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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806679005

商品编码：29867405143

丛书名： 克莱采尔42首小提琴练习曲

开本：8开

出版时间：2007-05-01

《克莱采尔42首小提琴练习曲》内容简介：我在数十年的教学中，认为《克莱采尔42首小提琴练习曲》是一本在小提琴文献中极为重要的经典教材。如果我们能让学生掌握好每一首练习，就能为他们在小提琴演奏发展上打下扎实的基础。这本练习曲集包含了我们在演奏中常用的弓法练习，为学生提供了掌握良好发音的途径。在左手方面，颤音“□”的练习占了很大部分，为训练手指的弹性、耐力提供了有效的方法。*后的11首双音练习，对学生在掌握音准上更是极其有益的。科学的学习方法，应该是由慢到快，由简单到复杂，由浅入深的。有分析、有步骤地增加练习的难度，切不可盲目追求“一步登天”，常言道“功到自然成”。我认为即使是程度较高的学生，经常复习其中的一些练习曲，也能受益匪浅。

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《克莱采尔42首小提琴练习曲》内容简介：我在数十年的教学中，认为《克莱采尔42首小提琴练习曲》是一本在小提琴文献中极为重要的经典教材。如果我们能让学生掌握好每一首练习，就能为他们在小提琴演奏发展上打下扎实的基础。这本练习曲集包含了我们在演奏中常用的弓法练习，为学生提供了掌握良好发音的途径。在左手方面，颤音“□”的练习占了很大部分，为训练手指的弹性、耐力提供了有效的方法。的11首双音练习，对学生在掌握音准上更是极其有益的。科学的学习方法，应该是由慢到快，由简单到复杂，由浅入深的。有分析、有步骤地增加练习的难度，切不可盲目追求“一步登天”，常言道“功到自然成”。我认为即使是程度较高的学生，经常复习其中的一些练习曲，也能受益匪浅。

探索小提琴的精湛艺术：超越基础的技巧磨砺 一部专为进阶与专业演奏者量身打造的无价之宝 本书并非市面上常见的初学者入门读物，更不是针对基础音阶与指法练习的初步教材。它是一部深度聚焦于小提琴演奏技巧提升与音乐表现力拓展的权威指南，旨在帮助那些已经掌握了基础乐理与演奏姿势的学习者，跨越瓶颈，直达专业演奏水准。 内容聚焦：精选的艺术性练习与挑战 本书的核心内容围绕着一套经过时间检验、被全球顶尖音乐学院和演奏家推崇的高级技术模块展开。我们深入探讨了那些对音准的绝对精确性、弓法控制的细腻度以及左手灵活性提出极高要求的练习体系。 第一部分：弓弦的对话——动态控制与音色雕塑 本部分着重于将弓的物理运动转化为丰富多变的音乐表达，是区别于业余与专业演奏者的关键分水岭。 一、超微动态的驾驭：从 pp 到 ff 的无缝衔接 我们细致剖析了如何实现极弱（pianississimo）与极强（fortississimo）音量之间的平滑过渡，避免了突兀的音量跳跃。书中包含了大量关于弓速、弓压与触弦点（sul ponticello 到 sul tasto）之间复杂关系的实战练习。重点关注： 弱奏中的清晰度： 如何在极轻的弓速下，依然保持音准的稳定和音质的纯净，尤其是在换弦时的无缝连接。 强奏中的控制力： 探讨了在高弓速下如何保持琴弦的平稳振动，避免“破音”或“嘶哑”现象，确保强音的饱满与圆润。 二、多变的弓法艺术：细节决定成败的演奏语汇 本书摒弃了机械性的连弓与分弓练习，转而深入挖掘复杂弓法在音乐语境中的应用。 1. 换弦的艺术： 针对不同速度下，在紧密音群中实现换弦而不产生明显的“刮擦声”或“停顿感”的技巧。包含了专门针对快速换弦时左右手协调的复杂练习序列。 2. 断奏（Staccato）的深度解析： 不仅是短促的断奏，更是对不同风格断奏（如意大利式spiccato、法国式martelé）的精确区分与控制。书中包含了大量的关于如何利用手腕和肘部的协同作用来控制断奏的长度和重量的专项练习。 3. 连弓的层次感： 探讨如何在一条弓上拉奏多组音符时，通过微小的弓压变化，清晰地划分出乐句的内部结构，避免“一弓到底”的平庸感。 第二部分：左手的革命——超越指板极限的精确性 左手技术是展现高难度作品的基石，本书将大量的篇幅用于挑战演奏者的指间柔韧性、音准的绝对把握以及换把的流畅性。 一、复杂的指位转换与把位移动 本书提供了针对高把位技术，尤其是需要跨越两组以上音程的大跳练习。重点在于预判性与放松性的结合。 无缝换把技术： 专门针对快速、大跨度换把设计了一系列“目标导向”练习，旨在训练演奏者在不依赖听觉的情况下，通过肌肉记忆实现精准定位。 双音与和弦的精确性： 超越基础的双音练习，本书挑战了复杂的三度、六度、八度和十度在不同把位上的保持与演奏。强调如何控制两根弦的弓压，使和声清晰、平衡。 二、左手快速跑动与清晰度 针对需要极高演奏速度的炫技段落，本书着重于解决“模糊不清”和“粘滞感”的问题。 1. 手指的独立性训练： 采用非常规的指法组合练习，旨在分离各手指的运动轨迹，特别是对弱指（无名指与小指）的强化训练，确保它们在快速运动中能与食指、中指保持同步的爆发力。 2. 揉弦的质感与速度： 深入探讨了不同速度、不同幅度揉弦对音乐情感表达的影响。包含了慢速、大幅度、具有歌唱性的揉弦练习，以及快速、细微、聚焦于节奏清晰度的揉弦练习。 第三部分：音乐诠释与风格化处理 技术是为音乐服务的。本书的最后部分，引导演奏者将磨练出的技术应用于具体的音乐语境中，理解不同时期、不同作曲家的风格要求。 一、力度记号的“言外之意” 我们不满足于简单地执行“强”或“弱”，而是探讨力度记号背后的情感意图。例如，如何将 crescendo 处理成一种充满内在张力的积蓄，而非简单的音量增加。 二、装饰音与乐句的呼吸感 本书分析了巴洛克时期和古典主义时期装饰音（如颤音、回音、经过音）的演奏规范与自由度。重点在于如何让这些技术性元素完美融入乐句的“呼吸”之中，使其成为旋律的有机组成部分，而非孤立的技术展示。 总结：通往卓越的必经之路 本书的价值在于其对小提琴演奏极限的不断探索与挑战。它不提供即时的轻松解答，而是要求学习者投入专注与毅力，去攻克那些看似难以逾越的技术高墙。掌握本书中的内容，意味着您已经准备好用更成熟、更具说服力的声音，去诠释那些真正需要技艺与心智双重考验的伟大作品。这是一本献给那些立志于在音乐舞台上追求卓越的演奏者的工具书。

评分☆☆☆☆☆

从使用的耐久度和便携性来看，这本书的表现也令人满意。虽然我提到过它内页纸质优良，但它并没有因此变得过于笨重。相较于我以前购买的一些进口教材，它的重量控制得非常好，即便是每天携带去琴行上课，也不会成为负担。而且，这本书的油墨印刷质量非常稳定，即便是练习时我经常会用铅笔在谱上做各种标记和擦除，内页的文字和谱线都没有出现模糊或洇墨的现象，这对于需要反复修改练习符号的我来说，是一个非常实用的优点。此外，它的价格相对于其提供的专业深度和制作质量而言，性价比真的很高，市场上同类产品常常价格虚高，而这本教材在保证高质量内容的同时，做到了让人感觉物超所值，真正体现了普惠教育的理念，让更多有志于学习小提琴的人能够接触到优质的学习资源。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书中穿插的“历史背景与演奏风格”的注释部分。这些小小的侧边栏文字，极大地丰富了学习的维度。比如，在讲解某位作曲家的练习曲时，会简要介绍当时巴洛克时期或浪漫主义时期小提琴演奏的流派差异，以及不同历史时期对揉弦速度和音准宽容度的要求。这让我在练习时，不至于将所有曲目都用一种现代、统一的音色去处理，而是能根据作品的时代背景，适当地调整自己的演奏方式，力求还原作曲家最初的意图。这对于准备参加音乐会或者比赛的演奏者来说，是极其宝贵的参考资料。它告诉我，拉小提琴不仅仅是拉琴，更是对音乐史的一种对话与理解。这种理论与实践紧密结合的编排，让学习过程变得立体而丰满，不再是枯燥的指法堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了一种磨砂质感的纸张，手感细腻，色彩搭配上选择了沉稳的墨绿色与典雅的米白色，正中央烫金的标题在灯光下熠熠生辉，显得既专业又不失艺术气息。内页的纸张质量也出乎意料地好，雪白且不易反光，即便是长时间在强光下阅读或练习，眼睛也不会感到明显的疲劳。更值得称赞的是它的装订方式，采用了平摊式锁线胶装，这意味着无论你把书翻到哪个角度，它都能牢牢地平铺在琴桌上，完全不用担心书页会不听话地合拢，这对演奏者来说简直是福音，极大地提升了练习时的便利性和专注度。而且，书本的尺寸把握得非常恰当，既方便携带，又能保证谱面有足够的空间，即使是复杂的指法标记和指位图示也能清晰呈现，排版布局也十分合理，页边距留得适中，让眼睛在乐谱和指板之间转换时过渡自然。总而言之，从拿到这本书的第一秒起，就能感受到出版方对细节的极致追求，这不仅仅是一本教材，更像是一件精心制作的工艺品。

评分☆☆☆☆☆

初学者拿到这本教材时，最大的感受就是它那条理清晰、循序渐进的课程编排。一开始的几章内容并非直接跳入高难度技巧，而是非常耐心地从持弓的正确姿势、音准的基本概念入手，每一个基本功的讲解都配有极其详尽的图解和文字说明，即便是零基础的爱好者也能完全领会要点。比如，在介绍揉弦技巧的部分，作者并没有用晦涩的音乐学术语堆砌，而是用了一个非常生动的比喻，将手腕的动作比作水波的扩散，一下子就让人抓住了动作的核心。练习曲的选择也很有侧重性，每一组练习都针对一个特定的技术难点，比如快速换把、双音奏法、甚至是一些比较冷门的连弓变奏，都给出了专门的练习段落。这种“点对点”的解决方式，让练习不再是盲目的重复，而是带着明确的目标去攻克难关。很多我过去感觉很吃力的段落，在尝试了教材中推荐的练习方法后，竟然找到了事半功倍的感觉，这无疑大大增强了我继续钻研下去的信心。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样已经有几年琴龄的“中级”学习者来说，这本书的价值更多体现在它对音乐表现力的深度挖掘上。它不仅仅是机械地训练手指的技巧，更强调了“如何用小提琴歌唱”的理念。在一些古典练习曲的改编版本中，作者加入了许多非常细微的力度标记和弓速变化的提示，这些提示往往是传统版本中会省略的细节，但正是这些细节，决定了一段旋律听起来是平庸还是动人。举个例子，书中对于一个降D大调的帕萨基耶乐章，给出了好几种不同的弓法组合，并解释了每种组合在音色上会带来怎样的氛围变化，比如“使用更靠近琴马的弓位，以凸显戏剧性的张力”之类的具体指导。这迫使我必须跳出“把音拉准”的初级阶段，开始思考音乐的内在情感和逻辑。它就像一位经验丰富的大师在我身边耳提面命，不断提醒我，技巧是为了更好地服务于音乐表达，而不是技巧本身。