律动乐器 钢琴名作演奏探索2 技巧(原版引进) 钢琴演奏 音乐鉴赏 音乐艺术 器乐演奏 上海音乐出版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311952

商品编码：29867368032

丛书名： 钢琴名作演奏探索 2 技巧

 

目录

连音触键复习  

 

持续连音触键(曼森)  

连音滚奏(诺里斯)

断音触键复习  

腕部断音(曼森)  

断音弹跳

C调和G调热身模式  

C大调五音组(反向)  

G大调五音组(反向)  

C调连奏和断奏的终止式  

G调连奏和断奏的终止式  

C调终止式  

G调终止式  

C调四个音分解和弦  

G调四个音分解和弦 滑动拇指  

C大调音阶  

C和声小调音阶

  G大调音阶   G和声小调音阶  

C调琶音   G调琶音 三音及多音连线  

落下一连接一释放 左手旋律   旋律(施特)

动机与模进模式   右手动机与模进的连奏  

左手动机与模进的连奏 弹奏双音连线 弹奏大音程  

扩展练习曲(福格尔) F调热身模式   F大调五音组(反向)  

F调连奏和断奏的终止式   F大调音阶   F和声小调音阶  

F调四个音分解和弦   F调琶音 动机与模进的强弱变化 提速  

F调快速弹奏 D调和A调热身模式   D大调五音组(反向)  

A大调五音组(反向)   D大调音阶   D和声小调音阶  

A大调音阶   A和声小调音阶   D调连奏和断奏的终止式  

A调连奏和断奏的终止式   D调终止式   A调终止式  

D调四个音分解和弦  

A调四个音分解和弦  

D调琶音  

A调琶音 复

习触键

触键综合练习  

连接与快速拂动

常见低音模式

三组断音和弦

双音  

速度稍快(古利特)

单手弹两声部  

圆舞曲(车尔尼)

再次提速  

G大调提速练习(拜厄)

左手转动 右手颤音  

双音、三音连线的强弱变化和断奏

E调热身模式  

E大调五音组(反向)  

E调连音和断音的终止式  

E调终止式  

E大调音阶  

E和声小调音阶  

E调四个音分解和弦  

E调琶音  

阿尔贝蒂低音

以5指和P指作支点的弹奏

左手跳跃式弹奏

重复和弦  

E大调进行曲(克勒)      

 

 

内容介绍

    《钢琴名作演奏探索——技巧》(以下简称《技巧》)则介绍了基本键盘指法模式一一《作品》里出现的大调和小调所包含的五指模式、音阶、琶音、和弦和终止等。这些指法模式可以当作学习者日常练习前的手指热身训练，以帮助他们提高自己的演奏技巧。练习曲，这是《技巧》的一个重要内容，我们精心挑选并谱写出这些曲目，目的是帮助学习者培养对琴键的良好触感以及掌握每一首曲目所必须的其他技巧。此外，还包括关于提高练习效率的建议。 《钢琴名作演奏探索(技巧2原版引进)》由南希·巴克斯*。

《古典大师的足迹：从巴赫到德彪西的钢琴艺术演变》 图书简介 本书是一部深入剖析西方古典音乐钢琴演奏史的鸿篇巨著，它并非聚焦于单一技巧手册或曲目解析，而是致力于构建一部宏大的音乐文化史诗，以钢琴演奏艺术为经纬，串联起自巴洛克鼎盛时期直至印象派兴盛的数百载音乐思想与审美变迁。全书结构严谨，内容详实，旨在为严肃的音乐学习者、演奏家以及古典音乐爱好者提供一个全景式的、富有洞察力的视角，去理解钢琴艺术是如何一步步塑造并反映时代精神的。 第一部分：巴洛克的回响与早期键盘的遗产（约1600-1750年） 本部分首先追溯了钢琴（或其前身，如羽管键琴和拨弦古钢琴）在巴洛克时代的发展脉络。我们着重探讨了早期的键盘音乐，尤其是意大利和德国学派的风格差异。 羽管键琴的辉煌与局限： 详细考察了以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）为代表的作曲家如何将复调艺术推向极致。书中不仅分析了《平均律钢琴曲集》在和声结构和指法创新上的革命性意义，还探讨了赋格、托卡塔等体裁在键盘上的实现方式。重点阐述了巴洛克时期演奏风格对“装饰音的精确性”和“声部独立性”的极端要求，这些要求与后世浪漫主义的自由表达形成了鲜明对比。 技术传承与过渡： 讨论了从巴赫时代向早期的古典风格过渡中的技术挑战，例如，如何处理在羽管键琴上缺乏力度变化的音乐，而这些音乐在钢琴上必须通过节奏的细微变化和触键的精准度来体现色彩。 第二部分：古典主义的清晰与精确（约1750-1820年） 随着钢琴（Fortepiano，古钢琴）的成熟，音乐的审美重心转向了清晰的结构、平衡的旋律和明确的乐思。 海顿与莫扎特的键盘世界： 深入分析了约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）和沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特（W.A. Mozart）在奏鸣曲体裁中的贡献。本书摒弃了简单的曲目介绍，转而探讨了他们对“清晰度”（Clarity）和“歌唱性”（Cantabile）的追求。书中特别关注了早期的钢琴触键技巧——如何通过轻盈、快速的指法来体现古典主义的典雅气质，以及对踏板使用的审慎态度。 贝多芬的革命性转向： 贝多芬（Ludwig van Beethoven）是本书探讨的转折点。他的作品，尤其是晚期奏鸣曲，标志着钢琴演奏技术和情感表达的巨大飞跃。本书细致对比了贝多芬早期、中期和晚期作品在踏板使用、音域拓展以及力度对比（从 ppp 到 fff）上的技术要求，并讨论了这种革命性对后世钢琴家演奏观念的冲击。我们探讨了如何理解贝多芬作品中蕴含的“英雄主义”与“内在的沉思”之间的张力，而非简单地追求响度。 第三部分：浪漫主义的激情与个性解放（约1820-1900年） 浪漫主义时期是钢琴演奏艺术的黄金时代，技术难度空前提高，演奏家的个性表达成为核心。 肖邦与李斯特的遗产： 重点分析了弗里德里克·肖邦（Frédéric Chopin）和弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）如何彻底重塑了钢琴演奏技艺。对于肖邦，我们分析了其作品中对“揉音”（Rubato）的精妙运用及其与旋律线的关系，以及如何通过对手指重量和指尖敏感度的控制，在弱奏中实现丰富的情感层次。对于李斯特，本书探讨了他对“炫技”的艺术化处理，包括如何通过跨越式和弦、复杂的八度连奏和快速音阶来构建宏大的听觉景观，并考察了这种“演奏家即英雄”的现象对音乐社会学的影响。 中欧学派的深化： 涉及舒曼、勃拉姆斯等作曲家在钢琴作品中对叙事性、室内乐思维的融入。这要求演奏家在追求个人化表达的同时，必须保持对织体清晰度和声部平衡的深刻理解，避免浪漫主义后期可能出现的过度感伤。 第四部分：现代的探索与色彩的解放（约1900年以后） 进入二十世纪，随着钢琴制造技术的进一步完善，以及作曲家对音响世界更广阔的探索，演奏的技术和理念也随之演变。 印象主义的声学革命： 德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）的作品对传统演奏方法提出了新的挑战。本书详细分析了如何通过对踏板的“模糊”使用，创造出“色彩斑斓”的和声效果，如何模仿自然界的音响（如水流、微风），以及对传统调性结构的打破如何影响演奏者的指法选择和节奏感。这要求演奏家从“清晰的线条”转向“弥散的音响”。 技术与哲学的交汇： 探讨了二十世纪初，钢琴演奏如何开始与现代心理学和哲学思潮接轨。演奏家不再仅仅是作曲家意图的传达者，更是作品的再创造者。书中对比了不同流派（如德奥学派、法兰西学派）在处理二十世纪复杂作品时的技术取向差异。 结语：跨越时代的演奏者精神 全书最后总结了不同历史时期对钢琴演奏者核心素养的要求：从巴洛克的结构感，到古典的均衡，再到浪漫的激情，最后是现代的色彩探索。本书强调，卓越的钢琴演奏并非孤立的技巧堆砌，而是对特定历史时期音乐语言、乐器特性和审美观念的深刻理解与代入。它引导读者思考，如何在一个不断发展的音乐语境中，构建起属于自己的、既尊重传统又富有洞察力的演奏哲学。 本书所包含的，是对键盘乐器发展史、作曲家创作意图、不同历史时期演奏规范的系统性研究，旨在提升读者对古典钢琴音乐的鉴赏深度和演奏理解力，而非侧重于具体练习曲的指法解析或曲目片段的技巧指导。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，购买这本书之前，我有点担心它会变成那种只适合音乐学院学生或专业人士的“深奥读物”。但实际使用下来，我发现它拥有极佳的适应性。对于初学者来说，它可以作为一本严谨的“入门指南”，用科学的方法打下坚实的基础，避免形成不良的演奏习惯；而对于有一定基础的演奏者，它则是一面精确的“镜子”，能够照出那些隐藏在流畅演奏之下的技术漏洞和理解上的偏差。我最欣赏它对“律动”二字的深刻诠释，它将节奏不再视为机械的时间划分，而是视为生命力的流动，是音乐呼吸的核心。通过学习书中的“节奏弹性”训练，我发现自己对慢板乐章的把握能力有了质的飞跃，不再是呆板地数拍子，而是能够让旋律线自然地呼吸起伏。这本书真正做到了将枯燥的技巧训练转化成充满艺术享受的探索过程，物超所值。

评分☆☆☆☆☆

这本《律动乐器 钢琴名作演奏探索2 技巧(原版引进)》简直是为我这种半途而废的业余琴童量身定做的“救星”！我一直梦想着能把那些听起来如天籁般流畅的钢琴曲真正从指尖流淌出来，而不是弹得磕磕巴巴、像在跟琴键打架。市面上很多教材，要么是枯燥的理论堆砌，要么就是一上来就挑战高难度曲目，让人望而却步。但这本书的编排方式非常巧妙，它不是简单地罗列技巧练习，而是将技巧的讲解融入到对经典名作的“解构”之中。比如，在分析肖邦的一首夜曲时，它不会只告诉你“这里需要更柔和的触键”，而是会深入到手指的重量分配、手腕的支撑乃至呼吸的配合，配上清晰的图示，让你仿佛有位经验老到的演奏家站在身边手把手指导。我特别欣赏它“探索”这个词的含义，它鼓励你去思考“为什么”大师要那样弹奏，而不是盲目模仿。这种由内而外的理解，远比机械性的重复练习要有效得多。自从开始系统地研究这本书，我明显感觉到自己在处理那些快速的琶音和复杂的和弦连接时，心里踏实多了，不再是靠运气，而是真正明白了背后的力学原理和音乐意图。

评分☆☆☆☆☆

作为一个在器乐演奏领域摸爬滚打多年的爱好者，我接触过不少关于钢琴演奏的专业书籍，但大多侧重于某一个特定时期或风格的钻研，很难找到一本能够全面覆盖基础到进阶，并且兼顾理论与实践的宝典。这本书的价值恰恰在于它的广博性和系统性。它从最基础的发力和触键的物理学原理开始，层层递进，一直深入到复杂的复调织体处理和情绪张力的构建。尤其让我眼前一亮的是，它在技巧训练部分加入了大量的“听觉反馈”练习。很多时候，我们只顾着看谱子或手指，却忽略了耳朵的判断。这本书强制性地要求你在练习中不断地听、辨别、调整，形成一个完美的“眼—耳—手”的闭环控制系统。这种注重整体感和听觉校准的训练方法，极大地提升了我对自身演奏瑕疵的敏感度。现在，我甚至不需要乐器在身边，光是想象着书中的指导，就能在脑海里预演出更精确的音色和节奏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和印刷质量也值得称赞，这对于需要经常翻阅和记录批注的学习材料来说至关重要。纸张的厚度和光泽度恰到好处，即使用铅笔做了大量的标记也不会洇墨，而且排版布局非常清晰，大量的乐谱示例穿插在文字讲解之中，主次分明，查找起来非常方便。我经常在深夜练习时，需要快速定位某个难点，这本书的章节划分和索引设计使得这种快速检索成为可能。更重要的是，它在“音乐鉴赏”部分提供的案例分析极具启发性。它不是罗列一堆名家录音让他们你去听，而是精确地指出在某一个小节中，甲演奏家如何处理力度变化，乙演奏家又如何运用速度微调来表达不同的情感倾向。这种细致入微的对比分析，让原本抽象的“风格差异”变得具体可感，极大地拓宽了我对音乐表现手法的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我第一次翻开这本书的时候，内心是有点抗拒的，因为“原版引进”这几个字常常意味着晦涩难懂的术语和脱离本土学习习惯的讲解。然而，出乎意料的是，这本书的翻译质量非常高，语言流畅且专业，真正做到了“信达雅”的结合。它没有直接翻译成生硬的中文术语，而是用非常形象和具有画面感的语言来描述演奏状态，这一点对音乐鉴赏的帮助极大。比如，书里描述某种踏板运用时，用到了“如同薄雾笼罩的湖面”这样的比喻，一下子就抓住了那种模糊而富有层次感的听觉效果。此外，它对“音乐艺术”的探讨也远超出了单纯的技巧层面。它会引导读者去思考历史背景、作曲家心境，甚至不同演奏流派对同一作品的不同诠释。这使得每一次练习都不再是孤立的技术训练，而是一场与作曲家、与音乐史的对话。通过这本书，我发现自己对音乐的理解深度正在以一个惊人的速度增长，很多以前听着“好听”但说不出所以然的乐曲，现在似乎能捕捉到它们内在的骨架和灵魂了。