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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552304336

商品编码：29867385974

丛书名： 钢琴即兴弹奏

出版时间：2014-04-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

巨牛图书专营店

《古典钢琴演奏的艺术与技巧：从基础到大师之路》 内容简介 本书致力于为所有对古典钢琴演奏怀有热忱的学习者提供一份全面、深入且实用的指南。我们深知，古典音乐的魅力在于其深厚的历史积淀、严谨的结构逻辑以及对演奏者情感表达的极致要求。因此，《古典钢琴演奏的艺术与技巧：从基础到大师之路》旨在系统梳理并精进演奏者在技术、音乐理解和舞台呈现等多个维度的能力，帮助学习者跨越从初学者到成熟演奏家的鸿沟。 第一部分：坚实的基础构建——技术基石的夯实 本部分聚焦于古典钢琴学习的根基——手指的独立性、力量控制与触键的精细化。我们摒弃枯燥的纯技术堆砌，而是将技术训练融入到对音乐材料的理解之中。 第一章：科学的手型与触键哲学 探讨正确的演奏手型，强调手腕、手臂的放松与协调性，这是避免受伤并获得良好音色的前提。我们将深入剖析“重量传导”的原理，阐释如何利用身体的重量而非单纯的手指力量来产生丰满、持久的音色，区别于轻薄的、颗粒感不足的触键方式。内容涵盖了不同作曲家对触键要求的细微差异（例如，莫扎特的“晶莹剔透”与贝多芬的“力量感”）。 第二章：音阶与琶音的深度训练——超越机械的范畴 传统的音阶和琶音练习往往流于机械，本书将音阶练习提升到音乐表现力的层面。我们将探讨如何利用不同的力度、速度变化（渐强、渐弱的精确控制）以及不同触键方式（断奏、连奏、混合奏）来预演未来将要演奏的曲目片段中的技术挑战。引入“模进练习法”，将音阶和琶音视为和声进行和旋律构建的基本元素，而非孤立的练习。 第三章：手指的独立性与交替控制 重点解决“弱指”和“双音”控制的难题。我们将详细介绍巴赫二部或三部创意曲中对手指独立性要求极高的片段的分解练习法。对于双音演奏，我们将分析如何确保两个声部在音量和清晰度上达到完美的平衡，尤其是在进行对位时。 第二部分：音乐的解析与诠释——从符号到情感的转化 古典音乐的精髓在于对作曲家意图的准确理解和个人艺术生命的注入。本部分侧重于音乐理论、历史背景与演奏实践的结合。 第四章：和声学基础在键盘上的应用 理解和声结构是演奏的“骨架”。本书将详细讲解功能和声学在古典作品（尤其浪漫主义时期以前）中的应用，如何识别主和弦、属和弦、导音的解决等，并据此调整音量和重音的分布，使乐句的逻辑清晰可见。 第五章：节奏的弹性与律动的精确 节奏的准确性是古典演奏的生命线，但过度的僵硬会扼杀音乐的呼吸。本章将区分“机械节拍”与“音乐律动”。通过研究巴赫的结构性节奏与肖邦的自由节奏，指导演奏者如何在保持整体结构稳定的前提下，运用微小的速度弹性（Rubato）来凸显旋律线条的呼吸感。 第六章：踏板的艺术——声音的融合与空间感营造 详细解析延音踏板（Damper Pedal）在不同时期作品中的使用规范与禁忌。我们将讲解如何使用“半踏”和“换踏”技术来控制声音的混响和清晰度，如何利用踏板来制造特定的音响效果，例如模糊的、梦幻般的背景或清晰、颗粒化的音色。 第三部分：曲目精选与风格辨析——历史的对话 本部分选取了不同历史时期具有代表性的作品片段，进行深度的风格化分析和演奏指导。 第七章：巴洛克时期的清晰度与对位思维 以巴赫《平均律键盘曲集》和《法国组曲》为例，强调线条的独立性、装饰音的规范处理以及清晰的织体划分。指导读者如何“听见”每一条声部线，并以不同的音色来区分它们。 第八章：古典主义的平衡与结构美学 以海顿、莫扎特的奏鸣曲片段为例，探讨古典主义时期对乐句结构、对称性以及清晰的关节清晰度的要求。重点分析奏鸣曲式的发展部中情绪的推进与解决。 第九章：浪漫主义时期的个人表达与色彩渲染 聚焦于肖邦、李斯特等人的作品，分析其对音色变化的极致追求。探讨如何通过细致的力度变化（pp到ff的无缝过渡）和踏板运用，来表达内心的澎湃情感，同时保持旋律的优美轮廓。 第十章：二十世纪及现代作品的演奏挑战 简要介绍印象派（如德彪西）对音色、氛围的特殊要求，以及如何处理现代作品中复杂的节奏与不协和和声，鼓励演奏者拓展听觉的边界。 第四部分：舞台的准备与心理调适 演奏不仅仅是面对琴键，更是与听众的交流。本部分关注临场表现与心理素质的培养。 第十一章：高效的排练策略 讲解如何制定科学的排练计划，包括“分块练习法”、“慢速精炼法”和“整体模拟法”。强调在排练中如何模拟真实演出环境，设置压力点，从而提高抗干扰能力。 第十二章：舞台呈现与听众互动 讨论舞台礼仪、如何建立自信的身体姿态。更重要的是，探讨如何将排练中的情感融入到正式演出中，如何在紧张的氛围中保持对音乐的专注，并将演奏者的情感准确无误地传递给听众。 本书适合所有钢琴学习者、音乐学院学生以及希望深入研究古典钢琴演奏技艺的业余爱好者阅读。它不仅是一本技术手册，更是一部引导您与伟大的音乐作品进行深度对话的心灵指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用价值绝对是超乎预期的。我过去在需要为别人伴奏或者自己想随便弹点东西的时候，总是抓瞎，要么就是来回重复几个固定的和弦，非常单调。这本书的价值就在于它提供了一套“万能钥匙”系统。它深入探讨了不同风格（比如布鲁斯、流行R&B，甚至一点点爵士的味道）中的即兴伴奏套路。我印象最深的是关于“左手律动”的讲解，它不只是告诉你该弹什么音，而是告诉你该用什么样的力度和节奏去“摇摆”起来，让你的伴奏听起来有生命力。我跟着书里的节奏练习了一周，再去为朋友的演唱伴奏时，立刻收到了“哇，你这次伴奏进步好大，听起来专业多了”的反馈。这让我深刻体会到，好的教程不是教你弹什么，而是教你怎么“听”和怎么“感觉”，这本书在这方面做得非常到位，它真正教会了我如何成为一个有“耳朵”的伴奏者。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过不少声称能提高即兴能力的教程，但大多都是空谈，要么就是内容陈旧得像上个世纪的产物，要么就是理论堆砌得让人望而却步，根本不知道该如何将那些枯燥的音阶和琶音真正融入到实际演奏中去。这本书最吸引我的地方在于它非常注重“实战演练”。它不是那种只停留在纸面上讨论“什么是属七和弦”的教材，而是直接把和弦进行、节奏型和旋律创作这些模块，用非常直观且可操作的方式呈现出来。我特别喜欢其中关于“情绪驱动型即兴”的章节，它教你如何根据想要表达的情感（比如忧郁、欢快或者紧张），去选择相应的和声色彩和节奏模式，这才是真正意义上的“会弹”而不是“会背谱”。而且，它提供的那些练习曲目和范例，都非常贴近现代音乐的听感，不像一些老教材里教的都是一些不接地气的古典和声练习，让人感觉枯燥乏味，这本书的例子听起来就让人有弹下去的欲望。

评分☆☆☆☆☆

对于一个业余学习者来说，自学是最困难的，因为你不知道自己的练习方向是否正确，更不知道自己的演奏听起来有没有“味道”。这本书的结构设计非常人性化，它不像很多教程那样一开始就抛出大量的复杂知识点，而是采用了一种循序渐进的引导方式。最开始的基础篇，把很多复杂的概念都分解成了非常小的、易于消化的步骤，比如如何用“三和弦”快速构建一个基础伴奏骨架，然后才逐步加入七和弦、九和弦的色彩变化。每一次的“进阶”都有明确的听觉目标，我能清楚地听到自己弹奏效果的提升。更棒的是，它里面提供了一些“速成模板”，让你在短时间内就能生成一个听起来还不错的伴奏，这极大地增强了学习的信心。这种“先尝到甜头，再深入研究”的教学法，比那种“先啃下所有硬骨头再看成果”的传统模式要有效率得多，能有效防止学习者半途而废。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的理论深度和广度，使得它不仅仅局限于“速成”那一块。对于那些想深入研究和声学的学习者来说，它也提供了足够扎实的理论支撑。它不回避那些复杂的乐理知识，但处理方式非常高明。比如，它在讲解如何运用“离调和弦”来增加色彩时，会同时给出几个不同层级的演奏版本：一个是直接套用的简单版本，一个是稍微复杂一点的，还有一个是高阶的、需要更多技巧的版本。这种多层次的展示，让不同水平的学习者都能找到自己的切入点。资深的乐手可以从中找到新的灵感和更精细的技法，而初学者也不会因为理论的深奥而被吓跑。这本书就像一个优秀的老师，既能给你最快的捷径，也能在你准备好时，为你铺设通往殿堂的更长远道路，内容组织逻辑非常严谨，展现了作者深厚的音乐修养和教学经验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和印刷质量实在让人眼前一亮，拿到手里就感觉沉甸甸的，很有分量感。纸张的质感非常棒，厚实且光滑，即便是长时间翻阅也不会觉得刺眼。而且，封面设计得简洁又不失专业感，那种深沉的蓝色调搭配上精致的字体，让人一看就知道这是一本用心制作的教材。装订也十分牢固，每一页都翻得很顺畅，不用担心会很快散架。对于我这种经常需要带着教材去琴房的人来说，这种耐用性简直是福音。更值得称赞的是，书中的乐谱印刷得极其清晰，即便是那些复杂的和弦标记和指法提示，也都清晰可辨，这对于我们练习时减少看错谱的几率，提高学习效率帮助太大了。很多市面上常见的教材为了控制成本，总会在这些细节上打折扣，但这本书显然没有妥协，从头到尾都保持了极高的制作水准，这让人在学习的过程中，心情也会跟着愉悦起来，感觉自己面对的是一件艺术品，而不是单纯的工具书。这种对细节的极致追求，真的体现了出版方对音乐学习者的尊重。