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當我打開關於“音階運用”的部分時，我注意到它幾乎是教科書式的講解瞭五聲音階、布魯斯音階，以及如何將其與大小調進行轉換。這無疑是基礎，但對於一本聲稱聚焦於特定黃金年代的教材來說，期望值會自然地提高到“超越基礎”的層麵。我想知道的是，諸如深度使用減七和弦（Diminished Chords）來增加Solo的戲劇張力，或者某些特定的“模態”（Modal）演奏方式是如何在那個時期被引入搖滾樂的。例如，那些受爵士樂影響的樂手是如何巧妙地在強力和弦推進中穿插非主流音符，製造齣“緊張-釋放”的循環。 這本書的敘事方式略顯平鋪直敘，缺乏一種引導性的、層層遞進的教學體驗。它更像是一本辭典，把所有的信息堆砌在瞭一起，等你去找尋。對於那些想從基礎理論直接跨越到掌握特定時代風格的進階學習者來說，這種缺乏“橋梁”的結構，會讓人感到學習麯綫不夠平滑。我更喜歡那種能告訴我“為什麼”的教材，比如為什麼在70年代的某些麯子裏，吉他手會刻意去模仿小提琴的顫音效果，而不是僅僅教你如何做齣顫音。這本書似乎在“教你怎麼做”和“讓你理解為什麼這麼做”之間，選擇瞭前者，而且做得相當機械化。
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☆☆☆☆☆
從排版和視覺呈現上看，這本書的設計是中規中矩的，易於閱讀，五綫譜和六綫譜的對應也做得比較清晰，這在實操中確實減少瞭查找和校對的時間。然而，我對其中的“節奏感訓練”部分感到非常不滿意。搖滾吉他，尤其是那個年代的Riff和Solo，其魅力很大程度上來源於律動（Riffology）和對重音（Accent）的微妙處理。教材中給齣的所有節奏標記，都非常精確到節拍器下的分值，但缺乏對“搖擺感”（Swing）和“推把”（Pushing/Pulling Time）的描述。 舉個例子，一個經典的70年代硬搖滾節奏型，如果嚴格按照譜子上的四分音符和八分音符來彈，聽起來會非常“死闆”，失去瞭那種讓人想跟著搖擺的驅動力。我希望教材能花篇幅討論一下如何用“感覺”而非“數字”去掌握節奏，比如介紹一些錄音室裏常用的節奏訓練方法，或者探討不同鼓手的風格對吉他Riff律動的影響。這本書似乎默認瞭學習者已經掌握瞭如何賦予音符生命力的能力，而恰恰是這部分“無形”的教學，是區分平庸和齣色的關鍵所在，這一點在本書中幾乎是缺失的。
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☆☆☆☆☆
這本號稱涵蓋瞭60、70年代搖滾吉他黃金時期的連復段（Riff）和獨奏（Solo）精選教材，我拿到手後，首先被它的封麵設計吸引住瞭——那種復古的字體和略顯斑駁的背景圖，一下子把我拉迴瞭那個嬉皮士精神和硬搖滾崛起的年代。我原本期待能看到像吉米·亨德裏剋斯那種天馬行空的即興錶達，或是像吉米·佩奇那樣結構嚴謹、充滿神秘感的音階編排。然而，當我翻開目錄時，心中不免升起一絲睏惑。教材的結構似乎更偏嚮於技術分解，而非那種充滿時代烙印的音樂氛圍的捕捉。 我嘗試著去學習其中一章介紹的“藍調推弦的細微變化”，作者花瞭大量的篇幅來解釋推弦時手指施加的力度和角度，甚至配上瞭非常精細的圖示，這對於一個初學者來說或許是嚴謹的，但對於一個追求“復古味道”的玩傢來說，總覺得少瞭一點靈魂。那種在現場錄音中偶然捕捉到的、略帶瑕疵卻充滿生命力的推弦，是無法用精確的物理參數完全復刻的。我更希望教材能多探討一些那個時代音樂傢們是如何在有限的設備條件下，通過對音色的獨特處理來創造齣標誌性聲音的，比如Fuzz效果器的微妙調節，或是早期Marshall音箱的獨特染色。這本書更像是一份技術手冊，而非一份曆史迴顧或藝術解析，這讓我感覺有些失落。它似乎更側重於“怎麼彈準”，而不是“怎麼彈得像”。
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說實話，這本書的裝幀和紙張質量比我想象中要好上不少，這在如今許多教材中已經算是難得瞭，至少翻閱起來手感不錯，不易損壞。我對教材內容的期待值其實挺高的，畢竟標題點明瞭是60、70年代的精華，那段時期是搖滾樂從布魯斯根源中掙脫，嚮更復雜、更具實驗性方嚮發展的關鍵時期。我仔細研讀瞭關於“快速交替撥弦”技巧的那幾頁，它詳細列齣瞭一些非常規的指法建議，試圖幫助吉他手達到某些特定速彈的效果。但問題在於，很多那個時代的大師級Solo，其精髓恰恰在於他們那近乎“懶散”或“鬆弛”的律動感（Groove），而不是一味追求速度上的碾壓。 這本書似乎過於熱衷於將那些流光溢彩的Solo片段進行“模塊化”處理，仿佛它們是樂高積木一樣，可以被拆解、分析，然後按部就班地拼湊起來。雖然這對於快速掌握某個特定樂句的指法有幫助，但卻扼殺瞭學習者去體會這些樂句背後的情感張力和曆史語境。我嘗試著跟著譜子練習瞭一段被譽為“迷幻搖滾代錶作”的Solo，發現雖然指法完全正確，彈奏的速度也達到瞭要求，但聽起來總覺得像是一個精確的復製品，缺少瞭原版中那種“失控”的美感和突破常規的勇氣。這讓我不禁思考，教材的編寫者是否過於依賴於對既有樂譜的轉錄，而忽略瞭對“風格形成”這一核心問題的探討。
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最後一點，也是我個人非常看重的一點，就是對音色（Tone）的探討。60年代末和70年代的吉他音色，是那個時代留給後人最寶貴的遺産之一，它與演奏技巧同等重要，甚至有過之而無不及。我期待這本書能深入分析當時主流的拾音器、單塊效果器（如Wah、Octaver、Phase Shifter）是如何被吉他手們“濫用”或“創新性使用”的，從而形成他們獨特的聽覺標識。比如，某位大師標誌性的失真音色，是哪一款Fuzz踏闆的哪一個鏇鈕位置造就的？這種探索能極大地幫助學習者建立起對“聲音畫麵感”的理解。 然而，書中關於音色的討論非常膚淺，往往隻是一句“使用失真效果”瞭事。這對於一個想要還原那個時代氛圍的演奏者來說，信息量是嚴重不足的。音色不僅僅是“開大失真”這麼簡單，它是電吉他、音箱、箱體、房間聲學環境，乃至演奏者手指與琴弦接觸方式的復雜結閤體。如果一本教材不能提供足夠的“音色解剖學”內容，那麼它就僅僅停留在指法和樂理的層麵，無法真正將讀者帶入到那個充滿電磁波和煙霧繚繞的年代的音樂現場之中。我希望看到的是一份深入到電路闆層麵的探究，而不是一個簡單的效果器列錶。
