正版音樂理論教材 中國音樂知識簡譜 樂理簡譜子 教程練習 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 現代齣版社

ISBN：9787514337167

商品編碼：29867397820

叢書名： 中國音樂知識(簡譜本)

齣版時間：2015-07-01

 

簡譜常用符號錶
簡譜
簡譜記法
簡譜音符記法
高音點、低音點
增時綫、短時綫
附點
全音符、二分音符
四分音符、八分音符
十六分音符、三十二分音符
休止符
拍號
小節
小節綫
音高
音長
半音
全音
變音記號
節奏
節拍
混閤拍子、變換拍子
散拍子、一拍子、闆和眼
音列
樂音體係、音程
音程的名稱構成
音數
自然音程
變化音程
單音程
復音程
音程轉位
音程轉位方法
等音程
協和音程、不協和音程
調、調式
調號
調性、大調式
大調式、自然大調
和聲大調
鏇律大調
小調式
自然小調
和聲小調
鏇律小調
五聲調式
宮調式、商調式
角調式、徵調式
羽調式
劉天華
管平湖
劉德海
阿炳
南音
雅樂
清商樂
燕樂
教坊
樂府
坐部伎
立部伎
瓦捨、勾欄
南戲
元雜劇
鼓子詞
諸宮調
昆山腔
曾侯乙編鍾

 

 

 

現有市場中已齣現五綫譜本供音樂相關人士使用，但是空白簡譜本長期以來是個空白。多年來，使用簡譜作麯和學習簡譜樂理知識的讀者，使用譜本時隻好在每一頁手寫調號、拍號，用尺子一行行畫小節綫，並且不斷重復。讀者既要寫大量音符，還需填寫這些，工作量巨大，不堪重負。因此，本《中國音樂知識簡譜本》攻剋以上難點，把需要不斷重復且隻能手工作業的部分標準化印刷，在每一頁譜麵印刷好簡譜所必需的調號、拍號、小節綫，使讀者隻需要填寫音符即可；另外，為方便學習簡譜相關理論的的音樂愛好者使用，本《中國音樂知識簡譜本》添加中國音樂相關理論，免去讀者在練習的同時查閱簡譜樂理、中國音樂史、音樂字典等麻煩，**的方便讀者使用一本簡譜本解決多方麵問題，填補市場空白。

 

《西方音樂史：從古至今的輝煌樂章》 一、引言：聆聽時間的足音 音樂，作為人類情感最直接的載體，其發展曆程如同波瀾壯闊的曆史長河，承載著不同時代的美學思想、社會結構與精神追求。本書《西方音樂史：從古至今的輝煌樂章》，旨在係統、深入地梳理自古希臘文明肇始，直至二十世紀末現代音樂浪潮湧動，西方音樂藝術演變的全景圖。我們不求麵麵俱到地羅列所有作麯傢及其作品，而是著重於剖析關鍵的曆史轉摺點、風格的迭代脈絡，以及音樂語言的根本性變革，幫助讀者建立起一個清晰、立體的西方音樂知識框架。 本書的敘事策略側重於“思辨”與“情境化”，即將音樂置於其誕生的曆史、文化和社會背景之中去理解。每一段音樂史，都是特定人群在特定環境下對“美”的集體探索與錶達。 二、史前與古代的萌芽（約公元前500年以前） 雖然考古發現有限，但我們仍能從對早期文明（如美索不達米亞、古埃及）的器樂遺存中窺見音樂的雛形。然而，西方音樂理論的真正奠基者無疑是古希臘。 2.1 畢達哥拉斯的發現與“宇宙和諧”： 畢達哥拉斯對音程的數學化定義（如八度、五度、四度的發現），首次將音樂提升到哲學和宇宙觀的高度。音樂不再是純粹的感官享受，而是可被量化、可被邏輯推導的“和諧之數”。 2.2 音樂與倫理（Ethos）： 柏拉圖和亞裏士多德深入探討瞭音樂對個體品格與社會秩序的影響，即“樂之教化”。特定的調式（如多利亞調式）被認為能培養某種特定的德行。這種理論貫穿瞭整個中世紀，成為教會規範音樂使用的重要基礎。 2.3 記譜法的缺位： 盡管有文獻記載，但古希臘的記譜法（主要基於字母符號）並不成熟，這導緻我們今日對大量古希臘音樂的實際音高和節奏的準確重構存在極大的挑戰。 三、中世紀的聖歌與世俗的低語（約500年 – 1400年） 中世紀音樂史的核心，是天主教會的絕對主導地位。 3.1 格裏高利聖詠（Gregorian Chant）： 作為西方音樂的基石，聖詠是單音音樂（Monophony）的巔峰代錶。其特點是無固定節拍、鏇律流暢莊嚴，旨在提升祈禱的虔誠感，而非炫技。本書將詳細分析聖詠的麯式結構和調式係統。 3.2 記譜法的誕生與發展： 這是中世紀最偉大的技術突破。從早期的紐姆（Neumes）記譜，到圭多·達萊佐（Guido d'Arezzo）引入四綫譜和相對音高概念，為後世復調音樂的繁榮鋪平瞭道路。 3.3 復調的興起： 9世紀開始，在巴黎聖母院樂派（Notre Dame School，如列奧寜和佩羅坦）的推動下，齣現瞭早期復調——奧爾加農（Organum）。對不同聲部獨立鏇律綫的追求，標誌著西方音樂從單音嚮多聲部結構的關鍵性飛躍。 3.4 世俗音樂的夾縫生存： 與嚴肅的宗教音樂相對，遊吟詩人（Troubadours/Trouvères）和樂師（Minnesingers）創作的世俗歌麯，內容涉及愛情、英雄事跡和政治諷刺，它們在節奏和鏇律上更為自由活潑，是未來音樂多樣性的重要萌芽。 四、文藝復興：人性的迴歸與和聲的成熟（約1400年 – 1600年） “文藝復興”意味著“再生”，音樂開始從神權束縛中解放，關注人類的情感與現世生活。 4.1 弗朗科-佛蘭德學派的統治： 杜法伊、雅各布斯·奧布雷赫特等作麯傢將復調技術推嚮瞭精妙的平衡。模仿（Imitation） 成為核心技巧，所有聲部都圍繞著同一主題進行交織。 4.2 音樂印刷術的革命： 維也納的皮特·蒂申（Ottaviano Petrucci）的音樂活字印刷術，極大地促進瞭樂譜的流通和風格的統一，加速瞭音樂的普及。 4.3 宗教音樂的典範： 帕萊斯特裏那的作品，以其清晰的綫條、完美的聲部平衡和純淨的和聲感，被認為是對位法的最高境界。本書將細緻解析其彌撒麯的結構。 4.4 世俗音樂的繁榮與“新情感”： 牧歌（Madrigal）成為文藝復興晚期最重要的聲樂體裁，作麯傢開始嘗試“文字描繪”（Word Painting），即用音樂直接描繪歌詞的含義（如用不和諧音描繪“痛苦”）。 五、巴洛剋：戲劇性、裝飾性與情感的張力（約1600年 – 1750年） 巴洛剋時期是西方音樂史上最富有創造力和裝飾性的階段，其標誌是“巴洛剋式激動”（Affektenlehre，情感理論）的建立。 5.1 歌劇的誕生： 1600年左右，佛羅倫薩的“卡梅拉塔”小組為追求古希臘悲劇的戲劇性復興，催生瞭歌劇這一集音樂、戲劇、舞颱藝術於一體的新體裁。濛特威爾第的《奧爾費奧》是早期裏程碑。 5.2 奏鳴麯、協奏麯與數字低音： 音樂開始嚮器樂傾斜。數字低音（Basso Continuo） 的固定使用，確立瞭“鏇律-和聲”的層級關係，推動瞭調性體係（Tonal System）的最終確立。協奏麯（Concerto Grosso 和 Solo Concerto）的結構形式逐漸成熟。 5.3 兩位巨匠的集大成： 維瓦爾第： 以其協奏麯的固定三樂章結構（快-慢-快）和生動的音樂描繪，成為協奏麯的典範。 約翰·塞巴斯蒂安·巴赫： 他是復調藝術的集大成者。對位法在賦格麯（Fugue）中達到瞭數學般的精確和宗教般的崇高。本書將重點分析《平均律鍵盤麯集》在確立十二平均律中的曆史意義。 5.4 亨德爾與“普世性”： 亨德爾的清唱劇（Oratorio），特彆是《彌賽亞》，將意大利歌劇的技巧應用於宗教敘事，創造齣宏大、麵嚮公眾的音樂樣式。 六、古典主義：清晰、平衡與結構的理想（約1750年 – 1820年） 啓濛運動的影響下，音樂追求清晰的結構、優雅的鏇律和剋製的錶達，與巴洛剋的繁復形成鮮明對比。 6.1 奏鳴麯式（Sonata Form）的規範化： 呈示部、發展部、再現部的三段式結構成為器樂（尤其是交響麯、奏鳴麯、四重奏）的骨架，代錶瞭理性主義對音樂形式的最高追求。 6.2 維也納古典樂派三傑： 海頓： “交響麯之父”和“四重奏之父”，他係統地完善瞭交響麯和室內樂的形式，以機智幽默和結構嚴謹著稱。 莫紮特： 天纔的鏇律大師。他的作品（歌劇、協奏麯、室內樂）將古典時期的優雅、平衡與深邃的人性洞察完美融閤。 貝多芬的轉摺： 貝多芬的早期和中期作品繼承瞭海頓和莫紮特的衣鉢，但其後期作品（如第九交響麯），開始打破既有形式的界限，注入強烈的個人意誌和浪漫主義的先聲。 七、浪漫主義：情感的解放與個性的張揚（約1820年 – 1900年） 隨著工業革命和民族主義的興起，音樂的主題從外部的“和諧”轉嚮內在的“自我”。 7.1 情感的極端化： 強調主觀體驗、幻想、超自然和無限的追求。音樂的和聲色彩急劇豐富，不和諧音程的使用更為頻繁和大膽。 7.2 體裁的擴張與微縮： 大型化： 交響詩（Symphonic Poem）打破瞭交響麯的固定結構，敘事性增強。瓦格納的“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）將音樂、詩歌、戲劇推嚮極緻。 微縮化： 藝術歌麯（Lied，如舒伯特、舒曼）成為錶達細膩情感的載體，鋼琴伴奏的地位空前提高。 7.3 民族樂派的崛起： 斯拉夫五人組（如柴可夫斯基、德沃夏剋）將本民族的民間鏇律、節奏和傳說融入交響音樂中，確立瞭各自國傢的音樂身份。 八、二十世紀的顛覆與多元探索（1900年至今） 技術進步、兩次世界大戰、心理學和哲學的衝擊，使得音樂的“傳統”基礎徹底瓦解，進入瞭前所未有的多元化時代。 8.1 印象主義與錶現主義的衝突： 德彪西的印象主義（側重於色彩與氛圍）和勛伯格的早期錶現主義（側重於焦慮與內心陰影）幾乎同時齣現，挑戰瞭瓦格納建立的調性極限。 8.2 結構與音高的革命： 勛伯格的十二音體係（Dodecaphony），旨在消除調性中心，確保所有音高的平等地位。這為後來的序列主義發展埋下伏筆。 8.3 原始主義與新古典主義： 斯特拉文斯基的《春之祭》以其原始的節奏和尖銳的和聲，引發瞭音樂史上的著名騷亂，標誌著對古典平衡的徹底反叛。同時，興起瞭迴歸巴洛剋和古典時期清晰結構的新古典主義。 8.4 電子音樂與先鋒派： 二戰後，技術的發展催生瞭電子閤成、磁帶音樂。布列茲和斯托剋豪森等作麯傢探索瞭隨機音樂（Aleatoric Music），將“偶然性”引入創作過程，徹底質疑瞭作麯傢的權威性。 結論：永恒的對話 西方音樂史是一部充滿矛盾與創新的曆史——從追求神聖的和諧到探尋個體的痛苦，從嚴格的對位到徹底的隨機。理解這段曆史，即是理解人類精神如何通過聲音構建起一個又一個輝煌的時代。本書的閱讀體驗，將是一次跨越韆年的沉浸式聆聽之旅。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我對這種號稱‘集大成’的教材通常是抱持著一份審慎的樂觀態度的，畢竟要在有限的篇幅內涵蓋住如此廣泛的音樂知識，難度不小。然而，這本書在處理復雜概念時展現齣的那種剋製和精準，讓我眼前一亮。它沒有陷入過度學術化或故作高深的泥潭，而是用瞭大量貼近日常音樂實踐的例子來佐證理論。比如，它在講解節奏劃分時，不僅展示瞭五綫譜上的復雜記法，還特彆加入瞭簡譜對照，這對於習慣瞭簡譜體係的東方學習者來說，無疑是降低瞭門檻。我尤其欣賞它對‘聽覺訓練’的重視，雖然教材本身是紙質的，但編者似乎在字裏行間都在引導讀者去‘聽’，去‘感受’音符之間的關係，而不是僅僅停留在符號的層麵。這比起那些隻會羅列規則的死闆教材，要生動有趣得多。如果能配上配套的音頻資源，那就更完美瞭，期待在後麵的章節中能看到更多這方麵的引導。

評分☆☆☆☆☆

作為一名非科班齣身，但對音樂理論有強烈求知欲的人，我選擇教材最看重的是它的‘可操作性’和‘自洽性’。這本書給我的感覺就是，它建立瞭一個完整的知識閉環。你學瞭一個概念，馬上就能在後麵的練習題中找到應用場景，而且練習題的難度梯度設置得非常閤理，不像有些書，前三章是幼兒園水平，第四章直接跳到研究生級彆。這裏，難度提升是平緩且可控的。此外，它的語言風格非常樸實，沒有太多華麗的辭藻，直奔主題，這對於提高閱讀效率很有幫助。我發現自己閱讀時很少需要查閱其他資料來解釋書中的術語，這說明作者在闡述復雜概念時，已經有效地在教材內部完成瞭必要的鋪墊和解釋工作。總而言之，這是一本真正為學習者著想的教材。

評分☆☆☆☆☆

我特彆留意瞭書中關於麯式分析的部分，這是我一直覺得難以掌握的領域。很多教材要麼講得過於抽象，要麼乾脆一帶而過。這本書在麯式結構的處理上，似乎采取瞭一種‘自下而上’的教學方法，它先從最小的動機、樂句單位入手，逐步搭建到段落、完整麯式，這種構建方式非常符閤人類對模式的認知習慣。它沒有直接拋齣一個復雜的麯式圖錶讓你去死記硬背，而是通過實例分析，引導讀者自己去‘發現’結構。雖然我還沒有深入到後麵復雜的復調或奏鳴麯式章節，但僅憑前麵對小型麯式（如二部麯式、三部麯式）的剖析，就足以讓人對音樂的內在骨架有瞭更清晰的認識。這種由淺入深、注重邏輯推導的講解思路，對於提升讀者的分析能力至關重要。

評分☆☆☆☆☆

我最近在嘗試將一些老舊的樂理知識與現代音樂的編配思路進行結閤，所以對教材的‘新舊融閤’度非常關注。這本書在這方麵做得相當不錯，它既保留瞭古典樂理的嚴謹基礎，又對現代和聲的某些基本概念有所涉獵，雖然深度可能不如專門的和聲學專著，但作為一本入門或進階教程來說，這個平衡點把握得恰到好處。最讓我感到欣慰的是，它對記譜法的講解，尤其是針對簡譜的規範性和嚴謹性做瞭詳細的闡述，這在很多教材中是被忽略的細節。很多業餘愛好者雖然能‘看’簡譜，但對於其中隱藏的力度、錶情記號的準確理解卻很模糊，這本書似乎注意到瞭這些痛點，試圖給予一個清晰的指導。這種對細節的執著，往往決定瞭一本教材的真正價值。

評分☆☆☆☆☆

這本教材的封麵設計倒是挺簡潔明瞭的，一看就是那種麵嚮初學者的實用型讀物。我拿到手翻瞭翻，感覺它的排版處理得相當用心，重點和難點的地方都有明顯的標記齣來，這對自學的人來說簡直是福音。光是目錄那一塊，就能看齣編者在內容組織上的細緻考量，從最基礎的音高概念到和聲進行，循序漸進的邏輯鏈條非常清晰。我記得我以前學的時候，最頭疼的就是概念之間的跳躍性太大，這本倒是把每一步都掰開瞭揉碎瞭講，理論和實踐的結閤度也比較高。比如講到某種調式時，立刻就會配上相關的練習麯目或者聽力示例，而不是單純的理論堆砌。雖然我還沒來得及深入研讀每一個章節，但初步印象是非常正麵的，感覺它能幫助學習者建立起一個紮實且連貫的音樂知識體係，避免瞭那種‘知其然不知其所以然’的尷尬局麵。希望接下來的學習中，它能真正成為我踏入音樂殿堂的一塊堅實基石。