、“拨弦轨迹”和“指甲/指肉混合发声模型”等概念。书中详尽图解了阿尔韦斯、塔雷加、布罗豪阿等大师的右手姿势差异，并针对古典吉他中的“Tirando”（自由拨弦）与“Apoyando”（靠弦拨弦）在发音清晰度、持久性上的优劣进行了严谨的对比分析，提供了上百组针对性练习。 左手（按弦手）的训练则强调“垂直压力”与“横向滑动”的平衡。我们引入了“指尖有效接触面积”的概念，探讨了不同指位按弦时，如何最大限度地减少杂音，实现音色的纯净。高级技巧如“半封闭和弦”（Partial Barres）的正确手型调整，以及在快速音阶中避免“黏滞感”的无声换把技术，均配有慢动作解析。 第三部分：复调织体的构建与声部分离 拨弦乐器往往需要一人模仿一个小型乐队的复调效果。本部分聚焦于如何清晰地分离和突出不同声部。我们不再停留在“旋律声部要强”的泛泛而谈，而是引入了“声部优先级矩阵”，根据和声功能（如主音、导音、经过音）来动态调整拨弦力度。 书中详细解析了巴赫赋格曲在拨弦乐器上的改编难点。通过分析不同声部交织时的指位布局，我们提出了一种“空间声部布局法”，即通过巧妙地在指板上利用高低把位来物理地拉开声部间的距离，从而达到听觉上的清晰分离。对于装饰音和对位处理，我们提供了一套基于“节奏微变”的声部强调练习，确保装饰音服务于整体结构而非仅仅是炫技。 第四部分：音色雕塑：超越“强弱”的音色控制 音色是拨弦乐艺术的灵魂。本章深入探讨了如何通过细微调整，实现从“柔和如呼吸”到“明亮如钟声”的跨越。我们分析了拨弦位置对泛音结构的影响：靠近琴码（Ponticello）产生的尖锐金属感，以及靠近音孔（Tasto）产生的温暖模糊感。 更重要的是，本章引入了“指甲相位调控法”。对于使用指甲的演奏者，指甲与指肉接触的角度（相位）决定了拨弦瞬间的能量释放模式。书中提供了大量用于感知和调整此相位的练习，例如针对特定音色的“斜切拨弦”与“垂直拨弦”的快速切换练习。此外，对揉弦（Vibrato）的频率、广度与时机的精确控制，也被视为音色雕塑不可或缺的一部分。 第五部分：跨界与现代技法：拓展演奏的边界 本部分着眼于20世纪后拨弦乐器技术的革新与拓展。我们详细介绍了“打击技巧”（Percussive Techniques），包括指关节敲击琴身、掌根闷音（Palm Muting）的精确应用，以及如何将其融入传统曲目中以增加节奏的冲击力。 针对现代曲目中出现的“非标准”演奏法，如大力度扫弦、快速的指板滑音（Glissando）技巧的规范化训练被纳入其中。对于使用拨片的演奏者，本书提供了针对不同拨片材质（牛角、赛璐珞、树脂）的握持角度优化方案，以应对高速琶音和密集扫弦带来的阻力问题。 第六部分：乐器维护与演奏心理学 成功的演奏不仅依赖于手指的技巧，还依赖于对乐器的深入了解和稳定的心理状态。本章涵盖了弦的更换周期、指板的湿度控制、以及如何通过调整琴码高度微调音准的实用知识。 在演奏心理学方面，本书借鉴了运动神经科学的研究成果，探讨了“肌肉记忆”的形成机制，并设计了针对性极强的“超负荷练习法”来打破演奏瓶颈。我们还提供了“舞台焦虑管理”的实践方案，包括呼吸节奏与内部对话的调整，旨在帮助演奏者将最佳技术状态稳定地带入公开演出之中。 结语： 本书旨在为严肃的拨弦乐学习者提供一套系统、科学且富含实践指导的进阶路径。它要求学习者以工匠般的严谨态度对待每一次拨弦，最终实现技术与音乐思想的完美统一。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余爱好者，我最头疼的就是如何将学到的零散知识系统化地应用到实际演奏中去。这本书在这方面的构建逻辑非常严密，像搭积木一样，层层递进，让你毫无压力地掌握复杂的乐理和技巧。它并不是一上来就挑战高难度，而是设置了许多“桥梁段落”。比如，在进入和弦转换的复杂练习之前，它会先用一个专门的小单元来巩固基础的转位练习，并且将这些转位练习设计成了像小练习曲一样的形式，让你在不知不觉中就提升了手部的灵活性和对和声的敏感度。我发现，其他教材要么过于侧重技巧的堆砌，要么又过于偏重理论的说教，很少有能将两者如此完美地融合在一起。更值得称赞的是，它对不同风格曲目的适应性非常强。它不仅提供了古典乐的基础指引，还非常前瞻性地加入了对一些特定音色处理的探讨，比如如何用更现代的手法来演绎一些看似传统的作品，这让我在排练一些跨界合作曲目时，找到了很多创新的思路和可靠的理论支撑。这本书的价值在于，它为你提供了一张清晰的、通往不同音乐领域的地图，而不是只把你困在一个小巷子里。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是令人眼前一亮，完全超出了我对入门级音乐教材的预期。从我翻开第一页开始，就被它那种严谨又不失亲和力的编排方式深深吸引住了。首先，对于一个完全的新手来说，它在基础乐理部分的讲解简直是教科书级别的清晰。作者没有直接堆砌那些晦涩难懂的术语，而是采用了大量的图示和生活化的比喻来解释音高、节奏这些抽象概念。我记得有一次我一直搞不懂三连音和附点音符的区别，翻遍了以前的资料都没明白，结果在这本书里，作者用“赛跑者步伐”的比喻，瞬间就让我茅塞顿开。而且，它不仅仅是教你怎么弹奏，更注重的是“理解”音乐的内在逻辑。例如，在介绍基础的指法练习时，它不是简单地给出音阶练习曲，而是会穿插一些历史背景或者作曲家的小故事，让你在练习枯燥的技巧时，也能感受到音乐的魅力和深度。这种全方位的熏陶，让我在学习过程中充满了动力，而不是仅仅应付考试。至于曲目的选择，更是独具匠心，从巴赫的赋格片段到一些非常现代的、充满灵气的练习曲穿插其中，极大地拓宽了我的音乐视野。这本书的排版设计也值得称赞，字体大小适中，谱面清晰，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳，真正做到了实用性和美观性的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我之前尝试过好几本所谓的“权威”教材，但都半途而废了，原因很简单：它们太“老派”了，内容陈旧，而且对当代学习者的学习习惯考虑不足。但是，这本教材给我的感觉是，它仿佛是为我们这一代人量身定做的。它的节奏感训练部分简直是神来之笔。很多教材都是机械地让你一遍遍地重复同样的节奏型，枯燥乏味到让人想砸琴。然而，这本书巧妙地将节奏训练融入到非常有趣的“律动游戏”中，比如通过拍手、身体的律动来体会复杂节拍的内涵，然后再过渡到键盘上。这种身体力行的学习方式，极大地帮助我建立了内在的节奏感，而不是仅仅依赖眼睛去看谱面上的数字。更让我惊喜的是，它对“音乐表现力”的讲解，这一点往往被很多技术性教材所忽略。书中有一个章节专门讨论了“触键的力度与音色的变化”，里面详细分析了不同触键方式对声音带来的微妙影响，甚至配有详细的动态图解，告诉我手指的“角度”和“重量”如何直接决定了音符的“情绪”。这已经超越了一般的教程范畴，更像是一位资深演奏家在进行一对一的私房指导，让我深刻体会到，音乐的精髓远不止于把音符弹对而已。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“可操作性”达到了一个令人难以置信的高度。很多教材，你看着觉得很厉害，但真正上手去实践，就会发现它们脱离了日常练习的实际情况。而这本教程则不然，它处处体现出对学习者时间和精力的尊重。例如，它在设计练习模块时，非常注重“练习效率”。书中明确指出，与其无效地重复弹奏一个小时，不如专注地、带着明确目的练习十五分钟。它甚至给出了一个“如何自我检测”的清单，让你在每次练习结束后，都能清晰地知道自己今天进步了哪里，哪些地方还需要加强，这种反馈机制非常即时和有效。此外，它对“乐谱的阅读效率”也有独到的见解。它没有要求你必须在第一时间记住所有的谱面细节，而是教你如何通过快速识别和声框架、旋律走向等“宏观信息”来提高阅读速度，这对于提高我在面对新曲目时的适应能力，起到了至关重要的作用。我感觉，这本书不仅仅是在教我演奏技巧，更是在教授一种高效、科学的“学习方法论”，这比学会几首曲子本身更有价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到欣慰的地方，在于它对“音乐审美”的培养，这是一种潜移默化的影响。它似乎在不断地提醒我，技术只是工具，最终目的是为了表达情感和思想。在讲解那些技术性极强的段落时，作者总是会穿插一些对“美学”的思考。比如，在练习快速琶音时，它会引导你思考：你希望这个琶音听起来是“急促的焦虑”还是“流畅的喜悦”？通过这种对意境的引导，即使是最简单的技术练习，也充满了生命力和目的性。书中的案例选择也极具包容性，它没有将音乐世界局限在某个固定的时期或地域，而是展示了音乐是如何随着时代和社会的发展而演变的。这种广阔的视野，让我在看待音乐作品时，不再带着刻板的偏见，而是学会从更深层次去理解作曲家的创作意图。这本书无疑是近年来我接触到的，最能平衡技术训练与艺术熏陶的一本教材，它将枯燥的训练转化成了一场充满美感的探索之旅，让人爱不释手，并且期待着下一次翻开它。