音乐是什么 芥川也寸志 音乐入门书 理论基础知识 专业特色 综合素养提升 音乐专业知识 新华书店正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 沭阳新华书店图书专营店

出版社： 南海出版公司

ISBN：9787544292139

商品编码：29872893915

包装：精装

开本：32开

出版时间：2018-06-01

用纸：纯质纸

编辑推荐

文学大师芥川龙之介之子、现代音乐大师芥川也寸志，写给大家的音乐入门书

音乐评论家、《爱乐》前主编曹利群老师审校并热情推荐

音乐到底是什么？一本小书给你全部的解答。畅销日本四十余年，至今仍雄踞各大音乐书籍排行榜

作者是日本电影配乐的一代大师，曾跟众多知名导演合作，更受到黑柳彻子等人喜爱

比同系列热卖作品《如何听懂音乐》《极简音乐史》更好读，更清晰，更贴近现代

兼具大众和专业特色，设计清新优美

海报：

内容简介

本书是音乐大师芥川也寸志写给大家的音乐入门书。

人们欣赏音乐，演奏音乐，以不同的方式享受着它带来的乐趣。但要深入音乐的世界，首先应该了解音乐是什么。

音乐像一座城堡。节奏是基底，带来基础和生命；和声是外部设计，勾勒出轮廓；音程是一砖一瓦，构筑出纵向高度；对位法是内部构造，决定了城堡的复杂程度；曲式则是室内设计，与音乐的时间和空间有着紧密联系。

音乐是万物的语言。地平线的跃动、夏夜此起彼伏的虫鸣、绿荫深处的清风、恋人间的絮语……一刹那，一种感动满溢而出，音乐由此诞生。

本书以风趣易懂的语言，带你进入音乐的世界。只有完全沉浸其中的人，才会有美的发现。

作者简介

芥川也寸志（1925-1989）

日本作曲家、指挥家，作家芥川龙之介之子，毕业于东京音乐学校。1954年起开始发表作品，是日本战后音乐的代表人物之一，并多次担任柴科夫斯基国际音乐比赛的评委。

创作上深受普罗科菲耶夫和斯特拉文斯基影响。代表作有《埃洛拉交响曲》《弦乐三章——三折画》、声乐曲《车尘集》、歌剧《广岛的俄耳甫斯》等。著有《音乐是什么》《关于音乐的讲话》《音乐之旅》等。为纪念其在作曲方面的成就，三得利基金会特设立“芥川作曲奖”。

精彩书评

芥川也寸志先生为电影所谱写的音乐，是日本战后电影音乐的高峰。

——《日刊工业新闻》

芥川也寸志先生一生致力于将音乐传达给大众，为电视、电影配乐超过一百首，而且并不断致力于维护音乐人的权益，为日本音乐文化做出了巨大贡献。

——雅马哈音乐

目录

第1章音乐的素材

第2章音乐的原则

第3章音乐的形成

第4章音乐的结构

精彩书摘

寂静

相对安静的环境是音乐存在的必要条件。比如说在钟声（或其他类似的声响）非常响亮的环境下，就没法演奏以“钟声”为素材的音乐。因为就算演奏了，乐声也会融入环境音，听不出来，仿佛是用红色的蜡笔在红色的纸上涂画。

然而，过度的安静—真正的寂静与连续不断的轰鸣一样，都会给人的精神带来异常的痛苦。在日常生活中，我们不会有这样的体验，但如果被关进测试音响设备的消音室，你会发现所有声音都被墙壁、地板和天花板吸收殆尽，连自己的说话声都听不分明。这时，你会产生极其强烈、近乎恐惧的孤独感。据说忍受这样的环境是非常痛苦的，一旦超过身体的承受极限，甚至可能造成精神失常。

夜幕笼罩下的辽阔的沙漠，有时会被彻底的寂静支配。这样的环境会带来与消音室相似的恐惧，让人感觉自己仿佛要被寂静吞没一般。

真正的寂静的确是一种极为特殊的环境，日常生活中并不存在。不过这个事实正暗示着“无声”在音乐领域的意义，或者说是逐渐变弱、趋向休止的音具有一定积极的含义。在某些情况下，休止能发挥出超越最强音的强烈效果。

我们平时所谓的“寂静”，指的其实是有一点声响的空间。这样的寂静能起到抚平心绪的作用，带给人美的感受。我们甚至可以说，音乐始于“承认寂静是美的”。

作曲家如果对自己写下的某段旋律不满意，会立刻把它删去。“删除已经写下的音符”就等于“回归寂静”。这个举动意味着，他承认原来的寂静比自己的旋律要美。

音乐站在寂静之美的对立面，是与寂静对决的产物。创造音乐的过程，便是针对寂静之美，追寻以声音为素材的全新美感的过程。

声音在它诞生的那一瞬间就走上了通往寂静的道路。虽然途中的变化视声音的种类而定，但所有的声音都具有这种性质。即便是潺潺的流水声、汹涌的波涛声这样具有连续性的声音，也是由“刚诞生便立刻衰减”的声音组成的集合。声音到头来还是敌不过寂静。

欣赏交响曲的听众，在演奏结束的那一刻，才能真正把握这部作品的全貌。就“鉴赏音乐”而言，最关键的时刻正是演奏结束的那一瞬间，也就是寂静最初造访的时刻。因此音乐作品的价值也是由寂静决定的。现代的演奏会带上了越来越浓厚的娱乐色彩，导致人们还没等到演奏结束，就急不可耐地开始欢呼鼓掌。对鉴赏者来说，最重要的瞬间就这样被生生打断了。这实在是一种不幸的习惯。

从上面所说的角度来看，寂静正是音乐的基础。

《声之律动：西方音乐史与鉴赏概览》 导言：倾听时间的足音 音乐，是人类情感与思想最精妙的载体之一。它跨越语言的障碍，直抵人心最深处。然而，要真正领略音乐的魅力，并非仅仅停留在旋律的愉悦感官层面，更需要理解其背后的历史脉络、结构原理与文化语境。《声之律动：西方音乐史与鉴赏概览》旨在提供一个全面而深入的导览，带领读者从古代文明的咏唱，步入巴洛克时期的严谨对位，穿越浪漫主义的澎湃激情，直至二十世纪乃至当代的多元探索。本书不求取代专业院校的严苛训练，但致力于为所有对西方音乐持有好奇心的求知者，构建一座坚实的知识桥梁，使其能够更自信、更有深度地去“听”和“理解”音乐。 第一部分：西方音乐的源头与奠基（公元前至中世纪） 本部分追溯西方音乐的哲学根源与早期形态。我们首先探究古希腊对于音乐的“乐与数”（Musica et Arithmetica）的认识，解析毕达哥拉斯音律的数学基础，以及柏拉图对音乐伦理功能（Ethos）的论述。这不仅是音乐史的开端，更是理解西方音乐理论体系逻辑性的关键。 随后，我们将聚焦于早期基督教音乐的诞生与发展。格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音性质、模态结构（Modal System）以及其在礼仪中的核心地位被详尽阐述。读者将学习如何区分不同调式（如多利亚、弗里吉亚调式）所带来的情感色彩。中世纪的音乐记录技术是历史性的飞跃，本书将详细介绍纽姆记谱法（Neumes）的演变，直至诺亚特（Notker Balbulus）等人对音高的初步标记，最终过渡到圭多·达莱佐（Guido of Arezzo）发明的四线谱系统——这一里程碑式的成就，使得音乐的精确传播成为可能。 此外，世俗音乐在这一时期亦不容忽视。游吟诗人（Troubadours）和行吟诗人（Trouvères）的爱情叙事诗与“曲调”为后世的歌剧和艺术歌曲提供了情感和形式上的诸多灵感。 第二部分：文艺复兴的复苏与人本主义的声响（1400-1600） 文艺复兴的核心在于人文主义对个体价值的肯定，这深刻影响了音乐的创作理念。本章首先分析奥兰多·德·拉索（Orlando di Lasso）和帕莱斯特里娜（Palestrina）等人的宗教复调作品。我们将深入剖析对位法（Counterpoint）在这一时期的发展，特别是如何平衡多声部的独立性与整体的和声效果，以追求更清晰、更虔诚的文本表达。 世俗音乐方面，法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）是重点考察对象。牧歌对文本的细腻处理，尤其是“文字描绘”（Word Painting）手法的运用，标志着音乐开始追求直接表达情感的强烈倾向。读者将学习如何识别并欣赏这些技巧，例如用上升的音型来描绘“天堂”，用不和谐音来表达“痛苦”。 技术的进步也体现在乐器制造和印刷术上。鲁特琴、维奥尔琴（Viols）等乐器的普及，以及乐谱的广泛发行，极大地促进了音乐实践的民主化。 第三部分：巴洛克时代的宏大叙事与情感的强化（1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐史上最具戏剧性和结构复杂性的时代之一。本部分将从歌剧的诞生谈起，分析其如何结合戏剧、诗歌、舞蹈与音乐，探讨蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中对“第二实践”（Seconda Prattica）的倡导，即情感表达优先于严格的对位规则。 和声体系的确定是巴洛克时期最重要的理论进展。调性体系（Tonality）的确立，使得音乐家能够以前所未有的方式构建长距离的音乐结构。巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Händel）是这一时代的集大成者。我们将细致考察巴赫的《平均律键盘曲集》对十二平均律的推广意义，以及他在赋格（Fugue）这一复调体裁中展现出的无与伦比的逻辑严谨性。 此外，协奏曲（Concerto）体裁的成熟，特别是维瓦尔第（Vivaldi）对快-慢-快的固定结构的应用，以及通奏低音（Basso Continuo）作为即兴与和声骨架的作用，都是本章的核心内容。 第四部分：古典主义的平衡与清晰（1750-1820） 启蒙运动的精神——理性、清晰与自然——主导了古典主义音乐的审美取向。本章重点分析奏鸣曲式（Sonata Form）的发展，它作为音乐的逻辑蓝图，如何在呈示部、展开部和再现部中实现主题间的冲突、发展与和解。 海顿（Haydn）被誉为“交响曲之父”，他的作品如何确立了四乐章交响曲的规范；莫扎特（Mozart）在歌剧、协奏曲和室内乐中如何以完美的形式平衡了旋律的优美与结构的精确；以及贝多芬（Beethoven）在古典主义框架内对情感张力的拓展，尤其是其后期作品对浪漫主义的预示，构成了本阶段的讨论主线。读者将通过对这些大师作品的分析，理解何为“形式的美感”。 第五部分：浪漫主义的激情与个性的解放（1820-1910） 浪漫主义是对古典主义理性秩序的反叛，强调个体情感、想象力、自然崇拜和民族精神的表达。本部分深入探讨主导动机（Leading Motives）和扩大调性（Extended Tonality）的使用，以及标题音乐（Program Music）的兴起。 舒伯特（Schubert）将艺术歌曲（Lied）提升到与器乐同等的地位，其对诗歌意境的捕捉令人叹为观止。肖邦（Chopin）和李斯特（Liszt）如何将钢琴这一乐器推向了技术与表现力的极限。 在大型管弦乐队方面，柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》展示了色彩运用和配器法的革命性进步。同时，民族乐派（如德沃夏克、斯美塔那）对民间旋律和节奏的借鉴，彰显了音乐在构建民族身份认同中的作用。 第六部分：二十世纪的多元探索与音乐的重塑（1900至今） 二十世纪是音乐史上最为动荡、风格最为多元的时期。本章将系统梳理主要的革新浪潮： 1. 印象主义与表现主义： 德彪西（Debussy）对音色和氛围的探索，以及勋伯格（Schoenberg）开创的无调性（Atonality）和十二音体系（Twelve-Tone Technique），如何彻底颠覆了传统调性观念。 2. 新古典主义与原始主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）对节奏的极端强调与对巴洛克形式的回溯。 3. 电子音乐与偶然音乐： 战后，电子合成技术和约翰·凯奇（John Cage）对“不确定性”的哲学探讨，挑战了听众和演奏者的传统角色。 4. 当代趋势： 简要介绍极简主义（Minimalism，如赖希、格拉斯）和后现代思潮对音乐创作的影响。 结语：学会如何倾听 本书的最终目标，是培养读者一种更具批判性、更富情感共鸣的“聆听能力”。理解了结构（如奏鸣曲式），才能欣赏其如何被颠覆；了解了调性，方能体会无调性的解放。通过历史的纵深和理论的横向铺陈，我们希望引导读者超越单纯的背景音乐欣赏，进入一个充满智力挑战与审美愉悦的音乐世界。本书提供的，是理解西方文明脉络中声音艺术发展轨迹的一把钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“综合素养提升”功能，是我最为看重的一点。在如今这个信息爆炸的时代，我们接触到的音乐种类繁多，但往往缺乏对音乐史观的宏观把握。芥川也寸志先生在这本书里，不仅仅是讲解了“音乐如何构成”，更重要的是构建了“音乐是如何演变的”一个清晰的认知地图。从古老的教堂圣歌到浪漫主义时期的个人情感爆发，再到二十世纪实验音乐的探索，他将每一个时期的社会背景、哲学思潮都巧妙地融入到音乐风格的介绍中。这使得我们理解音乐不再是孤立的听觉体验，而是成为了理解人类文明发展脉络的一部分。例如，当他谈到印象主义音乐时，会自然而然地引申到当时的绘画和文学思潮，这种跨学科的视角，极大地拓宽了我的知识边界。读完后，我发现自己看任何一部交响乐、歌剧的介绍时，都会下意识地去寻找其时代烙印和风格继承性。这种由内而外的素养提升，让“听音乐”变成了一件更有深度、更有趣的智力活动。它成功地将“音乐爱好者”提升到了“文化观察者”的层次。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书的瞬间，我感受到了一种扑面而来的求真务实的态度，这在充斥着大量“速成”和“速食”读物的当下，显得尤为珍贵。我购买这本书的主要目的就是希望能够系统地建立起自己的音乐知识体系，而不是零散地收集一些“冷知识”。芥川也寸志先生在全书的行文中，都在强调“系统化训练”的重要性。他没有回避那些看似枯燥的理论知识，比如音高系统的建立、十二平均律的意义，反而将其视为理解整个西方音乐体系的逻辑起点。这种脚踏实地的教学方法，让我彻底告别了过去那种“听懂一两首曲子就觉得自己懂了音乐”的错觉。读完后，我发现自己对很多不熟悉的音乐风格，比如早期无调性作品，也能迅速通过其背后的理论逻辑去捕捉其意图，而不是单纯地感到“刺耳”或“不知所云”。这本书真正做到了“授人以渔”，它教会你的是一套思考和分析音乐的方法论，而非仅仅是结论。这才是真正有价值的音乐入门指导，它为你构建了一个可以持续自我成长的知识框架，确保你的音乐鉴赏能力能够随着时间的推移而不断深化。

评分☆☆☆☆☆

对于希望将音乐作为未来职业发展方向的读者而言，这本书的专业性体现得淋漓尽致。作为一本被新华书店认可的正版教材，其内容的严谨度和权威性毋庸置疑。书中对和声进行的分析，远超一般入门读物的肤浅描述，它深入探讨了功能和声的运作机制，以及如何辨识和声进行中的“不和谐音”和“解决”。对于未来想要进行作曲、编曲或者音乐理论教学的人来说，这些是绕不开的核心技能。作者在论述复杂概念时，会引用大量的乐谱实例来佐证观点，并且这些实例的选择兼顾了经典性和代表性，确保读者接触到的是音乐史上的“硬通货”。更令人称赞的是，书中对音乐形式（Sonata Form, Fugue, Rondo等）的讲解细致入微，不仅描述了结构，还剖析了作曲家如何在既定框架内实现个性化表达。这种对专业细节的把控，使得这本书不仅仅是一本“入门书”，更可以作为高等音乐院校学生在学习初期进行自查和巩固的参考读物。它为你打下了扎实的“理论地基”，确保你在后续学习中能站得更稳、走得更远。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这是一本充斥着晦涩术语的“大部头”，没想到它的专业性与可读性达到了一个近乎完美的平衡。作为一个音乐爱好者，我最大的困扰在于，当我试图去分析一首曲子时，总感觉自己缺乏一个统一的理论框架来支撑我的感受。这本书的结构设计非常巧妙，它并非线性地从A讲到Z，而是穿插了大量经典的音乐片段作为案例进行剖析。比如在讲解对位法时，书中会直接引用巴赫赋格曲的片段，并用清晰的图示和文字说明“模仿”、“追随”是如何构建起那种精妙的织体，这种“理论指导实践，实践反哺理论”的方式，极大地提升了学习效率。我尤其欣赏作者在专业知识的传授中，始终没有忘记“艺术的温度”。他强调，技术和理论永远是为表达服务的，离开了情感内核，再复杂的技巧也只是空洞的炫技。这种强调人文关怀的叙事方式，让我觉得我在学习的不仅仅是“知识点”，更是在培养一种深入聆听和理解音乐的能力。对于那些已经有一定基础，但渴望系统化梳理和提升鉴赏深度的读者，这本书无疑提供了坚实的理论基石，让你能以更专业的视角去品味音乐的伟大。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐是什么》绝对是音乐初学者的一剂强心剂！我以前对古典音乐那些术语简直是云里雾里，觉得高深莫测，每次听音乐会都像在听天书。读了这本书，感觉芥川也寸志先生就像一位和蔼可亲的向导，把我领进了一个全新的世界。他不是那种干巴巴地抛出一堆枯燥的乐理公式，而是用非常生动有趣的笔触，将音乐的“骨架”——那些基本的节奏、和声、曲式，一点点拆解开来，让我们明白它们是如何互相作用，共同构建起一首首动人的乐章的。尤其是关于调性转换的部分，以前觉得是魔法，现在终于有了个大致的脉络。书中对不同时期作曲家的风格特点也有精准的概括，让我对巴赫的严谨和德彪西的朦胧感有了更深刻的体会。这不像是一本冰冷的教科书，更像是老朋友在耳边娓娓道来，那种由衷的热情和清晰的逻辑，让人在不知不觉中就掌握了入门的钥匙。对于想从“听热闹”跨越到“听门道”的朋友来说，这本书的价值简直无法估量，它为你打下的基础，会让你未来探索更复杂的音乐世界时，少走很多弯路。我强烈推荐给所有对音乐心存好奇的“小白”，相信我，你会感谢自己当初选择了这本书。