绘画技法 9787510461842 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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仲崇鑫 著

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• 绘画基础
• 艺术学习

店铺： 泰源博文图书专营店

出版社： 新世界出版社

ISBN：9787510461842

商品编码：29863044376

包装：平装-胶订

出版时间：2017-06-01

基本信息

书名：绘画技法

定价：39.80元

作者：仲崇鑫

出版社：新世界出版社

出版日期：2017-06-01

ISBN：9787510461842

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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本套“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都有十分细致的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者更容易理解并掌握彩色铅笔的绘画技巧，对初学者来说非常实用。

内容提要

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色笔铅画，是一种介于素描和水彩之间的绘画形式。他的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都十分细腻、透彻的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者能更容易理解并掌握色铅笔的绘画技巧。本书的目的不仅仅局限于让读者学会画出书中的案例，更是希望读者通过本书培养绘画兴趣，从而提起笔去画出更多美好的事物。画画一直都是件美好而安静的事，快拿起画笔，跟着本书一起画色铅笔画吧，享受绘画带来的乐趣。

目录

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作者介绍

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仲崇鑫，毕业于美术院校的“90后”新生代插画师，自幼喜爱绘画，梦想有一天可以画出一个属于自己的小世界。毕业后一直从事插图绘画工作，充满想象力和创造力，经过多年的磨砺，具有深厚的绘画功底和多样的绘画表现形式，擅长色铅笔、素描、写实、Q版、小清新、小温暖多种绘画风格。

画画这件事，绝不是一件只有鲜花和掌声的事情。这条路并不平坦，有挫折，有这样或那样的阻力，但因为有着对绘画的热情，她一直未梦想而坚持！

文摘

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序言

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《光影的语言：探索视觉表现的奥秘》 引言 人类对视觉表现的探索，贯穿了文明的始终。从洞穴壁画的原始线条，到文艺复兴时期对解剖学和透视学的精准把握，再到当代艺术对材料和媒介的无限拓展，绘画始终是连接我们内心世界与外部现实的桥梁。这本书，并非一本传授具体绘画技巧的“技法”手册，而是试图打开一扇通往“观看”与“表达”内在逻辑的大门。它邀请您一同潜入视觉艺术的深层海洋，去理解那些构成一幅画作生命力的根本元素，去感受艺术家如何用线条、色彩、形体和空间，将抽象的情感与观念转化为具象的视觉体验。 我们不拘泥于特定的绘画媒介或风格，而是着眼于那些跨越时空、通用不朽的视觉规律。无论是油画、水彩、素描、版画，亦或是数码绘画，其最终目的都是为了有效地传达信息、唤起情感、激发思考。因此，本书的核心在于解构“如何观看”以及“如何被看见”。它将引导您审视那些往往被我们忽略的视觉细节，揭示隐藏在画面之下的思考过程，从而培养一种更为深刻、更为敏锐的观察力与表现力。 第一章：视觉的基石——线条的性格与力量 线条，是绘画最基本、最原始的构成元素。它不仅仅是简单的勾勒，更蕴含着丰富的性格与力量。从粗犷有力的笔触到细腻婉转的墨痕，每一条线都承载着情感的重量和方向的指引。 线的质感与情绪： 粗线条往往传递出力量、稳重、甚至粗粝感，例如表现岩石的坚硬或是人物的刚毅。而细线条则可以表现出精致、轻盈、细腻，如丝绸的飘逸、露珠的晶莹。波浪形的线条可以表达柔和、流动、甚至是伤感，直线则带来稳定、秩序、或者紧张。书写性的线条，如同书法一般，本身就带有艺术家独特的韵律和情感。 线的方向与动态： 水平线带来宁静、稳定、广阔的感觉，如海平面、远山。垂直线则象征着力量、庄严、上升，如高耸的建筑、挺拔的树木。倾斜的线则充满了动感、张力、以及不安，它们引导着观者的视线，制造画面的节奏。 线的组合与构成： 单一的线条固然有其魅力，但当线条以不同的方向、粗细、疏密组合在一起时，便能构建出复杂而富有层次的形体。它们可以塑造出物体的轮廓，描绘出表面的纹理，甚至暗示出空间的深度。学会观察和运用线条的组合，是理解画面结构的关键。 线的解放——从勾勒到表现： 很多时候，我们习惯于用线条来“勾勒”出事物的形状。但在这个章节，我们将探讨如何让线条“表现”出物体的本质。例如，并非所有表现树枝的线条都需要描绘出每一片叶子的轮廓，有时几笔写意的线条，更能捕捉到树木在风中摇曳的生命力。 第二章：色彩的交响——情绪的调色盘与光影的魔法 色彩，是绘画中最直接、最具感染力的语言。它不仅仅是对客观世界的模仿，更是艺术家内心世界的投射。通过对色彩的理解和运用，我们可以创造出千变万化的情绪和氛围。 色相、饱和度与明度： 这是色彩的三个基本属性。色相决定了颜色本身，如红、黄、蓝。饱和度影响着颜色的鲜艳程度，高饱和度色彩明亮而强烈，低饱和度则显得柔和、沉静。明度则是颜色的深浅，高明度色彩显得轻盈、明亮，低明度色彩则显得厚重、深邃。理解这三者的关系，是驾驭色彩的基础。 色彩的情感联想： 不同的色彩会引发我们不同的情感反应。暖色调（红、橙、黄）通常带来温暖、活力、热情，而冷色调（蓝、绿、紫）则常与宁静、忧郁、清凉联系在一起。然而，这种联想并非绝对，色彩的情感表现也与文化、个人经历息息相关。 色彩的对比与和谐： 对比色的运用可以制造画面的张力和视觉冲击力，例如红与绿、黄与紫。而邻近色或同类色的和谐搭配，则能营造出统一、宁静、温柔的氛围。艺术家需要根据画面的主题和想要表达的情感，灵活运用色彩的对比与和谐。 色彩与光影的互动： 光影是色彩最忠实的伙伴。光线照射在物体上，会产生高光、亮部、暗部、以及投影。这些光影的变化，不仅影响着物体的体积感和空间感，更会直接改变物体的固有色彩。学习观察和表现光影对色彩的影响，是让画面具有真实感和立体感的关键。例如，一个红色的物体在黄昏的阳光下，其红色会带有温暖的橙黄色调，而其阴影部分则会偏向冷色。 色彩的象征意义与文化内涵： 在不同的文化和历史时期，色彩往往被赋予了特殊的象征意义。例如，在中国传统文化中，红色象征喜庆、吉祥，而白色则象征纯洁、哀悼。了解这些文化内涵，可以为画面增添更深层次的意义。 第三章：形体的雕塑——塑造空间的错觉与物质的质感 形体，是绘画中对物体三维空间的感知与表现。它关乎我们如何用二维的平面，去创造出具有体积感、重量感和空间感的幻觉。 轮廓与体积： 物体的轮廓是其最直接的视觉信息。然而，仅仅勾勒出轮廓是不够的，真正的形体表现需要通过明暗、色彩、甚至笔触的变化，来暗示物体的体积。例如，光滑的表面反光会更强烈，粗糙的表面则会吸收更多光线。 透视学原理的运用： 透视学是理解和表现空间关系的重要工具。一点透视、两点透视、散点透视，不同的透视法则可以创造出不同的空间深度感和视觉效果。即使不严格遵循数学原理，对透视的直观理解，也能帮助我们更好地组织画面中的物体关系。 空间关系的营造： 画面中的空间并非仅指物体之间的距离，更包括物体与背景、物体与观众之间的关系。通过物体的大小对比、前后遮挡、色彩的冷暖、以及线条的走向，艺术家可以引导观者的视线，构建出富有深度的空间。 物质的质感表现： 不同的物质具有不同的表面特性，例如金属的光泽、布料的柔软、木材的纹理、皮肤的细腻。通过对线条、色彩、笔触的精妙运用，我们可以模拟出这些物质的触感和质感，让画面中的物体更加真实可信，富有生命力。例如，表现金属的冷硬，可能需要光滑的笔触和强烈的反光；表现丝绸的柔软，则需要细腻的过渡和轻盈的色彩。 第四章：光影的魔术——氛围的塑造与情感的烘托 光影，是绘画中最重要的塑造工具之一。它不仅赋予物体以体积和空间，更能直接影响画面的整体氛围和情感基调。 光源的分析与运用： 理解光源的方向、强度、性质（例如，直射光、散射光、暖光、冷光）是表现光影的关键。不同的光源会产生不同的明暗对比和色彩变化。例如，正午的阳光强烈刺眼，会产生清晰而锐利的阴影；阴天散射的光线则柔和而均匀，阴影模糊不清。 高光、亮部、暗部、投影的描绘： 这是光影表现的基本要素。高光是物体表面直接反射光源的部分，往往是最亮的区域。亮部是受光面，色彩明亮。暗部是背光面，色彩沉暗。投影则是物体在光线下投射到另一表面上的影子。它们之间的关系，决定了物体的体积感。 环境光与反射光： 物体并非孤立存在，它们会受到周围环境光的影响。环境光会使暗部不至于完全黑暗，并可能为暗部带来一定的色彩倾向。反射光则是物体表面反射出来的光线，它也能影响物体的色彩和明度。 光影的情感表达： 光影的变化是营造画面情绪的有力手段。明亮、温暖的光线可以营造出欢乐、祥和的氛围；而昏暗、阴沉的光影则可能暗示着神秘、压抑或忧伤。戏剧性的光影对比，例如伦勃朗光，可以极大地增强画面的视觉冲击力和情感张力。 光线的“质感”： 不同的光线有不同的“质感”。阳光穿过树叶，会形成斑驳陆离的光影；烛光摇曳，会产生温暖而跳动的效果；月光清冷，则带来宁静而神秘的氛围。观察和表现这些光线的特质，能让画面更具生动性。 第五章：构图的智慧——视线的引导与画面的平衡 构图，是艺术家在画面空间中组织所有元素（线条、形体、色彩、光影）的总体布局。好的构图能够有效地引导观者的视线，突出主题，并营造出和谐或富有张力的视觉效果。 黄金分割与三分法： 这些是经典的构图原则，它们能够帮助艺术家找到画面中最具视觉吸引力的位置，使画面更加和谐、富有动态。将画面分割成几个区域，并在交叉点或分割线上放置主体，能够有效地吸引观者的注意力。 对称与不对称： 对称构图带来稳定、庄重、平衡的感觉，常用于表现神圣、宏伟的主题。不对称构图则更具动感、活力和现代感，能够制造视觉上的惊喜。 引导线与视线流动： 画面中的线条、色彩的分布、物体的大小等，都可以成为引导观者视线的“引导线”。艺术家需要巧妙地运用这些引导线，让观者的视线在画面中自然地流动，从而更好地理解作品。 视觉中心与焦点： 画面中总有一个或几个视觉中心，是艺术家希望观者首先注意到的地方。通过对比、色彩、光影等手段，可以将焦点集中在这些区域，突出主题。 元素的组织与呼应： 画面中的每一个元素都应该是相互关联、相互呼应的。色彩的重复、线条的呼应、形体的对比与统一，都能让画面更加和谐、富有整体感。 留白与呼吸空间： 并非画面填满元素就是好的。适当的留白，也称为“呼吸空间”，能够让画面显得更加通透、不至于拥挤，并能更好地突出主体。 结语 “绘画技法”是一个广阔而深邃的领域，它并非仅仅是关于如何握笔、调色、下笔。它关乎于我们如何“看见”，如何理解视觉语言的奥秘，如何将内心的感受转化为能够被他人理解和共鸣的视觉形式。这本书，旨在提供一个思考的框架，一种观察的视角。它鼓励您在实践中不断探索，在每一次的绘画尝试中，去感受线条的律动，去聆听色彩的歌唱，去雕塑形体的力量，去捕捉光影的变幻，去编织构图的智慧。通过对这些视觉元素的深入理解和灵活运用，您将不仅仅是在“画”一幅画，而是在用一种独特的方式，与世界对话，与自我对话。愿这本书能成为您在视觉艺术探索旅程中的一位真诚的伙伴，启迪您的灵感，拓宽您的视野，最终，帮助您找到属于您自己的视觉表达方式。

评分☆☆☆☆☆

评价五： 这本书给我最深刻的感受是，它真正做到了“循序渐进，融会贯通”。我之前尝试过一些绘画教程，但总觉得知识点零散，难以形成完整的体系。而这本《绘画技法》则将绘画的各个方面——从基础的线条、色彩、构图，到更高级的写实技巧、风格探索，都串联得非常紧密。它首先从最基础的素描入手，让你掌握造型的基本功，然后逐步过渡到色彩的运用，再到构图的规划，最后才涉及到更复杂的表现技法。这种循序渐进的学习方式，让我在每一个阶段都能打下坚实的基础，而不是囫囵吞枣。而且，书中反复强调了不同技法之间的联系，比如色彩如何影响构图，细节如何增强写实感，光影如何塑造体积等等。这让我意识到，绘画并非是孤立的技法堆砌，而是各种元素相互作用、相互影响的综合艺术。这本书还鼓励读者进行实践和探索，书中提供的练习题和创作提示，都非常具有引导性，让我能够将所学知识运用到实际创作中。我最欣赏的是，它并没有限制读者的风格，而是鼓励我们在掌握基本技法后，去形成自己的独特风格。这本书就像一位循循善诱的老师，不仅传授我绘画的“术”，更重要的是引导我思考绘画的“道”。

评分☆☆☆☆☆

评价一： 拿到这本《绘画技法》，我最直观的感受就是它的“厚重感”。不是说它有多沉，而是它传递出的信息量和专业深度，让人觉得它是一本能够伴随我长期学习的宝典。封面设计简约而不失格调，书的装帧也相当精美，拿在手里就能感受到一种来自艺术殿堂的质感。迫不及待地翻开，首先映入眼帘的是一系列基础的线条练习，从最简单的直线、曲线到复杂的几何形体，每一个步骤都讲解得细致入微。我尤其欣赏它对笔触的讲解，不仅仅是告诉你“画什么”，更重要的是“如何画”，比如不同力度、不同角度的运笔会产生怎样的效果，这一点对于初学者来说简直是福音。而且，书中还穿插了一些经典大师作品的局部放大分析，这让我能更清晰地看到那些难以言喻的细节处理，仿佛在与大师进行一场无声的对话。我个人特别关注书中关于透视的章节，通常这部分会枯燥难懂，但这本书用非常形象的比喻和清晰的图示，将复杂的透视原理剖析得淋漓尽致，即使是像我这样对空间感不太敏感的人，也能豁然开朗。整体来说，这本书给我的第一印象是严谨、系统，并且充满了启发性，它不像市面上很多速成教程那样浮于表面，而是真正致力于打牢基础，让读者能够从根本上理解绘画的原理。

评分☆☆☆☆☆

评价三： 要说这本书最让我惊喜的地方，那绝对是它对“构图”的深入剖析。我一直认为构图是画面的灵魂，但如何才能做出富有吸引力的构图，却是个大难题。这本书恰恰填补了我的这一知识空白。它从最基础的“黄金分割”、“三分法”等经典构图法则讲起，循序渐进地介绍了“对称式构图”、“对角线构图”、“三角形构图”等多种构图方式。书中每个构图法则都配有清晰的图示，并附带了该构图方式在不同题材作品中的实际应用案例，让我能够直观地理解不同构图的特点和视觉效果。更让我受益匪浅的是，它还讲解了如何通过调整画面元素的排布，引导观者的视线，以及如何利用留白来增强画面的呼吸感和意境。我曾尝试过让画面显得“满”，但总觉得缺乏重点，看了这本书后，我才明白有时候“少即是多”。书中还有一些关于“动态平衡”和“视觉重量”的讲解，这些都是我以前从未深入思考过的概念，但读完之后，我发现自己在构图时能有意识地去考虑这些因素，让画面更加稳定且富有张力。总而言之，这本书让我摆脱了“随心所欲”的构图模式，学会了如何有意识地、有目的地去组织画面，让我的作品在视觉上更加引人注目。

评分☆☆☆☆☆

评价二： 这本《绘画技法》对我来说，简直是解锁色彩奥秘的一把金钥匙！我一直对色彩的搭配和运用感到头疼，总觉得自己的作品色彩“脏”或者不够生动。这本书专门开辟了很大篇幅讲解色彩理论，从基础的三原色、三间色，到互补色、邻近色、同类色等关系的运用，都讲解得非常到位。更难得的是，它没有停留在理论层面，而是通过大量的范例，展示了不同色彩组合所能带来的情绪和氛围。我尤其喜欢书中关于“色彩的情绪语言”的章节，它分析了蓝色带来的宁静，红色代表的热情，绿色象征的生命力等等，让我意识到色彩不仅仅是视觉上的感受，更是一种情感的传达。书中还详细介绍了不同画材的色彩特性，比如水彩的透明感，油画的厚重感，以及丙烯的覆盖力，并针对每种画材提供了具体的色彩调配和运用技巧。我尝试着按照书中的方法去调配颜色，惊讶地发现之前难以驾驭的色彩关系，现在竟然变得游刃有余。而且，这本书在讲解色彩时，还融入了光影的知识，因为色彩的呈现离不开光线的照射。它讲解了冷暖光对色彩的影响，以及如何在不同光线下表现物体的色彩变化，这一点让我的作品一下子有了立体感和层次感。这本书真的帮助我打开了色彩的新世界，让我对绘画的理解上升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

评价四： 这本《绘画技法》在细节刻画上做得相当出色，让我体会到了“细节决定成败”的真谛。我一直觉得自己的画面缺乏生命力，原因在于对细节的描绘不够到位。这本书的讲解非常细致，尤其是在人物和景物的刻画上，给了我极大的启发。例如，在描绘人物面部时，它不仅讲解了五官的比例和结构，还深入到了皮肤纹理、毛发质感、甚至眼球中微小的光泽的描绘方法。书中提供了大量的局部特写和对比图，让我清楚地看到，即使是很小的细节，只要处理得当，就能极大地提升画面的真实感和感染力。对于景物描绘，它也同样细致，比如如何表现不同材质的质感，像是粗糙的树皮，光滑的石头，柔软的草叶，以及不同天气下的光影变化对景物细节的影响。这本书让我明白，绘画不仅仅是“画出”一个物体，更是要“表现”出它的质感、温度和生命。书中还提到了一些高级的绘画技巧，比如如何运用“虚实结合”来增强画面的空间感和焦点，以及如何通过“笔触的变化”来传达不同的情感和氛围。我尝试着去运用这些技巧，发现我的作品在细节上有了明显的提升，画面也变得更加生动有趣。