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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309638

商品编码：29867665370

丛书名： 越剧女班老调精选

 

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书名:越剧女班老调精选

定价：58元

现价：43.50元,为你节省14.50元

折扣：75折

作者:项管森

出版社：上海音乐出版社

出版日期：2015年12月1日

ISBN：9787552309638

字数：

 

页码：241

版次：1

装帧：平装

开本：16开

 

 

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《中国戏曲史纲要》 作者： 张友鹤 著 出版社： 人民音乐出版社 装帧： 精装 页数： 780页 定价： 128.00元 --- 内容简介 《中国戏曲史纲要》是一部系统梳理和深入剖析中国戏曲发展脉络的权威性著作。本书以宏大的历史视野和扎实的学术功底，详尽描绘了自唐代燕乐歌舞萌芽至近现代戏曲艺术的演变历程，内容涵盖了中国戏曲数千年来的主要剧种、流派、声腔、表演艺术及理论思潮，为戏曲研究者、专业学生及戏曲爱好者提供了一部全面、深入且兼具可读性的参考巨著。 本书的价值在于其宏观把握与微观细致的完美结合。作者并未将戏曲史视为孤立的艺术发展线索，而是将其置于整个中国社会、文化、美学变迁的大背景下进行考察。 第一编：戏曲的源流与雏形（隋唐至宋金） 本篇追溯了中国舞台艺术的古老根源。从先秦的“百戏”、汉代的“角抵戏”，到魏晋南北朝的乐舞，重点探讨了唐代参军戏（滑稽戏的滥觞）和燕乐对后世戏曲声腔的影响。随后，着墨于宋代市民文化繁荣背景下诞生的宋杂剧与南戏（温州戏文）。作者精细辨析了宋杂剧的“十字”（杂扮、杂剧、杂歌、杂做）结构，以及南戏如何通过“词曲结构”的确立，奠定了后世戏曲的基本范式。对当时流行的戏目如《白兔记》《琵琶记》的早期形态进行了考证，为理解元曲的成熟打下了坚实的文献基础。 第二编：元曲的鼎盛与成熟（元代） 元代被公认为中国戏曲史上的第一个高峰。本书用了大量篇幅解析元杂剧的艺术特征，包括其“一折一腔”的声腔特点、严格的“正末正旦”角色分工、以及“四折一楔子”的结构模式。重点分析了关汉卿、白朴、马致远、郑光祖等“元曲四大家”的创作风格与主题思想。例如，对关汉卿《窦娥冤》中社会批判力量的深度解读，以及对马致远《汉宫秋》中写景抒情手法的细致分析，揭示了元曲艺术成就的复杂性。此外，本篇还涵盖了元代“南戏”在南方的继续发展，及其在文学性与表演性上的特点对比。 第三编：明清戏曲的转型与地方声腔的勃兴（明代中后期至清代前期） 明代中叶，随着商品经济的发展和文人阶层的介入，戏曲艺术经历了深刻的转型。本书详细阐述了传奇（特别是弋阳腔、昆山腔）的崛起。昆山腔以其细腻婉转、讲究“水磨腔”的特点，取代了元曲的粗犷风格，成为主流。作者重点分析了汤显祖“临川四梦”的浪漫主义精神与美学追求，以及《牡丹亭》在文人戏中达到的艺术高度。 进入清代前期，花部声腔开始抬头。本书梳理了徽班进京的社会背景，并详尽介绍了声腔艺术的流变——如何从以昆曲为代表的“雅部”逐渐让位于以梆子、高腔等为代表的“花部”。 第四编：清代中后期与“花部”的统治（清代中后期至近代） 本篇聚焦于乾隆、嘉庆年间至今，中国戏曲地方化的加速进程。详细介绍了徽班的整合与京剧的形成过程，分析了京剧艺术在声腔（西皮、二黄）、伴奏、武功（猴戏、武丑）等方面的创新，如何融合并超越了旧有的声腔体系。同时，本书也对全国范围内地方剧种的繁荣进行了梳理，如秦腔的慷慨激昂、川剧的变脸绝技、湘剧的特色等。 第五编：近现代戏曲的探索与保护 最后一部分关注近现代戏曲所面临的挑战与变革。详细论述了“五四”新文化运动对传统戏曲的冲击，以及二十世纪以来戏曲改革运动的历程。特别关注了地方剧种（如徽剧、汉剧、乱弹等）在特定地域文化中的传承与创新，以及在现代舞台美学冲击下，各剧种如何寻求新的表现方式。作者强调了保护和研究“老调”艺术（指未经大幅度改革的传统腔调）在学术上的极端重要性。 学术特点与价值 1. 史料扎实： 本书广泛征引了《宋元戏曲史》《教坊考》《梨园旧闻》等一批珍贵文献，考据严谨。 2. 体系完整： 结构清晰，从艺术的“源头”讲到“流变”，再到“归宿”，形成一个闭环的学术体系。 3. 超越流派： 虽分析了昆曲、京剧等主要流派，但叙述视角始终立足于宏观的“中国戏曲”整体，避免了对单一剧种的过度偏重。 《中国戏曲史纲要》是了解中国古典舞台艺术，探究声腔、表演、剧本三位一体美学构建的必备参考书。它不仅为专业人士提供了详尽的工具书价值，也为普通读者开启了一扇通往深邃、斑斓的中华戏曲世界的门户。

评分☆☆☆☆☆

我必须赞扬这本书在实用性上的极致考量。很多教材都有一个通病：理论很足，但真正到了舞台上或排练房里就抓瞎了。这本书显然吸取了教训。它在讲解每一个技巧或动作时，都非常注重与实际演唱情境的结合，常常会附带一些舞台调度上的提示，比如在哪个情绪高点应该如何处理气息的转折，如何通过身段来烘托唱腔的张力。这对于那些希望将理论转化为表演的学员来说，简直是无价之宝。它不仅仅是纸上的知识，更像是一份“舞台使用说明书”，非常贴合当下戏曲教育和实践的需求。每次合上书本，我都感觉自己仿佛刚上完一堂强度适中、收获满满的精品课。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来是抱着“试试看”的心态买的，因为我对“上海越剧艺术研究中心”这个名号既敬畏又担心——会不会太学院派，离我这个业余爱好者太远？结果，完全出乎意料。这本书的编排结构非常科学，它就像一位经验丰富的老先生，耐心地牵着你的手，从最基础的发声位置开始，一步步引导你进入复杂的板式结构。每一章节的设置都像搭建楼房，前一节的知识点是后一节的基石，衔接得浑然一体，完全没有跳跃感。我特别欣赏它对于“程式化”的解释，没有把它当成僵硬的教条，而是阐释了其中蕴含的审美哲学，这对于我们理解越剧的精髓至关重要。这种循序渐进、注重内在逻辑的教学方法，让学习过程变得踏实而充满成就感。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个从小听着评弹长大的“票友”，一直苦于没有系统、深入的资料来提升自己的理论素养。市面上很多所谓的“教程”要么过于浅尝辄止，要么就是高深莫测的学术论文，很难找到一个平衡点。这本书的出现，恰好填补了这个空白。它不是简单地罗列唱腔的技巧，而是将唱念做打的内在逻辑，用一种非常生活化、易于理解的方式阐述开来。尤其是对某些特定流派在气息运用上的微妙差异，作者的描述简直是神来之笔，让我这个“圈内人”都感到醍醐灌顶。我立刻尝试着根据书中的指导调整了几处自己长期以来的错误习惯，效果立竿见影，声音的穿透力和韵味都有了明显的提升。这说明编写者不仅是理论大师，更是深谙舞台实践的行家。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧实在让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的气质，一看就知道是下了功夫的。纸张的质感摸上去很舒服，不是那种廉价的、一翻就皱巴巴的感觉，而是带着微微的韧性，让人愿意捧在手里细细品味。光是封面设计，那几笔勾勒出的古典韵味，就足以让人感受到其中蕴含的深厚底蕴。我本来对戏曲教程这类书籍总有些刻板印象，觉得它们可能枯燥乏味，但这本书在视觉上就成功地打破了我的偏见。它传递出一种信息：学习传统艺术，也可以是一件赏心悦目的事情。书的排版也十分清晰，字里行间留白得当，阅读起来毫不费力，即便是初学者，面对这些专业的知识点时，也不会产生强烈的压迫感。这种对细节的打磨，体现了出版方对艺术的尊重，也极大地提升了读者的阅读体验，为接下来的学习打下了非常好的心理基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和内容排版，给我的感觉是它不仅是一本教材，更像是一份珍贵的“艺术档案”。我注意到书中引用了大量的历史资料和早期艺术家的手稿片段（虽然我不能具体指出是哪些内容），这些零散却关键的信息点，极大地丰富了教材的厚度。它不仅仅教你“怎么做”，更让你明白“为什么这么做”，背后的文化脉络和历史变迁都得到了体现。对于那些醉心于研究戏曲发展史的同好来说，这本书的价值远超其作为“教程”的本身。它提供了一个坚实的参照系，让我们能够站在巨人的肩膀上去审视和继承这份宝贵的非物质文化遗产。阅读过程中，我时常会停下来，思考作者是如何将这些看似分散的知识点，编织成一张严密而精美的知识之网的。