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出版社： 现代出版社

ISBN：9787514337167

商品编码：29867397820

丛书名： 中国音乐知识(简谱本)

出版时间：2015-07-01

 

简谱常用符号表
简谱
简谱记法
简谱音符记法
高音点、低音点
增时线、短时线
附点
全音符、二分音符
四分音符、八分音符
十六分音符、三十二分音符
休止符
拍号
小节
小节线
音高
音长
半音
全音
变音记号
节奏
节拍
混合拍子、变换拍子
散拍子、一拍子、板和眼
音列
乐音体系、音程
音程的名称构成
音数
自然音程
变化音程
单音程
复音程
音程转位
音程转位方法
等音程
协和音程、不协和音程
调、调式
调号
调性、大调式
大调式、自然大调
和声大调
旋律大调
小调式
自然小调
和声小调
旋律小调
五声调式
宫调式、商调式
角调式、徵调式
羽调式
刘天华
管平湖
刘德海
阿炳
南音
雅乐
清商乐
燕乐
教坊
乐府
坐部伎
立部伎
瓦舍、勾栏
南戏
元杂剧
鼓子词
诸宫调
昆山腔
曾侯乙编钟

 

 

 

现有市场中已出现五线谱本供音乐相关人士使用，但是空白简谱本长期以来是个空白。多年来，使用简谱作曲和学习简谱乐理知识的读者，使用谱本时只好在每一页手写调号、拍号，用尺子一行行画小节线，并且不断重复。读者既要写大量音符，还需填写这些，工作量巨大，不堪重负。因此，本《中国音乐知识简谱本》攻克以上难点，把需要不断重复且只能手工作业的部分标准化印刷，在每一页谱面印刷好简谱所必需的调号、拍号、小节线，使读者只需要填写音符即可；另外，为方便学习简谱相关理论的的音乐爱好者使用，本《中国音乐知识简谱本》添加中国音乐相关理论，免去读者在练习的同时查阅简谱乐理、中国音乐史、音乐字典等麻烦，**的方便读者使用一本简谱本解决多方面问题，填补市场空白。

 

《西方音乐史：从古至今的辉煌乐章》 一、引言：聆听时间的足音 音乐，作为人类情感最直接的载体，其发展历程如同波澜壮阔的历史长河，承载着不同时代的美学思想、社会结构与精神追求。本书《西方音乐史：从古至今的辉煌乐章》，旨在系统、深入地梳理自古希腊文明肇始，直至二十世纪末现代音乐浪潮涌动，西方音乐艺术演变的全景图。我们不求面面俱到地罗列所有作曲家及其作品，而是着重于剖析关键的历史转折点、风格的迭代脉络，以及音乐语言的根本性变革，帮助读者建立起一个清晰、立体的西方音乐知识框架。 本书的叙事策略侧重于“思辨”与“情境化”，即将音乐置于其诞生的历史、文化和社会背景之中去理解。每一段音乐史，都是特定人群在特定环境下对“美”的集体探索与表达。 二、史前与古代的萌芽（约公元前500年以前） 虽然考古发现有限，但我们仍能从对早期文明（如美索不达米亚、古埃及）的器乐遗存中窥见音乐的雏形。然而，西方音乐理论的真正奠基者无疑是古希腊。 2.1 毕达哥拉斯的发现与“宇宙和谐”： 毕达哥拉斯对音程的数学化定义（如八度、五度、四度的发现），首次将音乐提升到哲学和宇宙观的高度。音乐不再是纯粹的感官享受，而是可被量化、可被逻辑推导的“和谐之数”。 2.2 音乐与伦理（Ethos）： 柏拉图和亚里士多德深入探讨了音乐对个体品格与社会秩序的影响，即“乐之教化”。特定的调式（如多利亚调式）被认为能培养某种特定的德行。这种理论贯穿了整个中世纪，成为教会规范音乐使用的重要基础。 2.3 记谱法的缺位： 尽管有文献记载，但古希腊的记谱法（主要基于字母符号）并不成熟，这导致我们今日对大量古希腊音乐的实际音高和节奏的准确重构存在极大的挑战。 三、中世纪的圣歌与世俗的低语（约500年 – 1400年） 中世纪音乐史的核心，是天主教会的绝对主导地位。 3.1 格里高利圣咏（Gregorian Chant）： 作为西方音乐的基石，圣咏是单音音乐（Monophony）的巅峰代表。其特点是无固定节拍、旋律流畅庄严，旨在提升祈祷的虔诚感，而非炫技。本书将详细分析圣咏的曲式结构和调式系统。 3.2 记谱法的诞生与发展： 这是中世纪最伟大的技术突破。从早期的纽姆（Neumes）记谱，到圭多·达莱佐（Guido d'Arezzo）引入四线谱和相对音高概念，为后世复调音乐的繁荣铺平了道路。 3.3 复调的兴起： 9世纪开始，在巴黎圣母院乐派（Notre Dame School，如列奥宁和佩罗坦）的推动下，出现了早期复调——奥尔加农（Organum）。对不同声部独立旋律线的追求，标志着西方音乐从单音向多声部结构的关键性飞跃。 3.4 世俗音乐的夹缝生存： 与严肃的宗教音乐相对，游吟诗人（Troubadours/Trouvères）和乐师（Minnesingers）创作的世俗歌曲，内容涉及爱情、英雄事迹和政治讽刺，它们在节奏和旋律上更为自由活泼，是未来音乐多样性的重要萌芽。 四、文艺复兴：人性的回归与和声的成熟（约1400年 – 1600年） “文艺复兴”意味着“再生”，音乐开始从神权束缚中解放，关注人类的情感与现世生活。 4.1 弗朗科-佛兰德学派的统治： 杜法伊、雅各布斯·奥布雷赫特等作曲家将复调技术推向了精妙的平衡。模仿（Imitation） 成为核心技巧，所有声部都围绕着同一主题进行交织。 4.2 音乐印刷术的革命： 维也纳的皮特·蒂申（Ottaviano Petrucci）的音乐活字印刷术，极大地促进了乐谱的流通和风格的统一，加速了音乐的普及。 4.3 宗教音乐的典范： 帕莱斯特里那的作品，以其清晰的线条、完美的声部平衡和纯净的和声感，被认为是对位法的最高境界。本书将细致解析其弥撒曲的结构。 4.4 世俗音乐的繁荣与“新情感”： 牧歌（Madrigal）成为文艺复兴晚期最重要的声乐体裁，作曲家开始尝试“文字描绘”（Word Painting），即用音乐直接描绘歌词的含义（如用不和谐音描绘“痛苦”）。 五、巴洛克：戏剧性、装饰性与情感的张力（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最富有创造力和装饰性的阶段，其标志是“巴洛克式激动”（Affektenlehre，情感理论）的建立。 5.1 歌剧的诞生： 1600年左右，佛罗伦萨的“卡梅拉塔”小组为追求古希腊悲剧的戏剧性复兴，催生了歌剧这一集音乐、戏剧、舞台艺术于一体的新体裁。蒙特威尔第的《奥尔费奥》是早期里程碑。 5.2 奏鸣曲、协奏曲与数字低音： 音乐开始向器乐倾斜。数字低音（Basso Continuo） 的固定使用，确立了“旋律-和声”的层级关系，推动了调性体系（Tonal System）的最终确立。协奏曲（Concerto Grosso 和 Solo Concerto）的结构形式逐渐成熟。 5.3 两位巨匠的集大成： 维瓦尔第： 以其协奏曲的固定三乐章结构（快-慢-快）和生动的音乐描绘，成为协奏曲的典范。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫： 他是复调艺术的集大成者。对位法在赋格曲（Fugue）中达到了数学般的精确和宗教般的崇高。本书将重点分析《平均律键盘曲集》在确立十二平均律中的历史意义。 5.4 亨德尔与“普世性”： 亨德尔的清唱剧（Oratorio），特别是《弥赛亚》，将意大利歌剧的技巧应用于宗教叙事，创造出宏大、面向公众的音乐样式。 六、古典主义：清晰、平衡与结构的理想（约1750年 – 1820年） 启蒙运动的影响下，音乐追求清晰的结构、优雅的旋律和克制的表达，与巴洛克的繁复形成鲜明对比。 6.1 奏鸣曲式（Sonata Form）的规范化： 呈示部、发展部、再现部的三段式结构成为器乐（尤其是交响曲、奏鸣曲、四重奏）的骨架，代表了理性主义对音乐形式的最高追求。 6.2 维也纳古典乐派三杰： 海顿： “交响曲之父”和“四重奏之父”，他系统地完善了交响曲和室内乐的形式，以机智幽默和结构严谨著称。 莫扎特： 天才的旋律大师。他的作品（歌剧、协奏曲、室内乐）将古典时期的优雅、平衡与深邃的人性洞察完美融合。 贝多芬的转折： 贝多芬的早期和中期作品继承了海顿和莫扎特的衣钵，但其后期作品（如第九交响曲），开始打破既有形式的界限，注入强烈的个人意志和浪漫主义的先声。 七、浪漫主义：情感的解放与个性的张扬（约1820年 – 1900年） 随着工业革命和民族主义的兴起，音乐的主题从外部的“和谐”转向内在的“自我”。 7.1 情感的极端化： 强调主观体验、幻想、超自然和无限的追求。音乐的和声色彩急剧丰富，不和谐音程的使用更为频繁和大胆。 7.2 体裁的扩张与微缩： 大型化： 交响诗（Symphonic Poem）打破了交响曲的固定结构，叙事性增强。瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）将音乐、诗歌、戏剧推向极致。 微缩化： 艺术歌曲（Lied，如舒伯特、舒曼）成为表达细腻情感的载体，钢琴伴奏的地位空前提高。 7.3 民族乐派的崛起： 斯拉夫五人组（如柴可夫斯基、德沃夏克）将本民族的民间旋律、节奏和传说融入交响音乐中，确立了各自国家的音乐身份。 八、二十世纪的颠覆与多元探索（1900年至今） 技术进步、两次世界大战、心理学和哲学的冲击，使得音乐的“传统”基础彻底瓦解，进入了前所未有的多元化时代。 8.1 印象主义与表现主义的冲突： 德彪西的印象主义（侧重于色彩与氛围）和勋伯格的早期表现主义（侧重于焦虑与内心阴影）几乎同时出现，挑战了瓦格纳建立的调性极限。 8.2 结构与音高的革命： 勋伯格的十二音体系（Dodecaphony），旨在消除调性中心，确保所有音高的平等地位。这为后来的序列主义发展埋下伏笔。 8.3 原始主义与新古典主义： 斯特拉文斯基的《春之祭》以其原始的节奏和尖锐的和声，引发了音乐史上的著名骚乱，标志着对古典平衡的彻底反叛。同时，兴起了回归巴洛克和古典时期清晰结构的新古典主义。 8.4 电子音乐与先锋派： 二战后，技术的发展催生了电子合成、磁带音乐。布列兹和斯托克豪森等作曲家探索了随机音乐（Aleatoric Music），将“偶然性”引入创作过程，彻底质疑了作曲家的权威性。 结论：永恒的对话 西方音乐史是一部充满矛盾与创新的历史——从追求神圣的和谐到探寻个体的痛苦，从严格的对位到彻底的随机。理解这段历史，即是理解人类精神如何通过声音构建起一个又一个辉煌的时代。本书的阅读体验，将是一次跨越千年的沉浸式聆听之旅。

评分☆☆☆☆☆

作为一名非科班出身，但对音乐理论有强烈求知欲的人，我选择教材最看重的是它的‘可操作性’和‘自洽性’。这本书给我的感觉就是，它建立了一个完整的知识闭环。你学了一个概念，马上就能在后面的练习题中找到应用场景，而且练习题的难度梯度设置得非常合理，不像有些书，前三章是幼儿园水平，第四章直接跳到研究生级别。这里，难度提升是平缓且可控的。此外，它的语言风格非常朴实，没有太多华丽的辞藻，直奔主题，这对于提高阅读效率很有帮助。我发现自己阅读时很少需要查阅其他资料来解释书中的术语，这说明作者在阐述复杂概念时，已经有效地在教材内部完成了必要的铺垫和解释工作。总而言之，这是一本真正为学习者着想的教材。

评分☆☆☆☆☆

我特别留意了书中关于曲式分析的部分，这是我一直觉得难以掌握的领域。很多教材要么讲得过于抽象，要么干脆一带而过。这本书在曲式结构的处理上，似乎采取了一种‘自下而上’的教学方法，它先从最小的动机、乐句单位入手，逐步搭建到段落、完整曲式，这种构建方式非常符合人类对模式的认知习惯。它没有直接抛出一个复杂的曲式图表让你去死记硬背，而是通过实例分析，引导读者自己去‘发现’结构。虽然我还没有深入到后面复杂的复调或奏鸣曲式章节，但仅凭前面对小型曲式（如二部曲式、三部曲式）的剖析，就足以让人对音乐的内在骨架有了更清晰的认识。这种由浅入深、注重逻辑推导的讲解思路，对于提升读者的分析能力至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的封面设计倒是挺简洁明了的，一看就是那种面向初学者的实用型读物。我拿到手翻了翻，感觉它的排版处理得相当用心，重点和难点的地方都有明显的标记出来，这对自学的人来说简直是福音。光是目录那一块，就能看出编者在内容组织上的细致考量，从最基础的音高概念到和声进行，循序渐进的逻辑链条非常清晰。我记得我以前学的时候，最头疼的就是概念之间的跳跃性太大，这本倒是把每一步都掰开了揉碎了讲，理论和实践的结合度也比较高。比如讲到某种调式时，立刻就会配上相关的练习曲目或者听力示例，而不是单纯的理论堆砌。虽然我还没来得及深入研读每一个章节，但初步印象是非常正面的，感觉它能帮助学习者建立起一个扎实且连贯的音乐知识体系，避免了那种‘知其然不知其所以然’的尴尬局面。希望接下来的学习中，它能真正成为我踏入音乐殿堂的一块坚实基石。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种号称‘集大成’的教材通常是抱持着一份审慎的乐观态度的，毕竟要在有限的篇幅内涵盖住如此广泛的音乐知识，难度不小。然而，这本书在处理复杂概念时展现出的那种克制和精准，让我眼前一亮。它没有陷入过度学术化或故作高深的泥潭，而是用了大量贴近日常音乐实践的例子来佐证理论。比如，它在讲解节奏划分时，不仅展示了五线谱上的复杂记法，还特别加入了简谱对照，这对于习惯了简谱体系的东方学习者来说，无疑是降低了门槛。我尤其欣赏它对‘听觉训练’的重视，虽然教材本身是纸质的，但编者似乎在字里行间都在引导读者去‘听’，去‘感受’音符之间的关系，而不是仅仅停留在符号的层面。这比起那些只会罗列规则的死板教材，要生动有趣得多。如果能配上配套的音频资源，那就更完美了，期待在后面的章节中能看到更多这方面的引导。

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试将一些老旧的乐理知识与现代音乐的编配思路进行结合，所以对教材的‘新旧融合’度非常关注。这本书在这方面做得相当不错，它既保留了古典乐理的严谨基础，又对现代和声的某些基本概念有所涉猎，虽然深度可能不如专门的和声学专著，但作为一本入门或进阶教程来说，这个平衡点把握得恰到好处。最让我感到欣慰的是，它对记谱法的讲解，尤其是针对简谱的规范性和严谨性做了详细的阐述，这在很多教材中是被忽略的细节。很多业余爱好者虽然能‘看’简谱，但对于其中隐藏的力度、表情记号的准确理解却很模糊，这本书似乎注意到了这些痛点，试图给予一个清晰的指导。这种对细节的执着，往往决定了一本教材的真正价值。