正版 上海教育出版社 舞蹈鉴赏 全国普通高等学校公共艺术课程系列教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544424103

商品编码：29867389377

丛书名： 歌曲伴奏附CD一张

开本：16开

出版时间：2009-12-01

巨牛图书专营店

《乐章与身影：西方音乐史与舞蹈艺术的交织》 内容简介 本书旨在深入探讨西方音乐史的发展脉络，并系统梳理舞蹈艺术自古至今的演变历程，尤其侧重于两者之间密不可分的相互影响与审美融合。全书分为四大部分，结构严谨，内容详实，力求为读者提供一个既具学术深度又不失阅读趣味的艺术鉴赏指南。 第一部分：西方音乐的源流与古典基石 本部分聚焦于西方音乐自中世纪至浪漫主义时期的核心发展阶段。我们将从古希腊的音阶理论与早期基督教的圣咏音乐开始，追溯复调音乐的兴起，细致分析文艺复兴时期音乐语汇的丰富与和声的初步确立。 重点章节将对巴洛克时期（1600-1750）进行深入剖析。巴赫、亨德尔等大师的作品，如何以其严谨的对位法和恢宏的结构奠定了西方音乐的“古典基石”。我们将探讨赋格、协奏曲和清唱剧等体裁的成熟过程，并结合当时宫廷和宗教活动的背景，分析音乐如何服务于权力和信仰的表达。 随后，莫扎特与海顿引领的古典主义时期，以其清晰的结构、平衡的旋律和奏鸣曲式的规范化，构筑了西方音乐的典范。本部分将详细解析交响曲、四重奏等体裁的内在逻辑，并辅以早期芭蕾舞剧（如《唐璜》）中音乐对叙事和人物塑造的支撑作用。 第二部分：浪漫主义的激情与舞蹈的解放 进入19世纪，浪漫主义思潮深刻地影响了音乐与舞蹈的表达方式。本部分将探讨贝多芬晚期作品中对个人情感的极致抒发，如何为后世的作曲家指明方向。肖邦、舒曼等人的室内乐与钢琴作品，以其诗意的旋律和自由的结构，极大地拓展了音乐的表现领域。 在舞蹈艺术方面，本部分将重点介绍浪漫主义芭蕾的黄金时代。以《仙女》（La Sylphide）和《吉赛尔》（Giselle）为核心案例，分析“足尖技术”的出现如何从技术层面解放了舞者，使其能够更轻盈、更空灵地表达超自然的主题和细腻的女性情感。音乐家如亚当、明库斯如何通过特定的旋律织体和配器，烘托出月光下的神秘氛围和灵魂的哀婉，是本章的分析重点。 此外，还将讨论瓦格纳的“主导动机”理论与歌剧的改革，这些对整体艺术的追求，为后来的交响诗和富有戏剧性的芭蕾音乐创作提供了新的范式。 第三部分：跨越世纪的探索：印象主义、现代主义与编舞革新 19世纪末至20世纪初，音乐和舞蹈都迎来了剧烈的变革。本部分将分析德彪西和拉威尔的印象主义音乐，他们如何打破传统的大小调体系，用色彩斑斓的音响和模糊的轮廓，描绘瞬间的情绪和光影变化。这些音乐对随后的现代芭蕾，尤其是德彪西的《牧神午后前奏曲》如何启发了福金的编舞思想，将详述分析。 现代主义的浪潮，以斯特拉文斯基的《春之祭》为标志，对音乐节奏、和声和力度进行了颠覆性的重构。本部分将详细考察《春之祭》首演引发的巨大争议，以及尼金斯基极具原始力量的编舞如何与音乐的原始冲动完美契合。这标志着古典美学的彻底瓦解与新身体语言的诞生。 同时，我们将审视20世纪上半叶“自由舞蹈”（Free Dance）或现代舞的兴起。邓肯、格雷厄姆等先驱如何拒绝古典芭蕾的僵硬束缚，转而从人体自身的呼吸、重心转移和情感爆发中寻找新的动作语汇，以及他们的艺术理念如何与同时代先锋音乐家的探索产生共振。 第四部分：当代对话：电子媒介、多元文化与舞蹈剧场 最后一部分将目光投向20世纪中后期至今的艺术动态。我们将探讨序列音乐、极简主义音乐的出现，以及它们如何挑战听众的聆听习惯。在舞蹈领域，我们将考察后现代舞的特点，即对“叙事性”的消解和对日常动作的关注。 本部分将重点分析音乐技术（如电子音乐、采样技术）如何被引入舞蹈创作，以及当代编舞家如何运用非传统的音乐材料（包括噪音、环境声等）来构建新的空间和时间感受。我们还将探讨舞蹈剧场（Tanztheater）的概念，如庇娜·鲍什的作品，如何将肢体动作、舞台设计、声音元素融为一体，形成一种跨越传统界限的综合性艺术表达。 通过对各个历史时期的音乐与舞蹈的对比研究，本书旨在帮助读者建立起一个宏观的艺术视野，理解每一次音乐的革新都必然在舞蹈中找到其对应的身体回响，反之亦然，从而提升对二者共同构成的艺术场景的深度鉴赏能力。全书配有大量历史图片和乐谱简析图表，增强了学习的直观性与趣味性。

评分☆☆☆☆☆

我个人对于教材类书籍的评价标准，往往会看它是否能真正激发读者的“求知欲”，而不是仅仅完成“传授知识”的任务。而这本舞蹈鉴赏教材，在我看来，成功地超越了后者，达到了前者的高度。它在叙事手法上大量运用了对比和类比，不像传统教材那样生硬地罗列事实，而是通过设置悬念和引导思考的方式，让读者主动去寻找答案。例如，在介绍不同地域的民族舞蹈时，它并没有停留在简单的风俗介绍上，而是深入探讨了地理环境、宗教信仰如何雕塑出截然不同的身体语言和节奏感，这种多维度的分析角度，极大地拓宽了我对“舞蹈”这一概念的理解边界。读完某一章节后，我常常会产生一种强烈的冲动，想要立刻去寻找相关的纪录片或现场录像来印证书中所述，这种由文字引发的“行动力”，正是一本优秀教材的魅力所在。它不仅仅是知识的容器，更像是一个开启通往广阔艺术世界的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容编排上展现出一种非常现代且包容的视野，它没有将舞蹈的评价体系固化在单一的西方古典标准之上，而是给予了全球范围内多元艺术形式充分的尊重和深入的分析空间。例如，对于当代舞蹈的探讨部分，它处理得尤为精彩，没有用陈旧的眼光去评判新流派的“离经叛道”，而是客观地梳理了这些先锋探索背后的社会动因和哲学思考。这种不预设立场的叙事方式，让读者在学习过程中，能够培养起一种批判性思维和开放的审美胸襟。我尤其欣赏它对“身体性”（Embodiment）这一核心概念的反复阐释，通过对不同媒介（从舞台到屏幕）上舞蹈表现力的分析，它成功地将舞蹈从一个纯粹的表演艺术提升到了哲学思辨的层面。对于艺术教育而言，培养这种深度思考的能力远比记忆一堆舞蹈家名字来得重要，而这本书显然在这方面下了大功夫，使得学习过程充满了智力上的挑战和满足感。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本教材时，我首先关注的是它的配图质量和排版布局，毕竟舞蹈这门艺术，文字描述再好，也需要视觉的辅助来构建画面感。在这方面，这本书的表现简直无可挑剔。高清的剧照和不同历史阶段的舞台布景图，选择得极其考究，不仅清晰度高，而且每张图片似乎都经过了精心的筛选，完全服务于正在讨论的那个舞蹈流派或时代背景。更值得称赞的是，图文的结合方式非常巧妙，不是简单地把图片插在文字旁边，而是通过合理的留白和精准的图注，让视觉元素成为讲解的有机组成部分。比如说，当它讨论到某个特定时期对身体线条的强调时，所配的摄影作品就能立刻将那种力量感和美学取向直观地呈现在眼前。这种对细节的把控，体现了出版方极高的专业素养和对教学质量的重视。对于我们这些需要通过阅读来构建艺术认知的学习者来说，这种高质量的视觉支撑，极大地降低了理解复杂动作和抽象概念的门槛，让抽象的理论瞬间变得“可见”和“可触”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我过去对很多艺术类教材都有一种“说教感”，总觉得作者站在高处向下俯瞰，读者是被动接受灌输的。然而，这本教材在语言风格上做到了令人耳目一新。它的文字是典雅而精准的，但又不失温度和亲切感。在阐述那些复杂的理论框架时，作者经常会穿插一些非常生动的案例或者作者本人的深刻感悟，这使得原本有些枯燥的知识点变得鲜活起来，仿佛是听一位学识渊博的朋友在分享他最热爱的领域。这种叙述的“人情味”极大地拉近了教材与读者的距离，让人愿意沉浸其中，而不是仅仅为了考试而翻阅。它没有居高临下的姿态，而是以一种平等的交流方式，邀请读者一同来感受舞蹈的魅力、理解其背后的创作逻辑和文化意义。整体来看，这是一本既能满足学术严谨性要求，又兼顾了阅读愉悦度的，非常难得的艺术鉴赏入门与进阶读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当有格调，那种沉稳的色彩搭配，让人一眼就能感觉到这是一本经过精心打磨的学术著作，而不是那种轻飘飘的流行读物。我本来对“公共艺术课程”这种宏大的标题有些敬而远之，总觉得会充斥着晦涩难懂的理论，但翻开目录后，那种顾虑就烟消云散了。它不像有些教材那样堆砌概念，而是很自然地将舞蹈的历史脉络和审美体验结合起来，文字的组织非常有条理，逻辑链条清晰得让人赞叹。尤其让我惊喜的是，在讲解一些经典舞剧片段时，作者并没有仅仅停留在描述舞者的动作，而是深入挖掘了背后的文化符号和时代精神，这种深度的剖析，使得即便是对舞蹈涉猎不深的读者，也能迅速抓住其精髓。阅读过程中，我感觉自己像是在一位经验极其丰富的艺术史学家引导下，漫步于世界舞蹈的殿堂，每一页都充满了知识的重量感，但又带着引导者那种温和而坚定的信念，让人不由自主地想要继续探索下去。那种阅读的节奏感非常好，既有需要停下来细细品味的理论段落，也有激发感官想象的生动叙述，整体体验非常流畅和愉悦。