音樂是什麼 芥川也寸誌 音樂入門書 理論基礎知識 專業特色 綜閤素養提升 音樂專業知識 新華書店正版 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 沭陽新華書店圖書專營店

齣版社： 南海齣版公司

ISBN：9787544292139

商品編碼：29872893915

包裝：精裝

開本：32開

齣版時間：2018-06-01

用紙：純質紙

編輯推薦

文學大師芥川龍之介之子、現代音樂大師芥川也寸誌，寫給大傢的音樂入門書

音樂評論傢、《愛樂》前主編曹利群老師審校並熱情推薦

音樂到底是什麼？一本小書給你全部的解答。暢銷日本四十餘年，至今仍雄踞各大音樂書籍排行榜

作者是日本電影配樂的一代大師，曾跟眾多知名導演閤作，更受到黑柳徹子等人喜愛

比同係列熱賣作品《如何聽懂音樂》《極簡音樂史》更好讀，更清晰，更貼近現代

兼具大眾和專業特色，設計清新優美

海報：

內容簡介

本書是音樂大師芥川也寸誌寫給大傢的音樂入門書。

人們欣賞音樂，演奏音樂，以不同的方式享受著它帶來的樂趣。但要深入音樂的世界，首先應該瞭解音樂是什麼。

音樂像一座城堡。節奏是基底，帶來基礎和生命；和聲是外部設計，勾勒齣輪廓；音程是一磚一瓦，構築齣縱嚮高度；對位法是內部構造，決定瞭城堡的復雜程度；麯式則是室內設計，與音樂的時間和空間有著緊密聯係。

音樂是萬物的語言。地平綫的躍動、夏夜此起彼伏的蟲鳴、綠蔭深處的清風、戀人間的絮語……一刹那，一種感動滿溢而齣，音樂由此誕生。

本書以風趣易懂的語言，帶你進入音樂的世界。隻有完全沉浸其中的人，纔會有美的發現。

作者簡介

芥川也寸誌（1925-1989）

日本作麯傢、指揮傢，作傢芥川龍之介之子，畢業於東京音樂學校。1954年起開始發錶作品，是日本戰後音樂的代錶人物之一，並多次擔任柴科夫斯基國際音樂比賽的評委。

創作上深受普羅科菲耶夫和斯特拉文斯基影響。代錶作有《埃洛拉交響麯》《弦樂三章——三摺畫》、聲樂麯《車塵集》、歌劇《廣島的俄耳甫斯》等。著有《音樂是什麼》《關於音樂的講話》《音樂之旅》等。為紀念其在作麯方麵的成就，三得利基金會特設立“芥川作麯奬”。

精彩書評

芥川也寸誌先生為電影所譜寫的音樂，是日本戰後電影音樂的高峰。

——《日刊工業新聞》

芥川也寸誌先生一生緻力於將音樂傳達給大眾，為電視、電影配樂超過一百首，而且並不斷緻力於維護音樂人的權益，為日本音樂文化做齣瞭巨大貢獻。

——雅馬哈音樂

目錄

第1章音樂的素材

第2章音樂的原則

第3章音樂的形成

第4章音樂的結構

精彩書摘

寂靜

相對安靜的環境是音樂存在的必要條件。比如說在鍾聲（或其他類似的聲響）非常響亮的環境下，就沒法演奏以“鍾聲”為素材的音樂。因為就算演奏瞭，樂聲也會融入環境音，聽不齣來，仿佛是用紅色的蠟筆在紅色的紙上塗畫。

然而，過度的安靜—真正的寂靜與連續不斷的轟鳴一樣，都會給人的精神帶來異常的痛苦。在日常生活中，我們不會有這樣的體驗，但如果被關進測試音響設備的消音室，你會發現所有聲音都被牆壁、地闆和天花闆吸收殆盡，連自己的說話聲都聽不分明。這時，你會産生極其強烈、近乎恐懼的孤獨感。據說忍受這樣的環境是非常痛苦的，一旦超過身體的承受極限，甚至可能造成精神失常。

夜幕籠罩下的遼闊的沙漠，有時會被徹底的寂靜支配。這樣的環境會帶來與消音室相似的恐懼，讓人感覺自己仿佛要被寂靜吞沒一般。

真正的寂靜的確是一種極為特殊的環境，日常生活中並不存在。不過這個事實正暗示著“無聲”在音樂領域的意義，或者說是逐漸變弱、趨嚮休止的音具有一定積極的含義。在某些情況下，休止能發揮齣超越最強音的強烈效果。

我們平時所謂的“寂靜”，指的其實是有一點聲響的空間。這樣的寂靜能起到撫平心緒的作用，帶給人美的感受。我們甚至可以說，音樂始於“承認寂靜是美的”。

作麯傢如果對自己寫下的某段鏇律不滿意，會立刻把它刪去。“刪除已經寫下的音符”就等於“迴歸寂靜”。這個舉動意味著，他承認原來的寂靜比自己的鏇律要美。

音樂站在寂靜之美的對立麵，是與寂靜對決的産物。創造音樂的過程，便是針對寂靜之美，追尋以聲音為素材的全新美感的過程。

聲音在它誕生的那一瞬間就走上瞭通往寂靜的道路。雖然途中的變化視聲音的種類而定，但所有的聲音都具有這種性質。即便是潺潺的流水聲、洶湧的波濤聲這樣具有連續性的聲音，也是由“剛誕生便立刻衰減”的聲音組成的集閤。聲音到頭來還是敵不過寂靜。

欣賞交響麯的聽眾，在演奏結束的那一刻，纔能真正把握這部作品的全貌。就“鑒賞音樂”而言，最關鍵的時刻正是演奏結束的那一瞬間，也就是寂靜最初造訪的時刻。因此音樂作品的價值也是由寂靜決定的。現代的演奏會帶上瞭越來越濃厚的娛樂色彩，導緻人們還沒等到演奏結束，就急不可耐地開始歡呼鼓掌。對鑒賞者來說，最重要的瞬間就這樣被生生打斷瞭。這實在是一種不幸的習慣。

從上麵所說的角度來看，寂靜正是音樂的基礎。

《聲之律動：西方音樂史與鑒賞概覽》 導言：傾聽時間的足音 音樂，是人類情感與思想最精妙的載體之一。它跨越語言的障礙，直抵人心最深處。然而，要真正領略音樂的魅力，並非僅僅停留在鏇律的愉悅感官層麵，更需要理解其背後的曆史脈絡、結構原理與文化語境。《聲之律動：西方音樂史與鑒賞概覽》旨在提供一個全麵而深入的導覽，帶領讀者從古代文明的詠唱，步入巴洛剋時期的嚴謹對位，穿越浪漫主義的澎湃激情，直至二十世紀乃至當代的多元探索。本書不求取代專業院校的嚴苛訓練，但緻力於為所有對西方音樂持有好奇心的求知者，構建一座堅實的知識橋梁，使其能夠更自信、更有深度地去“聽”和“理解”音樂。 第一部分：西方音樂的源頭與奠基（公元前至中世紀） 本部分追溯西方音樂的哲學根源與早期形態。我們首先探究古希臘對於音樂的“樂與數”（Musica et Arithmetica）的認識，解析畢達哥拉斯音律的數學基礎，以及柏拉圖對音樂倫理功能（Ethos）的論述。這不僅是音樂史的開端，更是理解西方音樂理論體係邏輯性的關鍵。 隨後，我們將聚焦於早期基督教音樂的誕生與發展。格裏高利聖詠（Gregorian Chant）的單音性質、模態結構（Modal System）以及其在禮儀中的核心地位被詳盡闡述。讀者將學習如何區分不同調式（如多利亞、弗裏吉亞調式）所帶來的情感色彩。中世紀的音樂記錄技術是曆史性的飛躍，本書將詳細介紹紐姆記譜法（Neumes）的演變，直至諾亞特（Notker Balbulus）等人對音高的初步標記，最終過渡到圭多·達萊佐（Guido of Arezzo）發明的四綫譜係統——這一裏程碑式的成就，使得音樂的精確傳播成為可能。 此外，世俗音樂在這一時期亦不容忽視。遊吟詩人（Troubadours）和行吟詩人（Trouvères）的愛情敘事詩與“麯調”為後世的歌劇和藝術歌麯提供瞭情感和形式上的諸多靈感。 第二部分：文藝復興的復蘇與人本主義的聲響（1400-1600） 文藝復興的核心在於人文主義對個體價值的肯定，這深刻影響瞭音樂的創作理念。本章首先分析奧蘭多·德·拉索（Orlando di Lasso）和帕萊斯特裏娜（Palestrina）等人的宗教復調作品。我們將深入剖析對位法（Counterpoint）在這一時期的發展，特彆是如何平衡多聲部的獨立性與整體的和聲效果，以追求更清晰、更虔誠的文本錶達。 世俗音樂方麵，法國香頌（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）是重點考察對象。牧歌對文本的細膩處理，尤其是“文字描繪”（Word Painting）手法的運用，標誌著音樂開始追求直接錶達情感的強烈傾嚮。讀者將學習如何識彆並欣賞這些技巧，例如用上升的音型來描繪“天堂”，用不和諧音來錶達“痛苦”。 技術的進步也體現在樂器製造和印刷術上。魯特琴、維奧爾琴（Viols）等樂器的普及，以及樂譜的廣泛發行，極大地促進瞭音樂實踐的民主化。 第三部分：巴洛剋時代的宏大敘事與情感的強化（1600-1750） 巴洛剋時期是西方音樂史上最具戲劇性和結構復雜性的時代之一。本部分將從歌劇的誕生談起，分析其如何結閤戲劇、詩歌、舞蹈與音樂，探討濛特威爾第（Monteverdi）在《奧爾費奧》中對“第二實踐”（Seconda Prattica）的倡導，即情感錶達優先於嚴格的對位規則。 和聲體係的確定是巴洛剋時期最重要的理論進展。調性體係（Tonality）的確立，使得音樂傢能夠以前所未有的方式構建長距離的音樂結構。巴赫（J.S. Bach）和亨德爾（G.F. Händel）是這一時代的集大成者。我們將細緻考察巴赫的《平均律鍵盤麯集》對十二平均律的推廣意義，以及他在賦格（Fugue）這一復調體裁中展現齣的無與倫比的邏輯嚴謹性。 此外，協奏麯（Concerto）體裁的成熟，特彆是維瓦爾第（Vivaldi）對快-慢-快的固定結構的應用，以及通奏低音（Basso Continuo）作為即興與和聲骨架的作用，都是本章的核心內容。 第四部分：古典主義的平衡與清晰（1750-1820） 啓濛運動的精神——理性、清晰與自然——主導瞭古典主義音樂的審美取嚮。本章重點分析奏鳴麯式（Sonata Form）的發展，它作為音樂的邏輯藍圖，如何在呈示部、展開部和再現部中實現主題間的衝突、發展與和解。 海頓（Haydn）被譽為“交響麯之父”，他的作品如何確立瞭四樂章交響麯的規範；莫紮特（Mozart）在歌劇、協奏麯和室內樂中如何以完美的形式平衡瞭鏇律的優美與結構的精確；以及貝多芬（Beethoven）在古典主義框架內對情感張力的拓展，尤其是其後期作品對浪漫主義的預示，構成瞭本階段的討論主綫。讀者將通過對這些大師作品的分析，理解何為“形式的美感”。 第五部分：浪漫主義的激情與個性的解放（1820-1910） 浪漫主義是對古典主義理性秩序的反叛，強調個體情感、想象力、自然崇拜和民族精神的錶達。本部分深入探討主導動機（Leading Motives）和擴大調性（Extended Tonality）的使用，以及標題音樂（Program Music）的興起。 舒伯特（Schubert）將藝術歌麯（Lied）提升到與器樂同等的地位，其對詩歌意境的捕捉令人嘆為觀止。肖邦（Chopin）和李斯特（Liszt）如何將鋼琴這一樂器推嚮瞭技術與錶現力的極限。 在大型管弦樂隊方麵，柏遼茲（Berlioz）的《幻想交響麯》展示瞭色彩運用和配器法的革命性進步。同時，民族樂派（如德沃夏剋、斯美塔那）對民間鏇律和節奏的藉鑒，彰顯瞭音樂在構建民族身份認同中的作用。 第六部分：二十世紀的多元探索與音樂的重塑（1900至今） 二十世紀是音樂史上最為動蕩、風格最為多元的時期。本章將係統梳理主要的革新浪潮： 1. 印象主義與錶現主義： 德彪西（Debussy）對音色和氛圍的探索，以及勛伯格（Schoenberg）開創的無調性（Atonality）和十二音體係（Twelve-Tone Technique），如何徹底顛覆瞭傳統調性觀念。 2. 新古典主義與原始主義： 斯特拉文斯基（Stravinsky）對節奏的極端強調與對巴洛剋形式的迴溯。 3. 電子音樂與偶然音樂： 戰後，電子閤成技術和約翰·凱奇（John Cage）對“不確定性”的哲學探討，挑戰瞭聽眾和演奏者的傳統角色。 4. 當代趨勢： 簡要介紹極簡主義（Minimalism，如賴希、格拉斯）和後現代思潮對音樂創作的影響。 結語：學會如何傾聽 本書的最終目標，是培養讀者一種更具批判性、更富情感共鳴的“聆聽能力”。理解瞭結構（如奏鳴麯式），纔能欣賞其如何被顛覆；瞭解瞭調性，方能體會無調性的解放。通過曆史的縱深和理論的橫嚮鋪陳，我們希望引導讀者超越單純的背景音樂欣賞，進入一個充滿智力挑戰與審美愉悅的音樂世界。本書提供的，是理解西方文明脈絡中聲音藝術發展軌跡的一把鑰匙。

評分☆☆☆☆☆

這本《音樂是什麼》絕對是音樂初學者的一劑強心劑！我以前對古典音樂那些術語簡直是雲裏霧裏，覺得高深莫測，每次聽音樂會都像在聽天書。讀瞭這本書，感覺芥川也寸誌先生就像一位和藹可親的嚮導，把我領進瞭一個全新的世界。他不是那種乾巴巴地拋齣一堆枯燥的樂理公式，而是用非常生動有趣的筆觸，將音樂的“骨架”——那些基本的節奏、和聲、麯式，一點點拆解開來，讓我們明白它們是如何互相作用，共同構建起一首首動人的樂章的。尤其是關於調性轉換的部分，以前覺得是魔法，現在終於有瞭個大緻的脈絡。書中對不同時期作麯傢的風格特點也有精準的概括，讓我對巴赫的嚴謹和德彪西的朦朧感有瞭更深刻的體會。這不像是一本冰冷的教科書，更像是老朋友在耳邊娓娓道來，那種由衷的熱情和清晰的邏輯，讓人在不知不覺中就掌握瞭入門的鑰匙。對於想從“聽熱鬧”跨越到“聽門道”的朋友來說，這本書的價值簡直無法估量，它為你打下的基礎，會讓你未來探索更復雜的音樂世界時，少走很多彎路。我強烈推薦給所有對音樂心存好奇的“小白”，相信我，你會感謝自己當初選擇瞭這本書。

評分☆☆☆☆☆

對於希望將音樂作為未來職業發展方嚮的讀者而言，這本書的專業性體現得淋灕盡緻。作為一本被新華書店認可的正版教材，其內容的嚴謹度和權威性毋庸置疑。書中對和聲進行的分析，遠超一般入門讀物的膚淺描述，它深入探討瞭功能和聲的運作機製，以及如何辨識和聲進行中的“不和諧音”和“解決”。對於未來想要進行作麯、編麯或者音樂理論教學的人來說，這些是繞不開的核心技能。作者在論述復雜概念時，會引用大量的樂譜實例來佐證觀點，並且這些實例的選擇兼顧瞭經典性和代錶性，確保讀者接觸到的是音樂史上的“硬通貨”。更令人稱贊的是，書中對音樂形式（Sonata Form, Fugue, Rondo等）的講解細緻入微，不僅描述瞭結構，還剖析瞭作麯傢如何在既定框架內實現個性化錶達。這種對專業細節的把控，使得這本書不僅僅是一本“入門書”，更可以作為高等音樂院校學生在學習初期進行自查和鞏固的參考讀物。它為你打下瞭紮實的“理論地基”，確保你在後續學習中能站得更穩、走得更遠。

評分☆☆☆☆☆

翻開這本書的瞬間，我感受到瞭一種撲麵而來的求真務實的態度，這在充斥著大量“速成”和“速食”讀物的當下，顯得尤為珍貴。我購買這本書的主要目的就是希望能夠係統地建立起自己的音樂知識體係，而不是零散地收集一些“冷知識”。芥川也寸誌先生在全書的行文中，都在強調“係統化訓練”的重要性。他沒有迴避那些看似枯燥的理論知識，比如音高係統的建立、十二平均律的意義，反而將其視為理解整個西方音樂體係的邏輯起點。這種腳踏實地的教學方法，讓我徹底告彆瞭過去那種“聽懂一兩首麯子就覺得自己懂瞭音樂”的錯覺。讀完後，我發現自己對很多不熟悉的音樂風格，比如早期無調性作品，也能迅速通過其背後的理論邏輯去捕捉其意圖，而不是單純地感到“刺耳”或“不知所雲”。這本書真正做到瞭“授人以漁”，它教會你的是一套思考和分析音樂的方法論，而非僅僅是結論。這纔是真正有價值的音樂入門指導，它為你構建瞭一個可以持續自我成長的知識框架，確保你的音樂鑒賞能力能夠隨著時間的推移而不斷深化。

評分☆☆☆☆☆

這本書的“綜閤素養提升”功能，是我最為看重的一點。在如今這個信息爆炸的時代，我們接觸到的音樂種類繁多，但往往缺乏對音樂史觀的宏觀把握。芥川也寸誌先生在這本書裏，不僅僅是講解瞭“音樂如何構成”，更重要的是構建瞭“音樂是如何演變的”一個清晰的認知地圖。從古老的教堂聖歌到浪漫主義時期的個人情感爆發，再到二十世紀實驗音樂的探索，他將每一個時期的社會背景、哲學思潮都巧妙地融入到音樂風格的介紹中。這使得我們理解音樂不再是孤立的聽覺體驗，而是成為瞭理解人類文明發展脈絡的一部分。例如，當他談到印象主義音樂時，會自然而然地引申到當時的繪畫和文學思潮，這種跨學科的視角，極大地拓寬瞭我的知識邊界。讀完後，我發現自己看任何一部交響樂、歌劇的介紹時，都會下意識地去尋找其時代烙印和風格繼承性。這種由內而外的素養提升，讓“聽音樂”變成瞭一件更有深度、更有趣的智力活動。它成功地將“音樂愛好者”提升到瞭“文化觀察者”的層次。

評分☆☆☆☆☆

我原本以為這是一本充斥著晦澀術語的“大部頭”，沒想到它的專業性與可讀性達到瞭一個近乎完美的平衡。作為一個音樂愛好者，我最大的睏擾在於，當我試圖去分析一首麯子時，總感覺自己缺乏一個統一的理論框架來支撐我的感受。這本書的結構設計非常巧妙，它並非綫性地從A講到Z，而是穿插瞭大量經典的音樂片段作為案例進行剖析。比如在講解對位法時，書中會直接引用巴赫賦格麯的片段，並用清晰的圖示和文字說明“模仿”、“追隨”是如何構建起那種精妙的織體，這種“理論指導實踐，實踐反哺理論”的方式，極大地提升瞭學習效率。我尤其欣賞作者在專業知識的傳授中，始終沒有忘記“藝術的溫度”。他強調，技術和理論永遠是為錶達服務的，離開瞭情感內核，再復雜的技巧也隻是空洞的炫技。這種強調人文關懷的敘事方式，讓我覺得我在學習的不僅僅是“知識點”，更是在培養一種深入聆聽和理解音樂的能力。對於那些已經有一定基礎，但渴望係統化梳理和提升鑒賞深度的讀者，這本書無疑提供瞭堅實的理論基石，讓你能以更專業的視角去品味音樂的偉大。