莫扎特双钢琴作品集（原始版）曲谱钢琴书钢琴教程原版引进钢琴谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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弗朗茨拜尔 编，张漪 译

图书标签:

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300789

商品编码：29867403791

丛书名： 莫扎特双钢琴作品集(原始版原版引进)

开本：8开

出版时间：2013-01-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

• 版 次：1
• 页 数：95
• 字 数：
• 印刷时间：2014-9-1
• 开 本：8开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：2
• 包 装：平装

目录 前言?Preface
奏鸣曲
小广板与快板
由弗朗茨?拜尔增补完成
柔板与赋格
小广板
快板
柔板
赋格
评注 Comments

内容推荐 《莫扎特双钢琴作品集(原始版)》收录的是由弗朗兹拜尔（FranzBeyer）所改编的双钢琴版。这首赋格的两次出版，无不在书名页中明确提及莫扎特在宫廷所任之新职。作曲家精心选择运用自己擅长的对位技术，以彰显对其任职的当之无愧，这肯定是有意而为。在《莫扎特双钢琴作品集(原始版)》结尾处的“评注”部分中，读者们可以阅读到关于作品底本的详尽资料信息，也可见到对作品当中若干问题的说明。从德国亨乐出版社原版引进，三首双钢琴作品及评注共同构成了《莫扎特双钢琴作品集（原始版）》经典之作。

好的，以下是一本与您提供的书名《莫扎特双钢琴作品集（原始版）曲谱钢琴书钢琴教程原版引进钢琴谱》内容完全不相关的图书简介。 --- 《巴洛克时期意大利歌剧的结构与情感表达：从蒙特威尔第到亨德尔》 一部深度剖析巴洛克歌剧艺术的里程碑式研究 【图书信息】 书名： 巴洛克时期意大利歌剧的结构与情感表达：从蒙特威尔第到亨德尔 作者： 艾莉森·范德堡 著 译者： 张伟 译 出版社： 雅韵文化出版社 开本/页数： 16开 / 680页 装帧： 精装，附高清乐谱插图及历史插页 --- 内容梗概 《巴洛克时期意大利歌剧的结构与情感表达：从蒙特威尔第到亨德尔》是一部全面且极具学术深度的专著，旨在揭示十七世纪初至十八世纪中叶，意大利歌剧这一艺术形式如何从诞生的试验田成长为欧洲贵族沙龙和剧院的主导力量。本书不满足于对著名歌剧选段的简单介绍，而是深入挖掘了驱动巴洛克歌剧艺术形态、音乐语言和戏剧哲学的底层逻辑。 全书以时间为轴线，以结构分析和情感理论为核心，细致梳理了这一历史时期歌剧的“呼吸”与“脉动”。 第一部分：萌芽与奠基——从“第二实践”到威尼斯模式 本部分聚焦于歌剧的源头。作者详尽考察了佛罗伦萨的“伽梅拉塔”小团体在复兴古典悲剧理想中的作用，特别着重分析了克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）的创新，尤其是《奥尔费奥》（L’Orfeo）中宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的张力建立。我们探讨了“第二实践”（Seconda Prattica）如何打破了文艺复兴晚期的对位僵局，将音乐的使命重新定位为对文本中激烈情感（Affetti）的直接描绘。 随后，研究转向威尼斯歌剧院的商业化运作，分析了弗朗切斯科·卡瓦利（Francesco Cavalli）如何将戏剧的复杂度融入更具娱乐性和市场导向的叙事中，以及“套曲咏叹调”（Strophic Aria）在早期歌剧中承担的叙事功能。 第二部分：那不勒斯学派的崛起与“正歌剧”的定型 十八世纪初，那不勒斯成为欧洲歌剧的中心。本书将大量的笔墨用于分析亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）及其后继者如何将歌剧的结构推向一个相对固化的模式——“意大利式三段体咏叹调”（Da Capo Aria, ABA’）的统治地位。 详细章节探讨了这种结构如何精确地服务于巴洛克时期对“情感平衡”的追求。A段呈现主要情感状态，B段则提供对比或转折，而返回的A’段则通过华丽的装饰（即兴花腔）来强化或深化最初的情感体验。本书首次以如此全面的视角，解析了那不勒斯学派剧作家（如彼得罗·梅塔斯塔西奥）对脚本的理性重构，以及这种结构如何规范了角色划分（英雄、情人、喜剧角色）。 第三部分：结构下的情感哲学与配器语汇 本书的突破性在于其对音乐语言的深入剖析。作者不仅展示了咏叹调的结构，更研究了在不同情感主题下（如愤怒、悲恸、狂喜）音乐动机（Motif）的选择。 对位与和声的运用： 研究了在表现戏剧高潮时，音乐如何从清晰的宣叙调转向复杂的合唱或重唱段落，以及和声进行（特别是半终止和导音的运用）如何在没有现代调性系统限制下，营造出强烈的不安或确信感。 乐器法与“氛围塑造”： 详细分析了巴赫和亨德尔时代，器乐部分如何不再仅仅是声部的伴奏。例如，特定乐器（如双簧管代表田园，小提琴的颤音代表焦虑）在宣叙调间的间奏（Sinfonia）或咏叹调中的“情感插曲”所扮演的角色。 第四部分：格奥尔格·弗里德里希·亨德尔的集大成与革新 最后一部分聚焦于旅居伦敦的亨德尔。通过剖析其伦敦时期的杰作，如《尤利乌斯·凯撒》、《阿奇娜》等，本书阐明了亨德尔如何吸收那不勒斯模式的精髓，同时又融入了德奥对位传统和英国本土观众对史诗场面的热爱。亨德尔对规模宏大的合唱段落（深受清唱剧影响）在歌剧中插入的尝试，以及他如何通过对A段咏叹调的极度“装饰化”处理，将情感的表达推向了技术与情感表达的巅峰，预示了洛可可风格的终结和古典主义前夜的来临。 本书特点： 1. 扎实的文献基础： 首次全面引用了大量未被充分研究的早期歌剧手稿和剧本，提供了无可辩驳的史料支持。 2. 结构模型的可视化： 包含数百处精选乐谱片段（清晰排版），并辅以作者自绘的结构流程图，帮助读者直观理解复杂的音乐形式。 3. 跨学科视野： 深度结合了十八世纪美学理论、哲学思潮（如笛卡尔的“激情理论”）与音乐实践，阐释了艺术创作背后的时代精神。 4. 针对性读者： 适合音乐史、音乐理论专业的学生、研究人员，以及资深的古典音乐爱好者，是理解西方歌剧发展史不可或缺的深度指南。 本书将带领读者超越流行的咏叹调欣赏，走进巴洛克歌剧精密、复杂而又充满激情的艺术构造之中，感受那个时代声音与情感的完整对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太用心了，我拿到手的时候就被它厚实的封面和精致的烫金字体吸引住了。内页的纸张质量也完全超出了我的预期，那种略带米黄色的纸张，不仅保护了视力，拿在手里也有一种厚重而珍贵的质感。排版方面，看得出来设计者在布局上花了不少心思，清晰的五线谱配合着恰到好处的留白，使得阅读体验非常舒适，即便是长时间练习也不会感到眼花缭乱。尤其值得一提的是，这本书的装订方式非常牢固，即便是频繁翻阅，书脊也没有出现任何松动的迹象，这对于一本经常使用的乐谱来说是至关重要的。我以前买过很多进口乐谱，很多都因为装订问题很快就散架了，但这一本显然在这方面下了血本，让人感觉物超所值。整体来看，这本书不仅仅是一本乐谱，更像是一件值得收藏的艺术品，体现了出版方对音乐文化和阅读体验的尊重。

评分☆☆☆☆☆

作为一名严肃的钢琴学习者，我最看重的是乐谱的准确性和完整性。这本曲集在音符的精确度上表现得极其出色，每一个连奏、每一个重音符号都标注得清清楚楚，这对于演奏那些复杂的复调作品来说是至关重要的，极大地减少了我自己核对原稿的时间。更让我惊喜的是，它对于一些演奏技巧的细节处理，比如踏板的运用建议，都给出了非常专业且富有洞察力的指导，这远比一些通用的教程要来得实在。它似乎在邀请演奏者进入作曲家的内心世界，去理解每一个音符背后的情感流动，而不是仅仅停留在机械的指法练习上。这种对音乐“深度”的挖掘，使得练习过程充满了探索的乐趣，让人感觉每攻克一个乐章，都是一次对古典音乐理解的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

从整体的选曲编排来看，这套曲集展现了极高的品味和学术价值。它并非简单地将莫扎特所有双钢琴作品堆砌在一起，而是似乎经过了精心策划和筛选，使得练习路径和风格过渡非常自然流畅。从早期的、结构相对清晰的作品，到后期那些充满戏剧张力和复杂对位的杰作，读者可以清晰地追踪莫扎特在双钢琴创作上的心路历程。这种编排逻辑，对于想要系统性学习和理解莫扎特创作演变历程的音乐学者或高阶学生来说，具有不可替代的参考价值。它不仅仅是用来“弹奏”的工具书，更是值得放在书架上时常翻阅和沉思的音乐研究资料。

评分☆☆☆☆☆

我对这本曲谱的字体和记号的清晰度简直要大加赞赏。很多老版本的乐谱，由于年代久远或者印刷技术限制，很多细小的表情符号和力度记号都显得模糊不清，练到高难度段落时，常常需要费力辨认，极大地影响了练习的连贯性。然而，这本书的激光雕刻般的清晰度，使得即便是最微小的“sfz”或者“ppp”也能一目了然。这种清晰度对于需要精确控制动态的钢琴演奏，尤其是双钢琴这种需要高度默契的合作形式来说，是不可或缺的。我试着在昏暗的练习室里翻阅，即便是光线不佳，那些关键的指位提示和指法标记依然清晰可见，这种对实用性的极致追求，真的非常人性化。

评分☆☆☆☆☆

这本书的纸张触感非常独特，它不像市面上一些廉价乐谱那样光滑得有些“滑腻”，反而带有一种恰到好处的摩擦力，这使得翻页的时候有一种扎实而可靠的感觉，不用担心手指一滑就撕破纸张或者翻过头。而且，这种纸张的吸光性处理得很好，在强烈的舞台灯光下也不会产生刺眼的反射光，这对于即将登台演出的朋友来说绝对是一个福音。我记得有一次，我用一本反光严重的乐谱在汇报演出时，强光打在谱面上简直像是在看一面镜子，这次的乐谱彻底解决了我的这个担忧。这种对演奏环境的细致考量，充分体现了出版方对专业演奏者的体贴入微。