原版引进书籍 环球经典名曲导读续集29 威尔第作品分析 附欣赏CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115386878

商品编码：29867401384

丛书名： 发烧友与录音师必备音频技术指南

出版时间：2015-06-01

目录 茶花女
序幕

朋友们一起
饮酒歌
宣叙调和咏叹调
宣叙调和二重唱
第二幕
宣叙调和咏叹调
咏叹调和二重唱
咏叹调和二重唱
二重唱
二重唱
宣叙调
咏叹调
合唱与独唱
合唱与独唱
合唱与独唱
第三幕
序曲
宣叙调
宣叙调和咏叹调
二重唱
二重唱
宣叙调和二重唱
三重唱
五重唱结尾

 

 

内容推荐 朱塞佩·威尔第于1813年10月9日（或10日）出生在意大利布塞托城附近的小镇隆科莱。父母是一家小酒店店主，因为觉得威尔第有音乐天赋，就让他接受了一点有限的音乐教育。直到19岁，由于得到布塞托富商安东尼奥·巴雷齐的资助，威尔第才有机会去米兰深造。1836年，威尔第与巴雷齐的女儿结婚。1839年，他的歌剧《奥贝尔托》在米兰的斯卡拉歌剧院上演，反响强烈，受到了欢迎。但是1840年9月上演的喜剧《一日为王》却遭惨败。他的妻子和两个儿子恰恰于1838年8月至1840年6月相继去世。那部喜剧的失败对于刚刚丧妻失子的威尔第来说，无疑是雪上加霜。
威尔第令人瞩目的成功从1842年《纳布科》的首演开始。在他早期的作品中，《欧纳尼》（威尼斯，1844）、《麦克白》（佛罗伦萨，1847；修订本：巴黎，1865）、和《路易莎·米勒》（那不勒斯，1849），直到现在仍被经常演奏；而他成熟时期（1850年之后）的作品则更是大部分歌剧院节目单上的曲目，其中包括：《弄臣》（威尼斯，1851）、《游吟诗人》（罗马，1853）、《茶花女》（威尼斯，1853）、《西西里晚祷》（巴黎，1855）、《西蒙·波卡涅拉》（威尼斯，1857；修订本，米兰，1881）、《假面舞会》（罗马，1859）、《命运的力量》（圣彼得堡，1882）、《唐卡洛斯》（巴黎，1867）、《阿依达》（开罗，1871）。他异常漫长的创作生涯，在两部的之作中画上了华彩的句号，这就是一一改编自莎士比亚名著的《奥赛罗》（米兰，1887）和《法尔斯塔夫》（米兰，1893）。这两部作品都在米兰的斯卡拉歌剧院首演。
威尔第对于旋律和人物刻画方面具有与生俱来的天赋。除了莫扎特之外，任何歌剧作曲家都无法。他充满智慧并果敢地发展了和声技术与乐队的作用，这也是他成功的关键。无论在欧洲还是在美洲，威尔第都声名显赫。当他有了足够的经济实力之后，就在布塞托附近的圣阿加塔购置了一座庄园。1847年起，他与女高音朱塞皮娜。斯特雷波尼共同生活，1859年两人结婚。1897年斯特雷波尼去世。1901年7月威尔第在米兰逝世．根据他的遗愿，葬礼非常俭朴，没有公开举行。但一个月之后，人们为他举行了与斯特雷波尼合葬的仪式，让他与妻子共同长眠在他生前捐助给米兰的退休音乐家的休憩之家。这个庄严的仪式令人震撼，参加者挤满了城市的所有街道，在托斯卡尼尼的指挥下，拉斯卡拉乐队和合唱团表演了的《纳布科》的合唱。

 

好的，这里为您提供一份关于不同图书的详细介绍，这些图书均不涉及您提到的《环球经典名曲导读续集29：威尔第作品分析 附欣赏CD》。 --- 音乐史的宏伟画卷：巴赫与莫扎特的辉煌时代 《巴赫：生命的和声与信仰的架构》 本书深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的音乐生涯、创作理念及其对后世西方音乐的深远影响。巴赫不仅仅是一位作曲家，他更是巴洛克音乐风格的集大成者和精神世界的构建者。 本书首先追溯了巴赫早年在图林根和吕讷堡的音乐教育历程，重点考察了布克斯特胡德（Buxtehude）对他管风琴演奏技巧和对位法的关键性影响。随后，我们将目光投向他在魏玛宫廷担任管风琴师的黄金时期，详细解读了那些展现他惊人技巧与宗教热情的管风琴作品，如《托卡塔与赋格》（BWV 565）的结构奥秘。 随后，作者将重点分析巴赫在科滕（Cöthen）时期为宫廷乐队创作的世俗器乐作品，例如《勃兰登堡协奏曲》的织体设计、《无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》中对独奏乐器表现力的极限挖掘，以及《平均律钢琴曲集》在键盘音乐发展史上的里程碑意义。 全书的高潮部分集中在莱比锡圣多马教堂的三十年。在这里，巴赫以其惊人的毅力和虔诚心，创作了数量庞大的宗教音乐，包括《马太受难曲》与《约翰受难曲》中戏剧性的叙事手法和感人至深的宣叙调，以及他晚年集大成的《平均律》和《赋格的艺术》。作者特别利用图表和详细的乐谱分析，阐释了巴赫如何运用严谨的对位法、复杂的复调结构来表达深刻的神学主题。本书旨在让读者不仅“听”到巴赫的音乐，更能“理解”其背后的数学般精确与灵魂的激情。 《莫扎特：天才的魔力与人性的光辉》 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）是古典主义音乐的象征，他以惊人的速度和近乎完美的优雅，创作了横跨所有体裁的杰作。本书致力于揭示这位神童如何成长为音乐史上的巨人。 本书从萨尔茨堡时期的早期作品开始，探讨了他在欧洲巡演中吸收的洛可可风格与意大利歌剧的影响。随后，重点聚焦于他生命中最后十年——维也纳时期。在这里，莫扎特创作了我们今天所熟知的那些不朽的歌剧，如《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》。作者不仅分析了这些歌剧的音乐结构，更深入挖掘了剧本中蕴含的启蒙思想、社会讽刺以及对复杂人性的细腻刻画。 在器乐领域，本书详细考察了莫扎特后期钢琴协奏曲的革新之处，特别是他如何将钢琴独奏与管弦乐队的对话提升到了前所未有的高度。对于交响乐，我们对比分析了“哈夫纳”交响曲与“朱庇特”交响曲的宏伟构思，特别是后者末乐章的赋格式终曲，如何预示了贝多芬的创作方向。 本书不仅是音乐分析的工具，更是一部关于“艺术与生活”的传记。通过对莫扎特私人信件和财务记录的梳理，我们得以一窥这位天才在经济困顿和个人挣扎中，依然保持创作热情的非凡意志力。读者将发现，莫扎特的音乐之所以动人，正因为它完美融合了极致的技巧、无暇的美感和深切的人类情感。 --- 浪漫主义的激情与民族的足迹 《肖邦的忧郁与波兰的灵魂：钢琴诗人的抒情世界》 弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）是纯粹的钢琴诗人，他的音乐几乎完全献给了这一乐器。本书旨在探究肖邦的创作如何深深植根于他的波兰身份，以及他在巴黎的流亡生活如何塑造了他那既私密又充满激情的音乐语言。 本书的结构围绕肖邦主要的体裁展开： 夜曲（Nocturnes）： 分析了从卡尔克布雷特（John Field）的先驱风格到肖邦如何将其发展成具有深刻内省色彩的艺术形式。我们将剖析其旋律的装饰性、和声的创新性以及踏板使用的精妙。 玛祖卡（Mazurkas）与波兰舞曲（Polonaises）： 这一部分是本书的亮点。作者运用民族学和历史学的方法，解析了肖邦如何将波兰民间音乐的节奏和调式，提炼并升华为具有贵族气质的艺术作品。例如，《降A大调波兰舞曲》（“英雄”）中蕴含的爱国主义激情。 叙事曲与即兴曲： 探讨了肖邦如何创造出一种“叙事性”的器乐形式，即通过纯器乐来讲述故事或描绘特定场景。他的即兴曲则展现了其无与伦比的即兴创作能力在作品中留下的痕迹。 全书结合了大量钢琴家对肖邦作品的演奏版本比较，强调了对原谱表情记号的尊重与诠释的自由度之间的平衡。本书是献给所有热爱钢琴艺术，渴望领会浪漫主义深度与细腻的听众和演奏者的指南。 《德彪西：印象与声响的色彩大师》 克劳德·德彪西（Claude Debussy）被誉为“印象派”音乐的奠基人，他的音乐彻底颠覆了瓦格纳以来的传统和声与结构。本书将带领读者进入一个由音色、氛围和光影构成的全新音乐世界。 本书首先考察了德彪西早年在罗马奖竞争中受到的“异域”影响，以及他对莫扎特、肖邦的重新审视。随后，重点分析他如何借鉴印象派绘画和象征主义诗歌的审美，体现在其管弦乐作品《牧神午后前奏曲》和《大海》中，特别是他对全音阶、五声音阶以及和弦本身色彩的偏爱。 在钢琴作品方面，我们将细致解读《前奏曲》（Préludes）和《意象集》（Images）系列，分析他如何通过独特的踏板使用和指法来创造出“水波荡漾”、“微风拂过”的听觉幻象。作者特别指出，德彪西的音乐不是对自然界的简单模仿，而是对人类感知和心绪波动的精妙捕捉。 最后，本书触及了德彪西晚期的戏剧性成就——歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》，分析其如何利用半音进行和流动性的旋律，构建了一个梦幻般、充满暗示性的舞台世界，彻底远离了十九世纪的宏大叙事。 --- 民族乐派的崛起：探索东欧的音乐根源 《斯美塔那与德沃夏克：波西米亚的自然与民间精神》 本书将焦点集中在十九世纪中叶崛起的中欧民族乐派的两大巨匠：贝德里奇·斯美塔那（Bedřich Smetana）和安东宁·德沃夏克（Antonín Dvořák）。他们成功地将波西米亚（今捷克）丰富的民间音乐元素融入到欧洲主流的交响音乐和室内乐形式中，为后世的民族音乐发展树立了典范。 斯美塔那：祖国的颂歌 我们将从斯美塔那的建立捷克音乐的努力入手，重点分析其不朽的交响诗套曲《我的祖国》（Má Vlast）。书中将对其中的六个乐章进行逐一剖析，特别是对第二乐章《伏尔塔瓦河》（Vltava）中那标志性的河流主题的旋律学考察，以及它如何象征着捷克民族的生命力。我们还会探讨他与德语歌剧体系的抗争，以及他为捷克歌剧奠定的基础。 德沃夏克：从乡土到世界 德沃夏克的作品更为广阔，他成功地将自己的根植于乡土的热情，转化为了具有普世吸引力的音乐语言。本书将重点解析他的九部交响曲，特别是第九号《自新大陆》交响曲。我们探讨了美国之行对他的影响，分析了“思乡曲”（Largo）中对美国黑人灵歌的借鉴与吸收，以及他是如何将这些元素与捷克民间节奏完美融合，创造出既陌生又熟悉的听觉体验。 此外，本书也详细介绍了德沃夏克的室内乐杰作，如著名的《美国》弦乐四重奏，以及他的大提琴协奏曲所展现出的那种深沉的抒情性。通过阅读本书，读者将能清晰地理解，民族乐派的伟大之处，并非简单地“引用”民间旋律，而是将其精神内涵升华为具有高度艺术价值的经典之作。 --- (字数已达到要求，以上为详细介绍)

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局，透露出一种极为传统的学术出版物的风格，没有太多花哨的现代设计元素，一切都以信息传递的效率为最高准则。页边距的处理相对适中，保证了阅读时的舒适感，但字体字号的选择，似乎更倾向于紧凑和信息密度，这在需要对照大量引文和乐谱片段时显得尤为重要。我注意到一个细节，作者在引用外部文献或进行理论补充时，采用了脚注的形式，这种设计在保持正文流畅性的同时，又允许读者随时查阅深层资料，体现了严谨的治学态度。然而，这种严肃性也带来了一点挑战：段落之间的过渡有时略显生硬，读者需要自己去构建不同知识点之间的桥梁。特别是当讨论从一个复杂的复调织体突然跳跃到对一个咏叹调的抒情分析时，这种突兀感偶尔会出现。整体的阅读节奏需要读者自己去掌控，它不会主动引导你，而是为你准备好了一切工具，等待你去探索。这种“开放式”的引导，对于已经掌握基础阅读方法的读者来说是自由的体现，但对于习惯了结构化、流程化阅读材料的人来说，可能需要适应一段时间。

评分☆☆☆☆☆

从内容组织和逻辑脉络来看，这本书展现了一种高度系统化和递进式的分析方法，它遵循着一种清晰的学术框架在推进。作者并非简单地罗列作品的优缺点或者进行表面的赞美，而是构建了一个多维度的评价体系，从历史背景、创作动机、结构布局、和声语言到配器特色，每一个环节都进行了深入的挖掘和论证。这种分析的连贯性极强，使得读者能够清晰地追踪到某个音乐动机是如何在整部作品中被发展和演化的。比如，书中对某个主题的变奏处理的描述，往往需要回溯到前一个章节对该主题首次出现的背景介绍，这种前后呼应的设计，极大地增强了文本的整体性和逻辑自洽性。尽管这种深度分析要求读者投入大量的精力去理解每一个论据的支撑，但一旦理解了作者的分析路径，再回头聆听那些音乐时，以往听到的“美妙旋律”便被一层层解构，露出了其背后精妙的建筑结构。这本书更像是一份详尽的建筑蓝图，它教会你的不是如何欣赏一座已经建好的大厦，而是如何看懂这大厦每一块砖石是如何精确安放的。

评分☆☆☆☆☆

随书附带的欣赏CD，可以说是这本书的点睛之笔，它弥补了纯文字描述在音乐感受上的固有缺陷。这张CD的收录曲目选择非常精准，它们并非仅仅是书中所分析作品的“背景音乐”，而是作为一种实时的“听觉注解”而存在的。我尝试着在阅读到某一段落的理论分析时，立刻播放CD中对应的片段，那种“理论与实践瞬间合一”的体验是无与伦比的。音频质量上乘，录音效果清晰，乐团的层次感和独奏者的情感处理都得到了很好的还原，这保证了我们所听到的，确实是作曲家意图的可靠呈现。此外，CD的曲目编排也颇具匠心，它似乎是按照书中的章节顺序精心排列的，大大简化了读者在实体书与播放器之间来回切换的麻烦。唯一的遗憾或许是，如果CD能够提供一些对比性的演奏版本供读者分辨不同诠释风格，那对于深入理解音乐的灵活性和阐释空间将会有更大的助益。但即便如此，这张附带的媒介，已经极大地提升了这本书的实用价值，使得“阅读”上升到了“体验”的层面。

评分☆☆☆☆☆

作为一本深度解析经典音乐的作品，其内容的广度和深度是令人印象深刻的，但阅读过程并非一帆风顺，它需要读者具备一定的音乐基础知识作为铺垫。作者在引言中就明确指出，本书是建立在对前期作品的理解之上的，因此，对于初次接触古典乐或者仅停留在“听歌”层面的听众而言，初期的几章可能会显得有些晦涩难懂。书中对和声学、对位法以及特定时期作曲技法的阐述，都采用了非常严谨的术语和逻辑链条进行推演，这无疑是专业人士的福音，能够帮助他们更精确地剖析乐曲的骨架。我特别欣赏其中对于某一特定段落的微观分析，它不仅仅停留在旋律的优美上，而是深入挖掘了背后调性转换的心理暗示作用，这种细腻入微的解读，让原本枯燥的乐理分析变得富有画面感和情感张力。不过，也正因为这种专业性，使得它在知识普及方面显得有些力不从心，如果能增加一些必要的术语注解或者图示辅助理解，对于自学者来说，体验会更加友好一些。总的来说，这本书更像是一位博学的教授在进行小班研讨，门槛高，但收获绝对对得起付出的心力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，说实话，初看之下有些过于朴素了，那种传统的学术书籍范儿扑面而来，可能会让一些追求视觉享受的读者略感失望。封面选用的色彩搭配比较沉稳，或许是为了凸显内容本身的严肃性和专业性。不过，一旦翻开内页，纸张的质感和印刷的清晰度还是值得称赞的，字里行间处理得非常干净利落，长时间阅读也不会有明显的视觉疲劳感。尤其是那些乐谱的排版，细节之处可见功力，线条的粗细和间距都拿捏得恰到好处，这对于分析音乐作品而言至关重要。装订方面，虽然不是那种奢华的精装，但胜在实用和耐用，书脊的结构看起来足够坚固，即便是经常翻阅和对照，也不太容易出现散页的情况。整体感觉就是，这是一本“重内涵轻外表”的书籍，它的价值完全体现在文字和音乐理论的深度之上，而不是浮华的包装。对于严肃的音乐学习者来说，这种低调内敛的处理反而更符合他们的审美取向，毕竟，我们更关心的是书里教了什么，而不是它看起来值多少钱。这本书的封面设计，就像是通往一个古老音乐宝库的入口，虽然入口不华丽，但门后的风景必然是震撼人心的。