世界民族音乐课程研究音乐理论教材 乐理教程 民族乐理书籍王州著 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807517887

商品编码：29867494079

丛书名： 世界民族音乐课程研究高等音乐教育新视野丛书

开本：16开

出版时间：2011-07-01

目录

序
目录
第I章 绪论
1.1 《世界民族音乐》课程的由来
1.2 课程论的研究状况
1.3 本课题研究的宗旨和研究方法

第二章 课程论的概念及其研究的理论流派
2.1 课程
2.2 课程论及其研究的理论流派
2.3 我的课程论观点

第三章 《世界民族音乐》课程的哲学基础
3.1 世界文化的多样性与和平、发展、合作、感情交流
3.2 音乐的视野和理解、尊重音乐文化多样性

第四章 《世界民族音乐》课程的目标
4.1 课程目标的“三维论
4.2 课程目标

第五章 《世界民族音乐》课程的内容
5.1 课程内容及其构成、选择和组织
5.2 课程内容选择的原则和领域

第六章 《世界民族音乐》课程的实施
6.1 课程实施中的教师、学生与师生关系
6.2 教授策略和学习活动方式
6.3 教材及其编制

第七章 《世界民族音乐》课程的评价
7.1 课程评价的定义、层面和原则
7.2 教学评价
7.3 学习评价
7.4 管理评价

第八章 《世界民族音乐》课程资源的开发与利用
8.1 课程资源及其分类
8.2 开发与利用
参考文献

内容推荐

《〈世界民族音乐〉课程研究》讲述了：课程作为一新兴课程，体现了“尊重文化多样性、拓展音乐的世界视野、提倡音乐文化认同”的理念，这已经被越来越多的国家和地区的音乐教育工作所重视，而且有着良好的发展前景。
本文首先阐述了本课程的由来、本课题研究的宗旨和研究方法，以及对课程论各流派及其哲学观点、学术贡献进行梳理，并提出了笔者的课程观。
其次，从世界文化的多样性与和平、发展、合作、感情交流、音乐的视野和理解、尊重音乐文化多样性等方面，论述课程的哲学基础。
再次，提出课程目标的“三维论～情感态度与价值观、过程与方法、知识与技能，同时对课程内容、课程实施、课程评价等诸多方面进行论述，并设计了各种评价的方式与工具。
从人力资源、内容资源、设备资源、网络信息资源、时间与空间资源等方面，论述课程资源的开发与利用，并就内容的开发与利用提出了五个原则：优先性原则、适应性原则、层次性原则、实践性原则、参与性原则等。

 

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好的，这是一份关于一本假定图书的详细简介，该书并非您提供的《世界民族音乐课程研究音乐理论教材 乐理教程 民族乐理书籍王州著》。 --- 图书名称： 《巴洛克至浪漫主义：西方音乐风格演变与审美特征深度解析》 作者： 艾德里安·哈珀 出版社： 恒久之声出版公司 出版年份： 2023年 --- 图书简介： 《巴洛克至浪漫主义：西方音乐风格演变与审美特征深度解析》是一部系统梳理西方古典音乐史上最为辉煌的三个时期——巴洛克、古典主义和浪漫主义——的音乐语言、结构逻辑及美学思想的专业著作。本书不仅着眼于对既有音乐史事实的梳理，更深入探究了驱动这些风格变迁背后的社会文化语境、哲学思潮以及作曲家个体创造力的复杂互动。 本书共分三大部分，约四十万字，配有数百个乐谱分析实例和大量时代背景插图。作者艾德里安·哈珀，作为一位深耕欧洲音乐美学史多年的学者，以其严谨的学术态度和清晰流畅的叙述风格，为音乐专业学生、研究人员以及资深音乐爱好者提供了一部不可或缺的参考工具书。 第一部分：巴洛克精神的构建 (1600–1750) 本部分聚焦于音乐如何从文艺复兴晚期的复调织体中脱颖而出，确立以“固定调性”为核心的音乐系统。章节首先深入探讨了“巴洛克”（Baroque）一词的本义及其与时代精神的契合——宏大、动感与情感的戏剧性表达。 核心议题包括： 1. 数字低音的革命： 详细解析了通奏低音（Basso Continuo）的运作机制，阐明了它如何成为即兴创作与结构确立的基石，并分析了它对早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）产生的决定性影响。 2. 风格对位法与情感理论： 区别于后世的“纯粹对位”，本书探讨了巴洛克时期如何运用对位手法（如赋格）来表达特定的“情感客体”（Doctrine of Affections），例如使用特定节奏型或音程来象征悲伤、狂喜或沉思。 3. 体裁的奠基： 对协奏曲（Concerto Grosso与独奏协奏曲）、组曲（Suite）以及清唱剧（Oratorio）的结构范式进行了细致入微的图表式解析。特别关注了巴赫后期对位艺术的集大成之作，分析其严谨的数学美学基础。 4. 早期乐队的形成： 探讨了早期键盘乐器（羽管键琴与管风琴）的音色特性如何塑造了巴洛克音乐的听觉质感，以及早期管弦乐队编制的雏形。 第二部分：古典主义的秩序与清晰 (1750–1820) 第二部分阐述了音乐美学从巴洛克时期的复杂装饰转向启蒙运动所推崇的“自然、平衡与清晰”的过程。本书认为，古典主义并非简单的风格倒退，而是对巴洛克结构进行理性重塑的成果。 核心议题包括： 1. 主调音乐的胜利： 详细分析了主调音乐（Homophony）如何取代复调成为主流，以及清晰的乐句结构（Periodicity）和二元对立结构如何服务于听觉的易理解性。 2. 奏鸣曲式的逻辑： 奏鸣曲式被视为古典主义的“哲学宣言”。本书构建了一个多维度的奏鸣曲式分析模型，超越了传统的呈示部-再现部框架，重点讨论了呈示部内部的“主题冲突的建立”以及展开部中“调性游离的心理张力”。 3. 海顿与莫扎特的贡献： 通过对比分析海顿的“形式幽默”和莫扎特“歌唱性旋律”的构建方式，揭示了维也纳古典乐派如何在既有规则内实现最大的创新自由。 4. 交响曲与室内乐的成熟： 探讨了交响曲如何成为时代的“叙事载体”，并分析了弦乐四重奏在构建“对话性”与“平等性”方面的历史意义。 第三部分：浪漫主义的个体解放与无限追求 (1820–1900) 第三部分深入探讨了工业革命、民族主义兴起和个人主义高涨对音乐产生的深刻影响。浪漫主义音乐被视为对古典主义“理性边界”的突破，是对内心世界与超验经验的极度渴求。 核心议题包括： 1. 情感的泛滥与表达的无限： 讨论了“崇高感”（Sublime）与“忧郁”（Weltschmerz）等审美概念如何在音乐中得以体现。重点分析了李斯特的“交响诗”如何打破了传统器乐形式的束缚，实现音乐与文学、绘画的深度融合。 2. 和声的扩张与模糊： 详述了从调性向非调性的边缘过渡。通过对肖邦的延伸和弦使用、瓦格纳的“三 অভিযানে和弦”在《特里斯坦与伊索尔德》中的应用，展示了和声如何从服务于结构转变为表达瞬时情感的工具。 3. 音乐的“叙事化”倾向： 细致考察了标题音乐（Program Music）的兴起，特别是贝多芬后期作品中蕴含的个人哲学，以及舒曼和柏辽兹在音乐叙事中对文学人物的投射。 4. 民族主义的觉醒： 专门开辟章节探讨了东欧与北欧作曲家（如德沃夏克、格里格）如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，构建具有地域文化标识的音乐语言，为二十世纪的音乐多元化埋下了伏笔。 总结与展望 本书的结论部分，聚焦于十九世纪末期，音乐家们开始面对瓦格纳“绝对音乐”与“音乐戏剧”之间的张力，以及对调性系统彻底瓦解的预感。作者认为，浪漫主义的巅峰，也正是西方音乐核心语法体系开始动摇的起点。 本书的学术价值在于，它不仅仅是一部风格概述，更是一部方法论的指南。它教授读者如何运用历史语境、结构分析和美学批判的“三位一体”方法，去理解音乐是如何从一种技术规范，演变为一种深刻的人类精神表达的。对于渴望超越“听故事”层面，进入“理解结构与意图”层次的读者而言，本书提供了极具洞察力的分析视角。 --- 目标读者： 音乐学、音乐史、作曲与指挥专业本科及研究生；高级音乐教师；严肃的古典音乐听众及发烧友。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性是毋庸置疑的，从它引用的文献资料和所涉及的音乐学案例来看，作者投入了巨大的心力进行田野调查和文献梳理。然而，它最打动我的是那种学术热情背后所蕴含的人文关怀。它没有将民族音乐视为“他者”的奇观，而是将其视为人类文化遗产中平等且丰富的一部分来对待。在探讨不同社会结构如何影响其音乐表达时，书中流露出的对文化多样性的尊重，让我深受启发。这不仅仅是一本教授“如何分析”的乐理书，更是一本教导我们“如何倾听”和“如何理解”不同文化脉搏的指南，这种深度和广度是当前音乐教育中非常稀缺的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

我尝试用这本书去指导了一些实际的音乐实践和教学工作，效果出乎意料地好。传统上，在教授入门级的乐理知识时，常常会陷入枯燥的重复和概念的死记硬背。但这本书提供的许多民族乐理概念，如某些特有的五声音阶变体或者非等分音律的解释，因为其本身就带有强烈的地域色彩和故事性，反而极大地激发了学生的学习兴趣。他们不再觉得乐理是冰冷的规则，而是充满了生命力的文化密码。这本书成功地架起了一座坚实的桥梁，连接了纯粹的理论分析与生动的文化体验，使得教学过程变得既有深度又有温度，真正达到了“知其然，更知其所以然”的境界，对于任何希望提升自身音乐素养的爱好者或专业人士来说，都是一本不可多得的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时正在寻找一些更深入、更系统化的民族音乐理论学习资料。市面上很多教材要么过于偏重某一个特定区域的音乐，要么理论深度不够，很难形成一个完整的知识体系。这本书的出现，仿佛提供了一把钥匙，一下子打开了我对世界民族音乐理论的全新认知。它不仅仅罗列了各个民族的音乐特征，更重要的是，它构建了一套贯穿不同文化背景的、可以相互参照和比较的分析框架。我尤其欣赏它在基础乐理与民族特色理论之间的连接处理，那种过渡是如此自然和富有逻辑性，让人能清晰地感受到不同音乐体系之间的共通之处与独特之处，这对于建立一个全面且辩证的音乐观至关重要。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些长期沉浸在西方古典音乐理论体系中的学习者来说，进入民族音乐的世界常常会感到一种“失重感”，因为很多我们习以为常的调式、和声概念在这里似乎都失效了。这本书最让我感到惊喜的地方，在于它并没有强行将民族音乐“翻译”成西方的语言，而是非常尊重和细致地阐述了它们自身的逻辑和美学原理。作者在解释那些复杂的节奏型和音高系统时，使用了大量生动形象的比喻和图示，将原本抽象难懂的理论变得触手可及。阅读过程中，我感觉自己仿佛跟随一位经验丰富的向导，小心翼翼地走入了那些古老而又充满生命力的音乐花园，每一步都能有所收获，这种沉浸式的学习体验是其他教材难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计很有意思，封面给人的感觉既古典又现代，色彩搭配得非常和谐，一看就知道是精心策划过的作品。我特别喜欢封面上那种抽象的、仿佛融入了民族纹样的设计元素，让人在翻开之前就对书的内容充满了好奇与期待。内页的纸张质感也很好，触感温润，排版布局清晰明了，字体大小适中，阅读起来非常舒适，即便是长时间研读也不会感到眼睛疲劳。从这些细节上就能看出作者和出版方在制作这本书时所倾注的心血，他们显然不只是想出版一本教材，而是想打造一本值得收藏、可以常伴左右的艺术品。这本书的整体设计风格非常成功地平衡了学术的严谨性和艺术的审美性，让人在学习知识的同时，也能享受到视觉上的愉悦。