正版歌曲写作十日通内附教材（DVD）纪冬泳讲解视频教程曲集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810965361

商品编码：29867490440

丛书名： 冀东民歌合唱作品精编

开本：16开

出版时间：2013-05-01

 

音乐创作的深度探索：激发你内在的旋律引擎 —— 适合所有渴望掌握歌曲创作精髓的音乐人、作者及爱好者 本书并非《正版歌曲写作十日通内附教材（DVD）纪冬泳讲解视频教程曲集》。 本教程致力于提供一套全面、系统且极具实操性的歌曲创作方法论，它超越了单一风格或特定工具的限制，旨在帮助创作者建立起坚不可摧的创作体系与思维框架。无论你追求的是流行音乐的抓耳旋律、民谣的叙事深度，还是电子乐的结构创新，本书都将为你提供必要的理论基石与无限的灵感激发之钥。 第一部分：理解音乐语言的本质——旋律、和声与节奏的深度对话 歌曲的骨架在于其音乐元素之间的有机联系。本部分将带领读者剥离流行音乐中那些看似神秘的“爆款”公式，深入理解其背后的音乐逻辑。 第一章：旋律的解剖学——如何构造令人难忘的“钩子”？ 动机的提炼与发展： 学习如何从一个简单的音符序列中提炼出具有辨识度的核心动机（Motif），并通过模变、移位、节奏重构等手法，将这一动机发展成为完整的乐句乃至段落。 音程与调式的选择艺术： 探索不同音程组合（如大三度、增四度）在情绪表达上的细微差别。深入研究大小调、五声音阶、布鲁斯音阶以及调式之间灵活切换的技巧，以匹配歌词的情感张力。 节奏的呼吸感： 不仅仅是节拍，更是“律动”。分析切分音、附点音符在制造音乐张力与释放方面的作用，以及如何通过节奏的复杂性来体现歌曲的能量等级。 第二章：和声的色彩学——搭建情感的基石 功能和声的进阶应用： 从基础的三和弦、七和弦出发，进阶至九和弦、十一和弦等复杂和声的运用。重点剖析属七和弦的导向性、副属和弦（Secondary Dominants）对色彩的瞬时渲染能力。 替代和弦与色彩转换： 学习如何利用三级替代（如使用降三级和弦代替主和弦），制造出既熟悉又耳目一新的听感。探讨如何通过和声“借用”（Modal Interchange）来瞬间引入异域色彩。 和声进行的情感心理学： 不同的和弦走向是如何在听众心中建立期待、制造悬念或提供慰藉的？我们将通过大量经典案例解析，建立“和声-情绪”的直接映射图谱。 第二部分：叙事的力量——歌词的文学性与音乐性融合 优秀的歌曲是文学与音乐的完美联姻。本部分专注于如何将生活体验转化为具有普适性情感共鸣的歌词。 第三章：故事的构建与视角的选择 “Show, Don't Tell” 原则的歌词实践： 避免空泛的陈述，转而使用具体的意象、感官细节（视觉、听觉、嗅觉）来描绘场景，让听众“看”到故事。 叙事节奏与信息密度： 学习在有限的篇幅内，如何有效地分配背景介绍、冲突爆发点和情感高潮所需的信息量。 第一人称、第二人称与旁观者视角切换的艺术： 探讨不同人称对歌曲亲密感和叙事范围的影响，以及如何通过视角的灵活转换增强歌曲的戏剧性。 第四章：韵律、音韵与语感的打磨 超越押韵的限制： 深入探讨半押韵、头韵（Alliteration）和辅音韵（Consonance）在增强歌词音乐性中的关键作用，避免生硬的“为押韵而写”。 母音与辅音的发音效率： 分析不同元音和辅音组合在歌曲旋律线上对演唱清晰度和情感强度的影响。探讨如何在保持语意的同时，为旋律线的起伏预留“呼吸空间”。 歌词的“可唱性”测试： 学习如何大声朗读自己的歌词，检查是否存在拗口、断句不自然或音节重音与音乐重音冲突的情况。 第三部分：歌曲结构的精妙设计——从AABA到打破陈规 歌曲的结构决定了听众的聆听体验的起伏。本部分将带领读者掌握经典结构的同时，学会如何根据内容需求灵活重塑框架。 第五章：流行歌曲的经典蓝图与变奏 Verse-Chorus-Bridge 的功能性解析： 深入理解主歌（铺陈信息）、副歌（提炼主题）、桥段（提供新视角或情感释放）各自在结构中的不可替代的作用。 Pre-Chorus（导歌）的效能最大化： 如何设计一个精确的导歌，使其成为从主歌的平稳叙事到副歌爆发力的完美“弹射器”。 不落俗套的段落衔接： 探讨如何使用衔接句（Fills）、过渡段（Turnarounds）以及动态变化（Dynamics）来平滑或突兀地连接不同段落，以增加听觉的新鲜感。 第六章：动态构建与情绪递进 从弱到强的构建： 学习如何在整首歌曲中，通过乐器编配（如引入新的乐器、增加复调织体）和力度变化，实现平稳、渐进式的情感攀升。 高潮点的精确控制： 确定歌曲的“最高点”——无论是旋律音高最高、和声最丰富还是歌词情感最强烈的时刻——并确保其在歌曲中出现的位置与听众的生理和心理预期相符。 第四部分：创作流程的标准化与工具箱 本部分聚焦于将创作转化为可重复执行的专业流程，并提供实用的思维工具，打破创作瓶颈。 第七章：灵感的捕获与孵化系统 “碎片化”创作的整合术： 如何系统地记录下突如其来的旋律片段、歌词金句或和弦走向，并建立一个可检索的个人素材库。 约束性创作的突破法： 学习设定人为限制（如“只用三个音符写一首歌”、“必须在C小调上表达‘狂喜’”），反而能激发创造力。 跨媒介联想训练： 尝试从绘画、电影剪辑、建筑设计等非音乐领域中提取节奏、结构和对比感，并将其转化为音乐语言。 第八章：打磨与自我批评的艺术 “冷却期”法则： 理解创作完成后立即评估的弊端，学会让作品“静置”一段时间，再以听众的视角进行客观审视。 拆解与重组的迭代思维： 识别歌曲中“薄弱环节”的方法——可能是旋律平淡、歌词冗余或结构松散——并系统地进行局部优化而非全盘推翻。 反馈的获取与过滤： 如何向信任的合作者或听众索取有效反馈，并区分建设性意见与个人偏好，最终做出最有利于作品的决策。 本书提供的是一套普适性、跨流派的创作底层逻辑和方法论，它强调的是创作思维的训练和音乐内建的文学性，帮助你建立起一套属于自己的、能够持续产出高质量作品的创作体系。

评分☆☆☆☆☆

从包装和整体感觉上来看，这本书给人一种非常严谨、正规的感觉，这很重要，尤其是在“正版”这个强调下。我猜想这本书在版权使用和案例选择上一定非常规范，这对于想把音乐当成事业来做的人来说是基础中的基础。我期望它在法律常识和知识产权保护方面也有所涉及，教我们如何健康地进行借鉴和二次创作，而不是落入抄袭的陷阱。创作的“道”与“术”都不能偏废，技巧是“术”，而创作的伦理和规范是“道”。如果这本书能把这两方面都顾及到，那么它绝对是一本值得收藏的工具书。它不仅仅是教会你“怎么写”，更是在教你“如何做一个合格的音乐人”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当吸引人，那种经典的教材风格一下子就能抓住眼球，让人感觉内容应该很扎实。我尤其欣赏它“十日通”这个概念，对于我们这种想快速入门或者短期内提升技能的学习者来说，简直是福音。虽然我还没来得及深入研究，但光看目录和排版，就能感受到编者在内容组织上的用心。比如，它似乎将复杂的乐理知识拆解成了非常易于消化的每日任务，这对于自学者来说太重要了。很多人学音乐理论都是半途而废，往往是因为一开始就被厚厚的公式和晦涩的术语吓退了。如果这本书真的能做到循序渐进，让我在十天内看到明显的进步，那它的价值就无可估量了。我期待着它能揭示那些专业人士不轻易外传的“独门秘籍”，毕竟“正版歌曲写作”这个主题本身就暗示了对版权意识和专业规范的强调，这在当下原创音乐环境里尤其珍贵。希望它不仅仅是教技巧，更能培养一种健康的创作心态。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“速成”类的学习资料一直抱持着审慎的态度，毕竟艺术创作哪有那么容易速成？但这个“内附教材（DVD）纪冬泳讲解视频教程”的配置，让我眼前一亮。现在的学习趋势早就不是纯粹的纸质阅读了，影像资料的直观性是文字无法替代的。尤其是歌曲写作这种涉及听觉和感觉的领域，光看谱子和文字描述，不如直接听老师讲解和示范和弦进行、旋律走向来得实在。我特别关注视频的质量，希望纪冬泳老师的讲解能深入浅出，而不是那种照本宣科的枯燥念稿。如果视频中能包含大量的实例分析，比如对几首经典歌曲的拆解，告诉我“为什么这个转调会让人感到惊喜”，那就太棒了。如果这个视频教程的质量能达到专业音乐学院公开课的水平，那么这本书的价值就远超其定价了。

评分☆☆☆☆☆

我更倾向于从“曲集”这个角度来审视这本书的潜力。对于一个正在积累素材和寻找灵感的写作者来说，一本高质量的曲集比一堆空洞的理论更有用。我希望这本书收录的曲目不仅仅是范例，而是带有详细“解剖图”的优秀作品。比如，每一首曲子后面，是否都有详细的标注说明它的A段、B段、桥段是如何构建的？主歌和副歌之间的情绪递进是如何设计的？如果这本书能提供这种“工程图纸”式的解析，那么它就成了我创作时的参考手册，而不是一本读完就束之高阁的教材。我非常好奇它会收录哪些风格的作品，是偏向流行抒情，还是涵盖了更现代的电子或摇滚元素？风格的广度决定了它对我未来创作道路的启发性。

评分☆☆☆☆☆

作为一个有着一定基础的音乐爱好者，我更看重的是书中是否能提供一些超越基础和弦的进阶技巧。比如，在旋律的构建上，是否会深入探讨动机的展开与变化？在和声的使用上，是否会涉及到一些现代爵士和声或者不协和音的合理运用？如果“十日通”的目的是让零基础的人入门，那么这本书的深度可能需要在我这个阶段也能找到突破口。我希望它能提供一些“反直觉”的写作建议，那些能打破我固有思维定势的观点。如果内容停留在“C大调、G7、Am”这种基础乐理的复述上，那它对我的价值就会大打折扣。我期待它能提供一些让我的作品听起来瞬间“高级”起来的秘密武器。