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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 长江文艺出版社

ISBN：9787535489500

商品编码：29867098882

丛书名： 潮炫简谱钢琴曲集王敬赞

出版时间：2016-08-01

 

 

 

 

210mm   8mm   294mm   0.42Kg 手工测量，均有误差

产品信息

名	超炫简谱钢琴曲集	定 价	28.00元
作 者	王敬赞	难 度	初中级
开 本	16开	属 性	钢琴曲谱
页 数	156页	光 盘	无
谱 号	简谱、歌词	出版社	蓝天出版社
数 量	1本	出版日期	2014年8月

 

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产品目录

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乐海拾贝：经典西方钢琴曲赏析与演奏指南 内容提要： 本书致力于为钢琴学习者和音乐爱好者提供一份详尽而富有洞察力的经典西方钢琴作品赏析与演奏指南。我们精选了从巴洛克时期到浪漫主义盛期，乃至印象派初期的标志性钢琴曲目，深入剖析其历史背景、作曲家意图、结构特点及演奏技巧要求。全书不仅包含对德彪西、肖邦、贝多芬等大师作品的细致解读，还特别增设了对19世纪欧洲室内乐及协奏曲中钢琴声部处理的专题研究。旨在提升读者的音乐理解力、审美情趣，并提供切实可行的技术提升路径，超越单纯的曲谱学习，抵达艺术表达的深度。 --- 第一章：巴洛克时代的和声逻辑与触键艺术 1.1 键盘音乐的黎明：从维吉尼亚键盘乐到巴赫的精髓 本章首先追溯巴洛克时期键盘乐的发展脉络，重点探讨了哈普西科德（羽管键琴）和早期钢琴（Clavichord）在音色和力度控制上的差异，以及这些差异如何影响了当时作曲家的创作手法。 赋格曲的结构之美： 深入分析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《平均律钢琴曲集》中的精选赋格。我们将拆解其主题的呈示、展开、再现等各个环节，讲解复调音乐中声部间的逻辑关系和对话，强调“声部平衡”在赋格演奏中的核心地位。 分解和弦与装饰音的精确处理： 针对巴赫和亨德尔作品中频繁出现的复杂装饰音（如颤音、回音、琶音），提供详尽的指法分析和节奏处理方法，区分不同地区（如法式与意式）装饰音的惯例用法。 “触键的清晰度”： 讨论巴洛克音乐对触键的纯净度要求，如何在不依赖踏板的时代实现音符之间的平稳连接与清晰分离。 1.2 意大利与英国的早期键盘风格 本节将对比多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的单乐章奏鸣曲与乔治·弗雷德里克·亨德尔（George Frideric Handel）的组曲风格。斯卡拉蒂作品中对快速音群、双手交错和节奏的跳跃性处理，以及亨德尔作品中蕴含的歌唱性旋律线和清晰的结构感，将作为案例进行深入剖析。 --- 第二章：古典主义的清晰线条与结构对话 2.1 海顿与莫扎特：奏鸣曲式的典范 古典主义时期，钢琴的结构和音量得到显著提升，奏鸣曲体裁成为主流。本章着重分析海顿与莫扎特的钢琴奏鸣曲，探究他们如何在既定的结构框架内实现旋律的灵动与情感的克制。 奏鸣曲式的三要素： 详细解读呈示部、展开部、再现部的功能，并结合莫扎特K.331或K.545等作品，展示主题如何在不同调性区域进行“对话”和“冲突”。 “歌唱性的乐句”： 探讨古典主义时期钢琴旋律的“歌唱性”（Cantabile）是如何通过精心设计的呼吸点和力度变化体现出来的，而非单纯的依靠速度。 踏板的谨慎运用： 鉴于早期钢琴的共鸣限制，本节明确区分了海顿、莫扎特时代对延音踏板（Sustain Pedal）的限制性使用原则，重点训练清晰的音符分离。 2.2 贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的作品是理解钢琴发展史的关键。 力度对比的戏剧性： 分析贝多芬如何运用极端的力度对比（如ff到pp的瞬间转换）来表达内在的冲突与英雄主义精神，特别是《悲怆》、《月光》等作品中的情感张力处理。 拓展的技巧要求： 探讨《热情》、《华彩练习曲》等作品中出现的大跨度琶音、快速音阶群和强劲的力度要求，指导演奏者如何安全、有效地训练指尖力量和手腕的放松。 --- 第三章：浪漫主义的抒情深度与个性表达 3.1 肖邦与李斯特：钢琴诗人的心灵独白 浪漫主义时期，钢琴成为表达个人情感和民族精神的“独白乐器”。 肖邦的“鲁巴托”（Rubato）艺术： 详细解析肖邦音乐中“自由的速度”的真正含义——旋律的自由与伴奏节奏的相对稳定之间的关系。结合玛祖卡、圆舞曲和夜曲的实例，提供区分“音乐性鲁巴托”和“技术性迟疑”的方法。 技术与诗意的融合： 聚焦于肖邦练习曲（Op. 10 & Op. 25）中的技术难点，如快速三度、六度和八度的连贯性，强调在解决技术问题的同时，必须保持旋律线条的流畅和歌唱性。 李斯特的钢琴技巧极限： 探讨李斯特作品中对技巧的极致追求，如超范围的八度连奏、快速的交替琶音和对钢琴音域的全面开发，并强调其背后的浪漫主义幻想色彩。 3.2 舒曼与布格缪勒的“室内乐”思维 本章将视角从炫技转向心灵对话，分析罗伯特·舒曼（Robert Schumann）的钢琴套曲，如《童年情景》。 “场景速写”的描绘： 探讨如何通过音色和节奏的变化，描绘出童年记忆中的特定画面感和人物性格。 布格缪勒练习曲的超越性： 分析《25首练习曲》并非单纯的技法练习，而是在简化技术框架下，对特定风格（如抒情、诙谐、幻想）的精确模仿与再现，是古典主义到浪漫主义风格过渡的绝佳教材。 --- 第四章：印象派的色彩探索与听觉革新 4.1 德彪西与拉威尔：音乐中的光影与水波 进入20世纪初，钢琴的音色被赋予了前所未有的“色彩”感。 模糊的界限与非功能性和声： 解析德彪西（Claude Debussy）如何运用全音阶、五声音阶以及复杂的九和弦、十一和弦来打破传统的调性结构，营造“朦胧”的听觉效果。 踏板的“调色板”功能： 详细指导如何使用延音踏板来实现音色的融合与叠加，达到水彩画般的渐变效果，同时避免声音的“浑浊”。例如，在《月光》（Clair de Lune）中，如何控制低音区的和声色彩。 拉威尔的精湛技巧与清晰度： 对比拉威尔（Maurice Ravel）作品中对精确速度和清晰度的要求，如《水之嬉戏》，探讨其如何在一个充满和声色彩的环境中，保持线条的精致。 --- 第五章：演奏中的技术整合与音乐语法的统一 5.1 节奏的“弹性”与“稳定性”的辩证统一 本章不针对特定曲目，而是探讨贯穿于所有风格的核心演奏问题——如何将技术训练转化为富有表现力的音乐语言。 慢练的层次性： 提出一种分层慢练法，不仅仅是放慢速度，而是针对性地训练手指的独立性、手腕的支撑、以及对踏板释放时机的精确控制。 音色塑造的物理学基础： 从手指与琴键接触的瞬间开始，分析不同击键角度、重量转移如何直接影响音头的清晰度、延音的长度以及最终的音色“厚度”。 5.2 乐谱解读的深度与广度 版本选择的学问： 指导学习者如何甄别和选择可靠的、具有学术参考价值的版本（如Urtext版本），以及不同编辑版本（如科尔托版、施纳贝尔版）的优缺点和演奏倾向性。 听觉记忆与演奏的自主性： 鼓励学习者在熟练掌握技巧和乐谱的基础上，发展自己的“听觉反馈系统”，使演奏不再是机械的重复，而是对作曲家意图的个性化诠释和再创造。 --- 结语： 本书旨在引导读者跨越单纯的“会弹”到“能演”的鸿沟，深刻理解西方钢琴音乐的演变脉络，掌握从巴洛克精细到浪漫主义奔放，再到印象派迷幻的多种技术与审美范式。掌握了这些经典曲目背后的逻辑，演奏者才能真正做到“心中有谱，手下有情”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对这类标题很夸张的书籍总是抱有怀疑态度的，什么“超炫”、“大全”听起来都像营销口号，但这本书的实际内容完全超出了我的预期。我是一名学习了几年钢琴、但主要目标是能给自己喜欢的歌手伴奏的业余爱好者，最看重的是教材的实用性和曲库的时效性。这本书在曲目选择上展现了极高的水准，它没有陷入那种只顾着收录热门歌曲而忽略了编配质量的陷阱。很多热门歌曲的原版钢琴伴奏都极其复杂，手指跨度大，节奏变化多端，普通人根本无法驾驭。然而，这本书的改编，简直是一门艺术。它精准地抓住了流行音乐的“骨架”——那些让人一听就能跟着哼唱的主旋律和标志性的和弦走向，然后用一种既能保持原曲味道，又极度适合双手配合演唱的模式呈现出来。比如，它将一些复杂的分解和弦进行了模块化的处理，让初学者也能轻松弹奏出富有律动感的背景。我特别喜欢它对力度记号和表情记号的标注，虽然是简谱，但它非常强调“感觉”，这比单纯的音符堆砌要重要得多。这本书极大地拓宽了我现有的弹唱曲库，而且每一首拿出来都能在朋友聚会时惊艳全场。

评分☆☆☆☆☆

我是在朋友的推荐下入手这本钢琴弹唱谱的，我是一个非常注重视觉体验和使用手感的人。这本书给我的第一印象是“专业且不失活力”。首先，纸张厚实，不易反光，这对于长时间对着谱子练习非常友好。其次，装订牢固，翻页顺畅，不像一些廉价乐谱用几次就散架了。更重要的是，它的内容组织结构非常清晰。它似乎是按照歌曲的流行度或者情绪类型进行了分组，这使得我在选择当天的练习曲目时效率很高。我试着弹奏了几首难度较高的曲目，发现它的简谱符号运用得非常规范，而且在一些容易出错的地方，比如重音、延音线的使用上，都标注得非常明确，极大地减少了误读的可能性。这本书真正体现了“教材”的严谨性，它不仅仅是一本“流行金曲集”，它更像是一套经过精心策划的练习方案。对于那些追求高效、高品质学习体验的钢琴学习者来说，这本书绝对是物超所值的投资，它让每一次的弹奏练习都充满了期待和成就感。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴谱集简直是为我这种半路出家的自学者量身定做的！我一直很苦恼市面上很多教材要么过于基础，要么就是那些老掉牙的经典曲目，对于我们这些更喜欢追逐潮流的乐手来说，简直提不起兴趣。拿到这本书后，我立刻被它的“潮”感吸引住了。选曲的眼光非常独到，收录的很多都是最近一两年霸榜的流行金曲，而且编排上非常注重“弹唱”的实用性。看得出来，编者在处理伴奏部分时，并没有完全拘泥于原版的复杂和声，而是做了非常巧妙的简化和优化，保留了歌曲的精髓和辨识度，同时让双手能更轻松地在键盘上流畅地流动起来。特别是对于和弦的标记，非常清晰，即便是对复杂的转调和属七和弦也能很快上手。我试着弹奏了几首快歌，发现它的节奏型设计得非常合理，既不会让节奏感弱的人感到手忙脚乱，又能保证弹奏出来的效果听起来非常“洋气”，完全不像那种生硬的简谱转写。这本书的排版也是一大亮点，纸张质量不错，印刷清晰，最关键的是，很多歌曲都有提供详细的演唱提示和情感处理建议，这对于提升整体的音乐表现力非常有帮助。它更像是一位耐心的私教，时刻在旁边指导你如何把一首歌弹“活”。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐学院的学生，主修理论，但一直对如何将古典训练的严谨性与现代流行音乐的即兴性和律动感结合起来感到困惑。市面上的流行钢琴教材大多要么过于偏向速成，牺牲了音乐的深度；要么就是简单粗暴地把五线谱直接转成简谱，导致很多微妙的和声色彩丢失。然而，这本教材在保持“弹唱教材”定位的同时，展现出了一种难得的可塑性和分析性。它在某些处理上，虽然简化了，但这种简化是非常有逻辑的，它清晰地揭示了流行歌曲和声进行的基本规律。我通过研究它对几首复杂R&B风格歌曲的改编，理解了如何在不牺牲流畅性的前提下，用更简洁的指法去还原原曲的“味道”。这本书的价值在于，它提供了一个优秀的“范例库”，让你看到优秀的编配者是如何在“可弹奏性”和“原曲还原度”之间找到黄金平衡点的。它不仅仅是一本曲谱集，更是一本关于流行音乐伴奏编配的实战案例分析手册。对于想要深入研究现代钢琴伴奏技巧的进阶学习者来说，它提供的视角是非常新颖且有价值的。

评分☆☆☆☆☆

作为一个资深的业余音乐爱好者，我通常会自己尝试扒谱，但流行歌曲的扒谱工作量巨大，而且常常因为乐理知识的盲区而抓瞎，特别是那些转调频繁或者带有大量即兴装饰音的歌曲。这本《超炫简谱钢琴曲集》的出现，简直是为我省下了无数时间。我发现它最大的优势在于其“全能性”和对不同风格的包容度。它收录的歌曲风格非常多元，从抒情的K歌金曲到动感的舞曲，再到一些近期的网络热歌，几乎涵盖了我近期所有想弹奏的曲目清单。编曲上，这本书的特点是“聚焦核心”。它很清楚地知道，对于弹唱者来说，最重要的是什么——是清晰的主旋律、稳定的伴奏节奏以及烘托人声的和弦织体。这本书在处理人声旋律的放置上非常高明，既没有让它淹没在伴奏中，也没有让它显得过于突兀，而是巧妙地与左右手的配合中找到了一个舒适的平衡点。这让我可以在练习时，将注意力更多地放在气息的控制和情感的表达上，而不是纠结于如何把手指准确地放在正确的音符上。它的实用性是毋庸置疑的。