正版古典芭蕾舞教材 古典芭蕾训练伴奏谱集（高年级女班一） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552302318

商品编码：29867724515

丛书名： 古典芭蕾训练伴奏谱集

开本：16开

出版时间：2013-08-01

 

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目录

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前言

 

一、扶把训练

二、中间训练

 

内容提要

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《古典芭蕾训练伴奏谱集：高年级女班一》主要是为芭蕾舞基本功课堂训练而编写的钢琴伴奏教材，适用于高校舞蹈专业和大中专艺术院校的舞蹈专业教学使用的实用性教材。

 

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《现代舞技术与编舞实践》 内容简介 本书是一本全面深入探讨现代舞技术与编舞实践的专业教材，旨在为舞蹈教育者、专业舞者以及对现代舞充满热情的学习者提供系统而前沿的指导。全书结构严谨，内容丰富，不仅梳理了现代舞自诞生以来的发展脉络与核心理念，更聚焦于当下最具影响力的技术流派，并提供了详实可操作的编舞方法论。 第一部分：现代舞的溯源与思想基石 本部分将引领读者回溯现代舞的起源。我们将详细剖析伊莎多拉·邓肯（Isadora Duncan）对古典芭蕾束缚的反叛，玛莎·葛兰姆（Martha Graham）的收缩与释放（Contraction and Release）哲学，多丽丝·韩芙瑞（Doris Humphrey）的跌坠与恢复（Fall and Recovery）理论，以及荷西·李蒙（José Limón）对重力的深刻理解。 技术哲学辨析： 深入探讨不同先驱者如何在身体与情感之间建立连接，以及他们如何通过舞蹈语言来表达对时代和人性的思考。 从欧洲到美国的演变： 梳理现代舞在不同文化背景下的适应与发展，特别是二战后现代舞如何在美国舞蹈界占据主导地位。 当代视角的重构： 讨论这些经典技术在现代语境下面临的挑战与被借鉴的方式，强调技术学习的意义在于理解其背后的创作意图。 第二部分：核心技术流派的精炼解析与练习指南 本章是本书的技术核心，提供了当前舞台上最常用且具有代表性的现代舞技术流派的详细分解和练习范例。每种技术都配有清晰的图解和动作分解步骤，确保学习者能够准确掌握其精髓。 一、 葛兰姆技术（Graham Technique）： 核心练习： 详细指导呼吸在收缩与释放中的作用，强调骨盆作为能量中心的地位。包括地板练习（Floor Work）和站立组合，重点关注躯干的爆发力和控制力。 空间运用： 如何利用地面的反作用力，以及在短促爆发后的动态平衡。 二、 韩芙瑞/李蒙技术（Humphrey/Limon Technique）： 动态的平衡与不平衡： 重点练习“跌坠与恢复”的弧线，理解身体在重力场中的持续对话。 重量的流动性： 强调重量在不同身体部位间的转移，以及如何通过流畅的过渡来创造叙事感。 三、 接触即兴与释放技巧（Contact Improvisation & Release Technique）： 接触即兴基础： 介绍分享重量、滚转、平衡点和感知听觉（Listening）的重要性。这部分将引导舞者走出孤立的技术训练，进入双人或群体的即时互动。 释放技巧的解剖学应用： 侧重于如何利用骨骼结构和关节的自然排列来减少肌肉紧张，实现高效的运动。这部分包含针对脊柱灵活度和关节活动的深度拉伸与激活练习。 四、 欧洲现代舞的呼吸与躯干探索（如Pina Bausch的影响）： 探讨如何将日常动作转化为舞蹈语汇，以及对重复性动作和情感外显的运用。 第三部分：现代舞编舞的理论与实践 本部分聚焦于将技术转化为艺术表达的桥梁——编舞。它不仅是关于如何设计动作，更是关于如何构建一个完整的、具有思想深度的舞蹈作品。 一、 动作素材的采集与转化： 非传统素材的引入： 探讨如何从文本、视觉艺术、社会现象中提取灵感，并将抽象概念转化为具体的肢体语言。 动作的层次化处理： 教授如何对基础动作进行变异、分解、加速、减速，以创造丰富的动作词汇。 二、 结构与叙事构建： 空间结构设计： 详细讲解舞台空间（高、中、低位）、队形（Formation）的组织与转换，以及如何利用空间来引导观众的视线和情绪。 时间与节奏的运用： 超越音乐节拍的限制，探讨内在节奏、动作密度（Density）和停顿（Pause）在构建张力中的关键作用。 叙事模式的选择： 分析非线性叙事、情绪流、主题式展开等多种编舞结构，并指导学习者根据作品主题选择最合适的框架。 三、 意象与情感的呈现： 隐喻的运用： 如何在纯粹的动作中植入象征意义，避免“为动作而动作”。 与舞台元素的整合： 探讨灯光、服装、道具在增强或改变动作原有含义方面的功能，以及如何让这些元素与身体动作形成有机的对话，而非简单的装饰。 第四部分：跨界融合与未来趋势 本部分关注现代舞在二十一世纪的发展方向，强调开放性、融合性与技术革新。 当代舞的生成： 阐释当代舞如何吸收了芭蕾的精准、现代舞的深度以及其他非西方舞蹈的元素，形成更加多元化的语汇。 技术辅助创作： 讨论动作捕捉技术、投影映射等数字工具如何辅助编舞过程，拓宽身体表达的边界。 即兴创作工作坊模式： 提供一套可操作的即兴创作流程，训练舞者在“此时此刻”做出富有创造力的决策。 本书内容全面、视角前瞻，是舞蹈专业人士提升技术深度、拓展编舞思维的必备参考书。它不仅教授“如何跳舞”，更引导舞者探索“为何而舞”的终极命题。

评分☆☆☆☆☆

我曾经在教学过程中遇到过一个困境：高年级学员的体能和技术已经达到一定水平，但她们对音乐的理解和反应速度却停滞不前，尤其是在面对复杂的组合和快速的变奏时，动作总显得有些“滞后”。购买这套伴奏谱集纯粹是抱着试一试的心态，结果效果出乎意料地好。首先，它的“变化性”非常强。很多传统教材的伴奏是重复的、模式化的，但这里的每一首曲子都有自己的情绪发展曲线。例如，在女单人变奏（Variations）的训练部分，音乐的起承转合非常自然，逼迫学习者必须时刻保持对音乐信号的捕捉，从而提升了她们在舞台上“即兴反应”的能力。其次，从谱面设计来看，它对节奏的细微处理非常到位，比如附点音符、切分音的处理，都比标准化的节拍器更具有人性化的引导作用。我发现，当我使用这套音乐进行教学时，学员们在进行高难度技术练习时，眼神里那种“迷茫感”减少了，取而代之的是一种与音乐同步的专注。这说明，这套教材的作者对高年级学习者在“技术向艺术转化”过程中的心理需求，有着非常深刻的洞察。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初对这本教材的定价有些疑虑，觉得它可能只是名不副实的“高价版”复刻。但深入使用后才发现，物有所值，甚至可以说是超值的。它提供的不仅仅是音符，更是一种完整的“训练哲学”。特别是在那些强调身体控制与音乐细节呼应的段落中，例如转圈（Pirouettes）组合的音乐设计，它巧妙地利用了乐句的收束来暗示停顿或重心的调整，这比任何口头指令都更为有效和直观。我注意到，使用这套音乐训练一段时间后，学员们对于“速度感”的掌握更加精确，不再是机械地数拍子，而是能够“感受”到音乐的流动。这对于高年级阶段向职业发展至关重要，因为在真正的舞台上，没有节拍器，只有与音乐的共鸣。此外，从一个旁观者的角度来看，这套谱集在音色选择上非常丰富，尽管是印刷谱，但通过对不同乐器配置的想象，你几乎可以“听见”一个小型交响乐团的演奏效果，这种对想象空间的激发，是纯粹技术训练所无法比拟的艺术滋养。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年芭蕾学习经历的爱好者，我深知找到一套既能跟上训练进度、又能保持古典音乐原汁原味的伴奏集有多么不容易。市面上很多伴奏碟片，要么是电子合成器配乐，听起来干巴巴的，缺乏真实乐队的层次感和呼吸感；要么就是找了某位大师的录音，但曲目编排和训练结构并不完全适配当下主流教学体系的要求。这本《高年级女班一》的出现，简直是解决了我的一个大痛点。它的曲目选取和结构安排，非常贴合我们这个阶段（通常指学员已经掌握基础语汇，开始进入技术难度和艺术表现力提升的阶段）的实际需求。比如说，在慢板Adagio的练习部分，编排者似乎深谙如何用音乐的张力来引导舞者找到更深层次的支撑和更绵长的线条，而不是简单地放一段慢速的旋律。里面的和声进行处理得非常精致，偶尔出现的微小变调或转调，都在潜移默化中训练着学习者的听觉敏感度。我尝试着用它来配合我的日常练习，发现自己的注意力更容易集中在动作的“连贯性”和“呼吸感”上，而不是被不合适的音乐打断节奏。这套书的价值，绝不仅仅是提供背景音乐，它本身就是一套隐形的、高级的音乐指导工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常有古典韵味，那种深邃的蓝色和优雅的金色字体搭配起来，一下子就让人联想到了舞台上那些身姿曼妙的舞者。我一开始是冲着名字里那个“古典芭蕾”的关键词来的，毕竟现在市面上的很多教材都偏向于新派或者爵士融合，真正纯粹的古典训练材料反而不好找。当我翻开内页时，首先注意到的是乐谱的排版，清晰度非常高，即便是对乐谱不是很精通的人，也能大致分辨出节奏和速度的变化。更让我惊喜的是，它不仅仅是简单的伴奏，你能从那些和弦进行和旋律走向中，感受到编排者对于古典芭蕾训练中各个阶段情感和力量需求的深刻理解。比如，在练习大跳（Grand Allegro）的部分，音乐的爆发力被处理得恰到好处，既有足够的推进感，又不会让人感觉过于急躁，这对于培养舞者对音乐的“驾驭感”至关重要。这种对音乐内涵的挖掘，让枯燥的重复性训练变得富有艺术感染力，仿佛每一次抬腿、每一次旋转，都在讲述一个无声的故事。对于一个严肃的舞者或者指导老师来说，这样一套注重“美学”而非单纯“技术”的配套音乐，是无价之宝。我个人觉得，这套书在细节上处理得非常到位，细节决定了训练的层次，而这套书明显是经过了专业人士反复推敲打磨的。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐的要求一直非常苛刻，毕竟古典芭蕾的灵魂就在于音乐。很多出版社的出版物，尤其是伴奏教材，常常在印刷质量和纸张选择上偷工减料，导致乐谱容易反光，或者在剧场等特定光线下根本无法看清。这套书在这方面做得非常出色。纸张厚度适中，哑光处理得很好，即便在舞台侧灯的直射下，字迹依然清晰锐利，这对于需要经常翻页或在指挥台附近阅读的伴奏师来说，是极大的便利。装帧方面也看得出用心，它不是那种廉价的胶装，而是采用了更结实耐用的装订方式，确保在反复翻阅和高强度使用下，内页不会轻易松脱。更重要的是，内容上，它严格遵循了古典主义和浪漫主义时期的音乐美学基调，没有出现任何为了迎合“新潮”而加入的、与古典芭蕾精神相悖的元素。它仿佛是一本被精心呵护的古董乐谱，每一页都散发着对传统的敬畏。对于追求极致专业度的舞团或学校而言，这种对细节的坚持，才是衡量一套教材是否值得长期使用的关键标准。